中国画（第一册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:高等教育

作者:本社

出品人:

页数:84

译者:

出版时间:2007-1

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787040206470

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 美术
• 书法
• 国画
• 技法
• 入门
• 教材
• 中华文化

《中国画（第一册）》是一套旨在深入浅出地介绍中国画艺术的系列丛书的第一卷。本书并非简单罗列名家名作，而是着眼于构建一个系统的、可供学习者循序渐进理解的知识框架。 内容概览： 本册重点围绕中国画的 基础知识与核心元素 展开，为读者打开一扇认识中国画的窗口。具体而言，内容将涵盖以下几个核心板块： 中国画的起源与发展脉络： 追溯中国画从远古时代的萌芽，经过秦汉、魏晋、唐宋、元明清等各个历史时期，如何逐步形成其独特的风格、技法和美学思想。我们将探讨不同朝代在题材、笔墨、设色、构图等方面的发展变化，以及它们对后世产生的深远影响。这不是简单的历史堆砌，而是强调各个时期在中国画发展进程中的关键节点和转折意义。 中国画的材料与工具： 详细介绍中国画创作所必需的“文房四宝”——纸、墨、笔、砚，以及颜料、调色盘等辅助工具。我们将分析不同材质的宣纸（生宣、熟宣、半生熟宣）的特性及其在绘画中的应用；介绍墨的种类、研墨的方法以及墨色的运用技巧；讲解毛笔的种类（兼毫、狼毫、羊毫等）和选择，以及不同笔毫在运笔时产生的不同效果；探讨砚台的选购与保养。对这些基础工具的深入了解，是掌握笔墨技法的前提。 中国画的基本技法： 这是本册的核心内容之一。我们将从最基础的笔墨训练入手，介绍中国画的 “笔” 和 “墨” 的表现力。 用笔： 细致讲解点、线、面的基本笔法，如中锋、侧锋、逆锋、顺锋等运笔方式，以及提、按、顿、挫、转、折等动作在笔触上的体现。通过大量的实例示范，让读者理解如何通过不同的笔法来塑造物体的形态、质感和空间感。 用墨： 深入阐述中国画的“墨分五色”理论，即焦、浓、重、淡、清的墨色变化，以及如何通过墨色的浓淡干湿来表现物体的立体感、层次感和体积感。同时，也将介绍泼墨、积墨、破墨等常用的墨法，以及它们所能达到的艺术效果。 中国画的构图原理： 介绍中国画独有的构图观念，如“计白当黑”、“疏可跑马，密不通风”、“虚实相生”、“散点透视”等。我们将分析经典画作中的构图布局，讲解如何通过留白、取舍、移步换景等手法来营造画面的意境和节奏。 中国画的色彩运用： 介绍中国画传统的设色方法，包括工笔画的“青绿”、“金碧”等设色法，以及写意画中色彩的点染和烘托作用。我们将探讨色彩在中国画中的象征意义和情感表达功能，以及如何将色彩与笔墨和谐地结合起来。 本书特色： 强调理论与实践相结合： 本书并非枯燥的理论说教，而是将深厚的理论知识与实际的绘画练习紧密结合。每介绍一种技法，都会配以清晰的步骤图或范例作品，引导读者进行模仿和练习。 语言通俗易懂，注重启发性： 避免使用晦涩难懂的术语，力求用最简洁明了的语言解释复杂的概念。同时，注重激发读者的学习兴趣和创作潜能。 体系完整，为深入学习打下坚实基础： 作为系列丛书的第一册，本书旨在为读者构建一个完整、扎实的中国画基础知识体系，为后续更深入的学习（如花鸟、山水、人物等专项技法）奠定不可或缺的基础。 以点带面，突出中国画的独特美学： 在讲解基础技法的同时，也会适时点出中国画所蕴含的东方哲学思想和人文精神，让读者在学习绘画技艺的同时，也能体会中国画的独特魅力和深刻内涵。 适读人群： 本书适合所有对中国画感兴趣的初学者、绘画爱好者，以及希望系统学习中国画基础知识的学生和从业人员。无论您是否有绘画基础，都能从本书中获得有益的指导和启发。 总结： 《中国画（第一册）》致力于成为您中国画学习之路上的第一本、也是最重要的一本启蒙读物。它将引领您走进中国画的艺术殿堂，从最基础的笔墨韵味、构图法则到色彩运用，层层剖析，让您逐步领略中国画的博大精深和独特韵味。

