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出版者:安徽美术出版社

作者:吴华林

出品人:

页数:40

译者:

出版时间:2007-1

价格:12.00元

装帧:

isbn号码:9787539817385

丛书系列:

图书标签:

• 幼年回忆
• 国画
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水墨意境：从点线到生命的跃迁 本书并非一本教授国画技法的入门手册，而是邀您一同踏上一段探索水墨精神与生命意境的旅程。它聚焦于中国画最根本的表达语言——线条与墨色的无穷变化，以及它们如何承载中国传统文化中对自然的观察、对情感的抒发和对哲思的体悟。 第一章：笔墨的语言——不止于形 我们不从勾勒轮廓开始，而是从最基础的笔触出发，探寻点、线、面的力量。每一笔的提按顿挫，都蕴含着能量的流动；每一墨的浓淡干湿，都展现着空间的呼吸。我们将一同理解，为何在中国画中，一根简单的线条，可以勾勒出山的巍峨，可以描摹出水的灵动，甚至可以传递出人物内心的情感波动。 点： 并非简单的墨点，而是生命力的凝聚。从微小的露珠，到繁密的落叶，点以其形态与聚散，构成画面的节奏与韵律。我们将体会如何用不同大小、形状、墨色的点，营造出视觉的趣味和深层含义。 线： 这是中国画的灵魂。我们将超越对“形状”的模仿，深入理解线的“骨力”与“神韵”。无论是刚劲有力的“折钗股”，还是圆润流畅的“飞白”，每一条线都拥有独特的性格。我们将探索如何通过线的变化，表现物体的质感、动势，以及空间的关系。 墨： “墨分五色”，并非指颜色的差异，而是指墨色在晕染、渗化中所产生的丰富层次。我们将学习如何通过积墨、破墨、泼墨等技法，赋予画面深邃的立体感和空间感。理解墨的“黑”，才能真正懂得“白”的妙用，懂得虚实相生、计白当黑的艺术智慧。 第二章：写意精神——捕捉刹那的生命 中国画的精髓在于“写意”，在于捕捉事物瞬间的神韵与生命力，而非机械地复制形体。我们将学习如何运用减法，去繁就简，提炼出事物最本质的特征。 形与神： “形似”是基础，而“神似”才是追求。我们将探讨如何在勾勒物象的同时，注入作者的情感与理解。一个眼神，一个姿态，都能成为传达人物内心世界的关键。 虚与实： 画面中的空白并非“没有”，而是“留白”。留白是中国画独特的空间处理方式，它能引导观者的想象，营造意境，增强画面的呼吸感。我们将学习如何巧妙运用留白，让画面“言有尽而意无穷”。 动与静： 即使是静态的画面，也能蕴含着生命的律动。通过线条的牵引、墨色的晕染，我们能够捕捉到风吹草动、鸟鸣虫叫的动态瞬间，让画面“活”起来。 第三章：意境的营造——自然与心灵的对话 中国画是中国文人精神的载体，它将对自然的观察与对人生哲理的思考融为一体。本书将带领您一同感悟，如何通过画面，表达人与自然的和谐统一，以及中国传统文化中“天人合一”的哲学思想。 山水寄情： 山水画不仅仅是对景物的描摹，更是画家情感的投射。我们将理解，为何山水能够寄托中国人的闲情逸致、高洁品格。从高远、深远、平远的构图法中，感受气势磅礴的自然，或是悠远宁静的心境。 花鸟传神： 花鸟画中，一草一木，一鸟一虫，都蕴含着深刻的寓意。我们不拘泥于描绘具体的花卉或禽鸟，而是注重捕捉它们的生长之态、栖息之姿，以及由此引发的联想。例如，竹子象征坚韧不拔，梅花象征傲雪独立。 人物心迹： 人物画不仅仅是肖像，更是对人物性格、命运的刻画。我们将探讨如何通过人物的眼神、表情、服饰、动作，以及他们所处的环境，来展现其内在的精神世界。 第四章：感悟与实践——从心开始的体验 本书的价值在于引导读者进行独立的思考和体验。我们鼓励您放下对“画得像不像”的执念，而是全身心地投入到笔墨的探索中，去感受每一滴墨汁在纸上的行走，去倾听笔尖与宣纸的对话。 观察是根基： 深入细致地观察自然，是创作的源泉。我们鼓励您走出画室，去感受风的触感，去聆听雨的声音，去观察花瓣的纹理，去体会树枝的姿态。将这份感受，转化为笔下的线条与墨色。 感受是灵魂： 绘画不仅仅是技巧的运用，更是情感的表达。尝试用笔墨去记录您当下的心情，去抒发您对生活的感悟。让画面成为您内心情感的真实写照。 练习是途径： 真正的理解，来源于不断的实践。本书不提供具体案例的临摹，而是倡导您从零开始，尝试用最简单的笔触，去表现您所感受到的自然和生命。从一次次的尝试中，找到属于您自己的表达方式。 本书旨在为您打开一扇通往中国画精神世界的大门，让您领略水墨的魅力，感受东方艺术的独特韵味。它不是一个关于“如何画”的教程，而是一次关于“如何看”、“如何感受”、“如何表达”的邀请。愿您在这场意境的探索中，找到属于自己的笔墨之美。

