云南民族美术学

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出版者:云南大学出版社
作者:杨海涛
出品人:
页数:182
译者:
出版时间:2004-12
价格:22.00元
装帧:
isbn号码:9787810688741
丛书系列:
图书标签:
  • 民艺
  • 云南民族美术
  • 民族美术
  • 云南美术
  • 美术史
  • 艺术史
  • 少数民族美术
  • 民间美术
  • 文化艺术
  • 云南文化
  • 艺术设计
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具体描述

《云南民族美术学》书写了云南的民族美术学。从文化发展的角度来看,云南民族艺术在一个相当长的时期里,一直游离于主流文化之外。这里的主流文化,是指人们通常认为的中原文化。

中原文化作为强势文化,有着明显区别于周边少数民族文化的特征。作为中国文化的集大成者,中原文化作为世界文明的发源之一,绵延数千年,无论是文化的结构,还是文化的传统,有着极为坚实的体系,在业已形成的世界文化格局中,中原文化具有深远的影响。而少数民族文化,尤其是云南少数民族文化,基本都在中原文化的直接或间接的影响下发展。当然,中原文化在上述的文化背景下,对于少数民族文化的影响,在进入的初始阶段并不强大。相对根深蒂固的少数民族文化而言,其定位也是非主流文化。也就是说,当先进文化进入非主流文化体系中的时候,如果自身影响力不够强大的话,相对这些文化而言,它也是一个弱势文化。当然,云南民族文化作为世界文化的一个组成部分,丰富着宏观文化体系的结构和内容。但它不可能成为世界文化的主干。所以,也不可能成为广义文化中的主流文化。可以这样说,云南少数民族文化在历史上没有对中原文化产生过太大的影响。

从春秋战国时期开始,贯穿整个封建时期,中原文化与云南民族文化之间,有着缓慢、时断时续的联系。当我们审视文化源流的时候,就会发现两者之间的文化根基并不相同。战国时期百家争鸣、诸子勃兴,这个时期的学术成果支撑起中原文化的大厦。

