西方音乐史（上.下册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:兰州大学

作者:李天义

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1970-1

价格:98.0

装帧:平装

isbn号码:9787311027988

丛书系列:

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西方音乐史（上下册） 一、导论：音乐的起源与古老的回响 本书上册将带领读者穿越时空，从音乐最初的萌芽开始，探寻西方音乐的源头。我们将追溯人类早期对声音的感知与运用，了解史前时期歌唱、敲击等原始音乐形式的可能样貌，并考察古代文明，如古希腊、古罗马，在音乐理论、乐器发展及音乐与社会生活结合等方面的早期探索。 史前音乐猜想： 探讨人类早期音乐的可能形态，如模仿自然声音、节奏性劳动歌唱，以及早期乐器的雏形（如骨笛、鼓）。 古希腊音乐的智慧： 深入研究古希腊音乐理论，如毕达哥拉斯学派的音程与数学关系，柏拉图、亚里士多德关于音乐伦理和教育的观点。考察古希腊戏剧、宗教仪式中音乐的角色，以及竖琴、里拉等乐器的使用。 古罗马音乐的继承与演变： 了解古罗马音乐在古希腊音乐基础上的发展，以及音乐在军事、庆典、娱乐等社会生活中的应用。 二、中世纪的圣歌与世俗旋律 中世纪是西方音乐发展的重要转型期。本书将重点阐述早期基督教音乐——格里高利圣歌的形成与发展，以及由此衍生的复调音乐的萌芽。同时，也将目光投向世俗音乐领域，介绍游吟诗人和行吟诗人的创作，以及早期民间音乐的特点。 格里高利圣歌的辉煌： 详述格里高利圣歌的起源、特点、记谱法的发展（如纽姆谱），以及其在教会音乐中的核心地位。 复调音乐的曙光： 探讨奥尔加农（Organum）等早期复调音乐形式的出现，标志着音乐织体复杂化的开端。 世俗旋律的低语： 描绘游吟诗人、行吟诗人的生活与创作，了解他们的爱情诗、叙事曲等，以及音乐在宫廷和民间的传播。 中世纪晚期的音乐探索： 介绍法国的“新艺术”（Ars Nova）运动，如马肖等作曲家的创新，以及音乐记谱法的进一步发展。 三、文艺复兴：人性的觉醒与音乐的繁荣 文艺复兴时期，人文主义思潮涌动，对音乐产生了深远影响。本部分将聚焦于这一时期的音乐风格、作曲家及其重要作品，尤其是在声乐与器乐、宗教音乐与世俗音乐平衡发展方面的成就。 人声的赞歌： 深入研究复调声乐的巅峰，如弥撒曲、经文歌的创作，以及无伴奏合唱（A cappella）的艺术。 世俗音乐的多元化： 考察牧歌、香颂等世俗声乐体裁的兴盛，以及音乐与诗歌、戏剧的紧密结合。 器乐的独立： 追踪器乐独立发展的轨迹，介绍鲁特琴、管风琴等乐器的演奏技法，以及早期器乐曲（如前奏曲、奏鸣曲的雏形）的创作。 重要的作曲家群体： 重点介绍如若斯坎、帕莱斯特里那、拉索等代表性作曲家及其音乐风格。 四、巴洛克时期：激情、对比与宏伟 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满活力和戏剧性的时代。本书将详细阐述这一时期音乐的核心特征，如强烈的感情表达、对比手法的运用、华丽的装饰以及宏伟的音响效果。 歌剧的诞生与发展： 追溯歌剧的起源，如蒙特威尔第的早期歌剧，以及其在情感表达、戏剧冲突中的作用。 协奏曲式的确立： 详细讲解协奏曲（Concerto Grosso）、独奏协奏曲等体裁的形成与发展，如维瓦尔第的《四季》。 赋格与卡农的精湛： 深入分析赋格、卡农等复调技法的精髓，以巴赫的作品为例进行阐释。 键盘音乐的繁荣： 介绍巴洛克时期重要的键盘乐器，如羽管键琴、管风琴，以及巴赫、亨德尔等作曲家为这些乐器创作的辉煌作品。 重要的作曲家及其贡献： 深入探讨巴赫、亨德尔、维瓦尔第、普塞尔等大师的音乐风格与时代意义。 五、古典主义时期：均衡、清晰与典雅 古典主义时期以其对清晰、均衡、典雅的追求而著称。本书将引领读者领略这一时期音乐的秩序美、逻辑性和内在的理性光辉。 奏鸣曲式的成熟： 详细解析奏鸣曲式的结构、发展以及在不同体裁中的应用，如奏鸣曲、交响曲、四重奏。 交响曲的巅峰： 重点分析海顿、莫扎特、贝多芬等作曲家对交响曲体裁的贡献，及其音乐风格的演变。 协奏曲的完善： 介绍古典时期协奏曲的结构与演奏技巧，以及钢琴协奏曲的兴起。 室内乐的发展： 强调弦乐四重奏等室内乐体裁的重要性，及其在音乐表达上的精致与深刻。 主导作曲家及其标志性作品： 深入分析海顿的“交响乐之父”地位，莫扎特的音乐天才，以及贝多芬早期、中期、晚期作品的风格转折。 六、浪漫主义时期：情感的宣泄与个性的张扬 本书下册将进入浪漫主义时期，这是一个以情感、想象、个性和民族意识为核心的时代。我们将看到音乐如何突破古典时期的束缚，展现出更加丰富、多样的面貌。 情感的极致表达： 探讨浪漫主义音乐中强烈的情感冲突、戏剧性以及对超自然、神秘事物的描绘。 标题音乐的兴起： 介绍标题交响曲、交响诗等体裁，以及音乐如何描绘故事情节、自然景象和人物情感。 民族乐派的崛起： 阐述民族乐派作曲家如何运用本民族的民间音乐素材、传说和历史，创作具有独特民族风格的作品。 独奏乐器的辉煌： 深入分析钢琴、小提琴等独奏乐器在浪漫主义时期的发展，以及炫技派演奏家和抒情派作曲家的创作。 歌剧的革新： 探讨浪漫主义歌剧的发展，如瓦格纳的“乐剧”理念，以及意大利和德国歌剧的不同风格。 重要的浪漫主义作曲家： 详细介绍舒伯特、肖邦、李斯特、勃拉姆斯、柴可夫斯基、瓦格纳、威尔第等大师的音乐世界。 七、20世纪至今：多元化的探索与革新 20世纪是西方音乐经历巨变的时代。本书将重点梳理20世纪以来音乐发展的各种潮流、技法和风格，展现其前所未有的多元化和实验性。 印象主义的色彩： 介绍德彪西、拉威尔等作曲家如何运用模糊的和声、自由的节奏和丰富的色彩来营造朦胧的意境。 表现主义的张力： 探讨勋伯格及其弟子如何运用无调性、十二音体系来表达内心的极度焦虑和情感的宣泄。 新古典主义的回响： 分析斯特拉文斯基等作曲家如何借鉴古典时期的形式和技法，注入现代的语汇。 电子音乐与先锋派： 介绍电子音乐的出现，以及各种先锋派作曲家在音响、结构、演奏方式等方面的实验。 后浪漫主义与新民族主义： 探讨20世纪中期至后期，音乐在继承传统与寻求突破之间的各种尝试。 当代音乐的走向： 概述21世纪初至今的音乐发展趋势，以及技术、全球化等因素对音乐创作的影响。 20世纪至今的代表性作曲家： 介绍勋伯格、斯特拉文斯基、巴托克、肖斯塔科维奇、梅西安、利盖蒂等对现代音乐产生重要影响的作曲家。 八、结论：音乐的传承与未来 本书的最后部分将对西方音乐史的发展进行总结，探讨不同时期音乐风格之间的联系与传承，以及音乐在人类文化中的独特地位。同时，也将对未来音乐的发展进行展望，思考技术、社会和文化变迁将如何继续塑造音乐的面貌。