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作为一名长期在职场上摸爬滚打的上班族，我的时间非常零碎，很难有大块时间进行系统学习。这本书的编排方式非常贴合这种碎片化的学习需求。它将复杂的国画知识拆分成了许多独立的小模块，每个模块都可以在半小时内完成一个单元的练习和理解。比如，今天我可能只学习了如何用侧锋画出枇杷叶的厚重感，明天就可以集中精力练习如何用淡墨晕染出远山的层次。这种结构性非常清晰，不会让人产生学习压力。而且，书中提供的练习范例都不是那种耗时耗力的巨幅作品，而是精炼的局部特写，非常适合在工作之余放松身心。我发现，当我专注于练习某一个特定笔触时，那种专注感带来的放松效果甚至超过了冥想，这本教材在潜移默化中，成为了我缓解工作压力的有效工具，而不是另一项负担。

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这本书的“互动性”设计是我最欣赏的一点。它不仅仅是单向的知识输出，更像是设计了一场精心策划的绘画之旅。在每完成一个小主题的学习后，它都会提供一个“自检”环节，但这个自检并不是传统的选择题，而是要求读者尝试用刚学到的技巧去观察和描摹身边的一个真实物体，并对比书中的范例进行自我评估。这种强调“观察”和“实践转化”的教学方法，有效地打破了书本与现实之间的壁垒。更棒的是，书的最后附带了一份非常实用的“常见问题解答”，涵盖了从装裱常识到保存方法等一系列实用问题，这些都是在学习绘画过程中不可避免会遇到的“后勤”问题。这本教材真正做到了全方位覆盖，从你拿起毛笔的那一刻，到最终作品的保存，都为你考虑周全，体现出作者深厚的教学经验和对学习者的关怀。

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这本书的装帧设计简直让人眼前一亮，拿到手里就感觉沉甸甸的，质感非常好。内页纸张的厚度和纹理都非常适合绘画，即使用墨水也不会有明显的洇开现象，这对于初学者来说太重要了，不用担心浪费材料。更让我惊喜的是，它不仅仅是内容的堆砌，更是对传统国画精神的一种传递。从最基础的笔法、墨法的讲解开始，就非常注重“气韵生动”的理念，而不是单纯的技法模仿。书中的图例选择得很有品味，涵盖了花鸟、山水和人物的基础元素，每一步的分解都清晰可见，即便是零基础的人也能快速上手。我特别欣赏作者在介绍工具时那种娓娓道来的讲解，仿佛一位经验丰富的前辈在耳边指导，让人感到亲切和受用。特别是对于如何调墨、控制水分的描述，细致入微，避免了许多初学者常犯的“墨色死板”的错误。这本书的排版布局也做得非常专业，留白恰到好处，使得画面和文字的层次感非常清晰，阅读体验极佳，完全不是那种廉价的速成教材能比拟的。

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我必须承认，我对传统国画的了解一直停留在“水墨画”这个概念上，对于其中的流派差异、材料特性知之甚少。这本书在基础知识的普及方面做得非常出色，它的讲解逻辑非常严谨，层层递进，让人感觉自己像是在接受一堂大学艺术史的课程，但语气却轻松易懂。它详尽地介绍了不同种类宣纸在吸墨性上的差异，以及不同质地狼毫、兼毫笔在控制力上的区别，这些细微的差别对于最终作品的效果影响巨大，但往往在其他教程中被一笔带过。作者没有避开这些技术细节，反而将其视为艺术表现力的重要组成部分加以阐述。这使得我在第一次尝试使用不同毛笔作画时，就能更准确地预判出笔触的走向和墨色的变化，大大减少了因工具不熟练而产生的挫败感，让我对后续的学习充满了信心。

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我以前尝试过几本所谓的“国画速成”书籍，结果往往是教了一堆僵硬的线条和比例，画出来的东西毫无生气，完全没有国画的意境可言。但是这本画册给我的感觉完全不同，它更像是一本深入讲解东方美学的哲学读本。作者并没有急于让你去画完整的作品，而是花了大篇幅去探讨“意在笔先”的道理。他通过大量的古代名家的作品分析，教导我们如何从自然中获取灵感，如何用最简单的几笔勾勒出事物的神韵。比如在讲竹子的部分，它不是简单地教你画“一节一节”，而是深入分析了竹子在不同季节、不同姿态下所蕴含的文人情怀。这种由内而外的引导，让我开始真正思考“我要画什么”，而不是“我要怎么画”。对于那些希望从根本上理解国画精髓，而非仅仅停留在表面的爱好者来说，这本书的价值是无可替代的，它为你打下的是一个坚实的艺术观基础。

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现在还是不太会画松

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