好的,以下是一部名为《彩云之南的艺术星河》的图书简介,该书内容与《云南民族美术学》并无关联: --- 《彩云之南的艺术星河》图书简介 导言:穿梭时空的艺术光影 本书旨在带领读者进行一次跨越地域、穿越历史的艺术之旅,重点聚焦于中国西南地区——广袤而神秘的云南省——在其多元文化土壤上孕育出的独特艺术现象。不同于传统美术史的线性叙事,本书采取了一种更加立体和多维度的视角,试图描摹出云南艺术图景中那片璀璨的“星河”。我们将剥离学院派的刻板框架,深入探讨那些根植于民族生活、宗教信仰、自然崇拜以及社会变迁之中的视觉表达形式。 第一部分:山地秘境中的符号与图腾——原生态艺术的深度剖析 云南,被誉为“世界物种基因库”和“人类文化多样性宝库”,其自然环境的复杂性直接催生了丰富多彩的原生态艺术形态。本部分将聚焦于那些尚未被大规模商业化和理论化定义的、生命力旺盛的民间艺术实践。 第一章:岩画与史前记忆的对话 我们将从云南发现的大量岩画遗址群入手,如沧源、麻栗坡等地留下的红色或黑色印记。这些跨越数千年的图像,不仅仅是远古人类活动的记录,更是早期宇宙观和生存哲学的视觉化表达。重点分析其构图的原始性、符号的内涵(如狩猎场景、生殖崇拜、神灵形象)及其与今日少数民族祭祀活动的隐秘联系。我们试图破译这些古老的“图腾密码”,理解它们在历史长河中如何演变,直至今日依然残存在某些偏远村寨的祭祀用品和图腾柱之上。 第二章:竹木与泥土的史诗——建筑与器物的生命张力 云南的物质文化是其艺术精神最直接的载体。本章将详细考察几种极具代表性的民族建筑风格:例如,哈尼族的“梯田与蘑菇房”中体现的顺应自然的哲学;彝族“干栏式”或僰人“悬棺”所暗示的空间观念;以及傣族竹楼的轻盈与智慧。在器物方面,我们将关注那些由手工匠人赋予生命的日常用品:从白族的扎染、蜡染中的几何纹样解析,到怒族藤编的精妙结构;从拉祜族竹筒酒器的雕刻,到怒江流域傈僳族对木雕的执着。分析这些手工艺品如何超越其实用性,成为承载民族记忆和美学追求的“活化石”。 第三部分:信仰的色彩与仪式的律动——宗教艺术与表演艺术的交融 在云南,艺术往往与神圣的仪式密不可分。本部分将深入探究宗教信仰如何塑造了视觉艺术的表达,以及这些表达如何通过表演转化为流动的、动态的艺术体验。 第三章:佛教东传与本土化的融合——寺院艺术的新面貌 虽然佛教在历史上自印度传入并沿着茶马古道深入云南,但其在滇南和滇西的传播过程中,吸收了大量本土信仰元素。本章将聚焦于大理白族自治州、西双版纳等地寺院的造像艺术、壁画和唐卡风格的演变。我们将对比汉传佛教、南传上座部佛教(小乘佛教)在云南的艺术特征差异,特别是南传上座部佛教中,其精美的金箔装饰、对称的布局以及对佛本生故事的细腻描绘,如何体现出热带气候下独特的审美趣味。同时,也将探讨本土神祇在佛教造像体系中的“潜伏”与重塑。 第四章:面具、舞蹈与神灵的附体——戏剧人类学的视角 云南拥有极其丰富的祭祀性舞蹈和傩戏。本章从人类学角度切入,分析面具艺术在仪式中的核心地位。例如,藏传佛教地区傈僳族、纳西族的“跳神”仪式,祭司佩戴的面具不仅仅是装饰,而是沟通人神世界的媒介。我们将探讨这些面具(如木雕、毛皮制作)的造型语言、色彩象征及其在特定节日中的功能。舞蹈的肢体语言、音乐(如芦笙、口弦琴)与视觉效果(服饰、道具)是如何共同构筑了一个完整的、沉浸式的“剧场”,表达对自然力量的敬畏与掌控的愿望。 第三部分:现代转型中的艺术呼唤——城市化与全球化的影响 进入近现代,云南的艺术生态面临着前所未有的冲击与机遇。本部分关注当代艺术家如何回应传统与现代的张力。 第五章:“他者凝视”下的艺术重构 自二十世纪初以来,云南成为西方人类学家、探险家和艺术家的重要目标。本章将审视外部视角(“他者凝视”)对云南艺术的记录、收藏和误读过程。同时,我们也将关注云南本土艺术教育体系的建立,以及第一代学院派艺术家(如1950-70年代成长起来的画家)如何尝试将民族元素——特别是图案、色彩和叙事方式——融入油画、版画等西方媒材。探讨这种“嫁接”过程中产生的张力、融合的成功案例与理论困境。 第六章:当代艺术的身份探索与文化再生产 在当代语境下,云南的视觉文化呈现出多元化的趋势。本章将分析当代艺术家如何从传统母题中汲取灵感,进行批判性反思与再生产。关注数字媒体艺术、装置艺术如何被用来探讨土地流失、环境变迁以及全球化对边缘文化身份的侵蚀等议题。通过对几位代表性当代艺术家的个案分析,我们看到,云南的艺术星河仍在不断拓展边界,用全新的语言讲述着古老土地上的现代故事。 结语:未完成的交响 《彩云之南的艺术星河》旨在提供一个观察云南艺术的框架,它不是定论,而是邀请读者进入一个持续流动、充满生命力的艺术现场。云南的美术生态,是岩石、江河、信仰和时间共同雕刻的宏大叙事。 ---

作者简介

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读后感

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用户评价

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说实话,这本书的装帧设计本身就是一件值得称赞的“美术品”。纸张的质感,色彩的还原度,都体现了出版方对内容的尊重。对于我这种视觉学习者来说,清晰且富有层次感的图片是理解民族艺术的关键,而《云南民族美术学》在这方面做得非常出色。那些复杂的织锦图案,在高清的复刻下,每一根丝线的走向、每一个色彩的晕染都清晰可见。但更让我赞赏的是,作者在文字中巧妙地融入了大量的“现场感”。他笔下的艺术家们,不是僵硬的符号,而是有血有肉的劳动者。比如描述少数民族戏曲脸谱的绘制过程,那种颜料在皮肤上晕开、在光线下变幻的动态美感,被文字捕捉得活灵活现。这本书真正做到了图文并茂的最高境界——文字激活了图像的深度,图像佐证了文字的温度。它让我对“民族特色”有了更深层次的感性认识,而不是停留在教科书式的标签化认知上。