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我是一个偏爱山水画的读者，这本书的第三部分简直是为我量身定做的“探幽之旅”。它以极其生动的笔触，带领我们走进了不同地域山水的精神肌理之中。比如，讲解黄公望的“平远”构图时，作者没有使用晦涩的术语，而是通过对比江南水乡的湿润与北方山脉的峻峭，让读者直观感受到“何为松动有致，何为雄浑苍劲”。书中穿插了几幅罕见的早期山水图局部特写，那些苔点的晕染效果，细致到连放大镜下才能观察到的笔触变化，都清晰可见，这无疑是为研究者提供了极高的参考价值。更让我赞叹的是，作者对古代画家“游历采风”的重视，他强调了“读万卷书，行万里路”对中国画创作的决定性影响，这使得那些名作不再是孤立的纸上符号，而是特定时代、特定地理环境下的情感结晶。

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这本《中国画（第一册）》的装帧设计着实让人眼前一亮，从触感细腻的封面材质到内页纸张的细腻度，都透露出一种对艺术的尊重。初翻阅时，我立刻被其对中国画发展脉络的梳理所吸引。它没有陷入枯燥的年代划分，而是巧妙地以“气韵生动”这一核心美学理念贯穿始终，使得各个时期的风格演变逻辑清晰，如同欣赏一幅流动的长卷。尤其值得称道的是，书中对于早期卷轴画与壁画的图版呈现，色彩还原度极高，那些斑驳的痕迹似乎都在诉说着千年的故事。作者的文字功底也极为深厚，在讲解“笔墨”这一中国画的基石时，那些关于皴法、点苔的描述，不再是冷冰冰的技法罗列，而是充满了哲思，让人理解了为何寥寥数笔，就能勾勒出山川的雄浑与个体的精神。对于初学者而言，它提供了坚实的理论基础，对于资深爱好者来说，书中穿插的几处关于某位大家创作心境的考据分析，更是提供了新的解读视角，让人不禁掩卷沉思，回味无穷。

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说实话，我拿起这本书是抱着一种“打卡式”的心态，毕竟市面上关于国画入门的书籍汗牛充栋。然而，这本书的独到之处在于其对“意境”的强调，这远超出了单纯的技法指导。它更像是一部写给心灵看的画论。书中对“留白”的阐释尤其精妙，作者没有简单地将其定义为“未画之处”，而是上升到了“虚实相生”的哲学层面，指出空白不仅是空间的留存，更是观者想象力介入的邀请函。在讲解花鸟画部分时，我惊喜地发现，它并未局限于工笔的精细描摹，而是花了大量篇幅去探讨写意花卉如何通过墨色的浓淡变化，传达出瞬间的情感波动——比如那几笔竹叶的疾速扫过，如何体现了画家的胸襟与气度。读完这几章，我再去临摹时，总感觉手中的笔触多了一层对生命力的捕捉，不再只是机械地复制轮廓，这是一种由内而外的提升，令人心悦诚服。

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总体而言，这本书的学术严谨性是毋庸置疑的，但它的可读性却丝毫不打折扣，甚至比许多纯粹的艺术史著作更为亲切。它成功地搭建了一座从古老技法到现代审美的桥梁。让我印象深刻的是，作者在全书收尾处，并没有急于总结，而是留出了一个关于“当代国画的困境与出路”的开放性讨论。他并没有给出标准答案，而是鼓励读者思考如何在继承传统精髓的同时，运用现代视角去重新激活这些古老的艺术语汇。这种鼓励独立思考的态度，对于正在摸索方向的年轻一代绘画者来说，是极其宝贵的精神指引。它让我明白，优秀的艺术作品永远是“活的”，它需要一代代人去对话、去传承、去注入新的生命力。这本书，绝不仅仅是一本“教科书”，更像是一位睿智的导师，在指引我们前行。

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坦白讲，我对古代人物画的研究一直比较薄弱，但这本书成功地“拉高”了我对人物画的兴趣点。它的叙事方式非常老练，没有将人物画简单地归类为“仕女”或“罗汉”，而是深入探讨了不同历史时期对“风神”的捕捉。例如，它对比了魏晋时期对人物“骨法用笔”的追求与唐代对“随类赋彩”的追求，这种对比不是对立，而是一种螺旋上升的艺术演进。书中对顾恺之《洛神赋图》的片段分析，简直是一堂大师课，作者细致入微地拆解了人物衣袂的飘动轨迹，如何呼应了洛神的幽怨与无奈，使得静态的画面仿佛有了音乐的韵律。这种对动态美学的捕捉能力，体现了作者深厚的文学素养和对人性的洞察力，让人在欣赏线条的同时，也被画中人物的喜怒哀乐深深触动。

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