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这本《西方音乐史（上、下册）》简直是为我这种对古典音乐充满好奇，但又怕被晦涩理论劝退的“半吊子”乐迷量身定做的！我一直对巴洛克时期的辉煌和浪漫主义的激情充满了向往，但传统的教科书总是把重点放在那些我根本无从下口的曲式分析上。这本书最让我惊喜的是，它并没有急于将我拖入复杂的和声学泥潭，而是像一个经验丰富的导游，带着我一步步走过漫长的音乐长廊。开篇对古希腊音乐思想的梳理，虽然看似“跑题”，却巧妙地奠定了西方音乐哲学思辨的基调，让我明白了为什么中世纪的圣咏会是那个样子——原来一切都不是偶然的，而是文化土壤孕育的结果。特别是对中世纪复调音乐起源的描述，作者用生动的比喻和清晰的脉络，把那些看似晦涩的“奥尔加农”和“规律”讲得通俗易懂，让我第一次体会到，在没有五线谱的时代，人们是如何“创造性地”打破单调的。下册里对印象派和现代音乐的介绍更是精彩，它没有简单地贴上“实验”的标签，而是深入剖析了德彪西对色彩的追求，以及勋伯格在面对传统瓦解时的挣扎与突破，这种对“时代精神”捕捉的细腻，是其他通史类书籍难以企及的。读完之后，我再去听贝多芬或马勒的作品，那种理解的深度和厚度，完全是质的飞跃。