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这本《云南民族美术学》实在是让我耳目一新,它不像那些传统的艺术史著作那样板着脸孔,而是充满了鲜活的生命力和深厚的文化底蕴。书中的图版选择极其考究,每一幅作品的呈现都仿佛带着彩云之南特有的光影和气息。我尤其欣赏作者在解读那些少数民族服饰纹样时的细腻与独到,比如苗族的银饰、彝族的漆器,它们不仅仅是简单的装饰,更是历史的载体、信仰的符号。作者没有停留在表面的描述,而是深入挖掘了这些视觉语言背后的社会结构、祭祀仪式乃至宇宙观。读起来,我仿佛跟着作者的笔触,穿梭在崇山峻岭之间,亲眼目睹那些古老的匠人在竹楼里、火塘边,用双手创造出令人惊叹的艺术瑰宝。对于任何一个对民族文化、地方艺术或者视觉人类学感兴趣的人来说,这本书都提供了一个绝佳的切入点,它重塑了我对“美”的理解——美,原来可以如此多元、如此扎根于土地和血脉之中。那种质朴与华丽的交织,那种对自然的敬畏与模仿,都让人深深折服。

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深入阅读《云南民族美术学》,我发现它在学术范式上做了很多有趣的探索。它超越了传统的“史”的概念,更像是对一种持续演变着的“活的艺术”的记录和反思。书中对于当代云南民族艺术家如何在全球化背景下,对传统元素进行挪用和创新的探讨,视角非常新颖。作者并没有沉溺于对逝去辉煌的缅怀,而是敏锐地捕捉到了文化在遭遇现代性时的张力与再生。这使得整本书的基调非常积极和具有前瞻性。它让我思考:当我们谈论“民族美术”时,我们谈论的究竟是历史遗存,还是正在发生的文化实践?这本书提供了一个开放的平台,鼓励读者去思考艺术与身份、艺术与变迁之间的复杂关系。对我而言,它不仅是工具书,更是一部激发我进行进一步研究和创作的灵感源泉,它拓宽了我的视野,让我看到了艺术世界中广阔的未知领域。

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我原本以为这会是一本晦涩难懂的学术专著,充满了枯燥的理论分析,但《云南民族美术学》完全颠覆了我的预期。它的叙事方式非常流畅自然,像是听一位学识渊博的长者在讲述他走过的山路、见过的故事。作者的文字功底可见一斑,既有学术的严谨性,又不失文学的韵味。特别是书中对特定艺术门类的考察,比如傣族的贝叶经书写技艺,作者描述得细致入微,从植物的选取到墨汁的调制,再到信徒虔诚的心境,层层递进,让人仿佛能闻到那股淡淡的植物清香。这种以点带面的深入挖掘,极大地提升了阅读体验。相比于宏观的艺术流派划分,这本书更专注于“人”和“技艺”的传承,强调了手工艺在民族文化生命线中的核心地位。它让我意识到,真正的艺术研究,是需要浸润到生活肌理之中的,而不是高高在上地做价值判断。这本书,与其说是艺术理论,不如说是一部云南民族艺术的“田野实录”。

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读完这本书,最大的感受就是震撼于云南艺术的“野性”与“自觉”。它没有受到主流艺术中心太多‘规范’的约束,保持着一种极其原始和纯粹的生命力。书里关于岩画和雕刻的部分尤其引人入胜,那些远古的符号,粗犷的线条,展现了一种直击灵魂的力量感。我特别喜欢作者在对比不同族群审美取向时所展现出的客观和尊重,没有用现代的、西方的标准去衡量,而是试图进入每一个族群自己的美学体系内部去理解。例如,纳西族东巴文化中的图腾崇拜,作者通过对祭祀用具和壁画的分析,揭示了其宇宙图景的构建方式,逻辑清晰,令人信服。这本书的价值不仅在于收集和展示了这些珍贵的艺术品,更在于它提供了一把理解多元文化共存的钥匙。它告诉我,艺术形式的差异背后,是人类面对自然、面对生存问题的不同智慧的体现。这种跨文化的对话能力,是这本书最宝贵的财富。

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作者是汤海涛!!!!

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厉害了我的姐!是汤海涛好吗?!

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作者是汤海涛!!!!

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作者是汤海涛!!!!

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作者是汤海涛!!!!

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