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拿到这套书的时候，我其实是抱着试试看的态度，毕竟“上下册”听起来就意味着厚重和枯燥。但读完前三分之一，我就发现自己完全陷进去了，完全停不下来，甚至开始后悔没有早点遇到它。这本书最迷人的地方在于它的叙事节奏感。你知道吗，作者讲故事的能力简直绝了！比如描述莫扎特在维也纳的创作高峰期，他不仅仅罗列了《费加罗的婚礼》的成功，而是通过描述当时宫廷与市民阶层之间微妙的权力关系，让我们感受到莫扎特音乐中那种优雅外表下暗藏的社会讽刺与个人才华的屈服与抗争。下册在谈到19世纪民族乐派时，那种笔法更是令人动容。他没有简单地将肖斯塔科维奇和西贝柳斯归为一类，而是深入挖掘了他们在各自国家历史背景下面对“国家意志”与“个人表达”的艰难抉择。那种对艺术家心灵的体察入微，让我感到非常亲近，仿佛作者就是站在我身边，为我娓娓道来这些音乐巨匠的人生戏剧。我甚至觉得，这不是一本音乐史，而是一部浓缩的欧洲人文思想变迁史，音乐只是它最动听的载体罢了。

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说实话，这套书的装帧和排版已经透露出一种沉稳大气的感觉，但真正让我震撼的是它对不同风格时期之间“过渡地带”的处理。很多教材总是喜欢用硬性的时间点来划分“文艺复兴结束，巴洛克开始”，但这本书却非常细腻地描绘了这种“渐变”的微妙。作者在描述盛期巴洛克音乐时，那种充满结构严谨感和宗教虔诚的笔调，与他在描述早期浪漫主义时那种对个人情感爆发的激情赞美形成了鲜明对比。尤其是对古典主义时期，作者没有满足于将其描绘成“平衡与和谐”的代名词，而是深入挖掘了海顿和莫扎特在形式实验中蕴含的巨大张力，那是一种在既有框架内寻求突破的智慧。我特别喜欢下册中对“调性”这一核心概念演变的阐述，从功能和声的稳固，到瓦格纳晚期调性的模糊，再到勋伯格的彻底解构，每一步的逻辑推演都清晰到令人拍案叫绝。它让我明白了，音乐的历史并非简单的风格更迭，而是一场围绕“组织声音的规则”的漫长哲学辩论，而这套书，就是这场辩论最精彩的记录。

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我是一个科班出身的音乐学学生，说实话，市面上那些所谓的“史书”很多都让人提不起精神，无非是把“作曲家A写了作品B，在C年进行了D创新”这种流水账堆砌起来。然而，这套《西方音乐史》的编纂视角非常独特，它真正做到了“以社会文化为经，以音乐技术为纬”进行编织。我尤其欣赏作者在处理文艺复兴晚期和巴洛克早期交界时所展现出的宏观视野。他没有把蒙特威尔第的“第二实践”仅仅视为一种“风格转变”，而是放在了整个宗教改革、贵族赞助制度变迁的大背景下进行考察，这为我们理解歌剧诞生的必然性提供了坚实的社会学基础。在技术层面，作者对“通奏低音”的讲解极其到位，从其结构功能到其实际演奏中的即兴操作，都有详尽的论述，这对于我们理解巴赫和亨德尔音乐的“骨架”至关重要。最令我这个专业人士感到欣慰的是，它对于20世纪初的序列主义和偶然音乐的讨论，没有停留在简单的介绍，而是深入探讨了其背后的美学思辨，比如斯特拉文斯基的“原始主义”与“新古典主义”之间的张力，以及韦伯恩如何将“序列”推向极致的内在逻辑。这套书的学术密度和思想深度，完全可以作为研究生阶段的补充阅读材料，它提供的不仅仅是知识点，更是思考问题的框架。

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我对历史题材的书籍一向比较挑剔，通常认为它们要么太偏重政治，要么就是文学味太浓而缺乏严谨性。但《西方音乐史（上、下册）》在这方面达到了一个惊人的平衡。让我印象最深的是它对“传播”和“接受”角度的关注，这在很多传统音乐史著作中是被忽略的。例如，在讨论格里高利圣咏的标准化过程中，作者详尽描述了修道院在知识保存和音乐统一方面所扮演的关键角色，这立刻将音乐从单纯的艺术创作提升到了文化工程的高度。再看后来的歌剧发展，作者并未聚焦于某个作曲家的个人成就，而是分析了剧院制度、赞助人体系乃至观众品味的迭代如何共同塑造了歌剧的面貌。尤其是下册中对录音技术和广播媒体出现后，音乐“本体”如何被“复制品”所挑战的探讨，极具前瞻性。这种将音乐置于技术和社会结构中考察的方法，极大地拓宽了我的认知边界，让我意识到，我们现在所听到的“经典”，其实是一系列历史偶然和制度选择的结果。它引导我思考，如果技术或社会结构稍有不同，我们今天听到的音乐可能就完全是另一番景象了。

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