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出版者:暨南大学出版社

作者:凌晓蕾

出品人:

页数:244

译者:

出版时间:2006-04-01

价格:25.0

装帧:简裝本

isbn号码:9787810796880

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 美育
• 审美
• 艺术教育
• 文化
• 设计
• 绘画
• 雕塑
• 音乐
• 文学

《艺术美育》是一本旨在探索艺术与教育本质的著作。它并非一本简单的艺术鉴赏指南，也不是一本教授绘画、雕塑等具体技法的工具书。相反，它着力于挖掘艺术在个体成长和社会发展中所扮演的关键角色，以及如何通过科学而富有启发的教育方式，将艺术的价值最大化地传递给下一代。 本书的核心理念在于，艺术并非少数天才的专属领域，而是每个人与生俱来的感知和表达能力的重要组成部分。它认为，真正的美育，是引导个体认识世界、理解情感、激发创造力、培养独立思考能力的过程。因此，《艺术美育》将目光投向了艺术教育的深层逻辑，探讨如何构建一个更具包容性和生命力的艺术教育体系。 在内容上，本书将从多个维度深入剖析艺术美育的内涵： 一、艺术的本质与人类精神的关联 本书将首先对“艺术”这一概念进行宽泛而深刻的界定，超越狭隘的“美术”范畴，涵盖音乐、文学、戏剧、舞蹈、电影，乃至设计、建筑等一切能够激发感官、触动心灵、传递思想与情感的创造性活动。我们将深入探讨艺术作为人类独特精神产物的意义，它如何承载文化记忆，如何反映时代精神，又如何成为个体超越物质层面、抵达更高精神境界的桥梁。 我们将分析艺术如何通过其独特的语言——色彩、线条、声音、节奏、意象、叙事——来触及人类最深层的感受，唤醒我们被日常琐碎所掩埋的情感，帮助我们理解那些难以言喻的体验。从人类早期洞穴壁画的原始呼唤，到现代抽象艺术的内心独白，本书将追溯艺术与人类精神发展并行不悖的历史轨迹，展示艺术如何在不同文化、不同时代中，成为人类表达自我、探索未知、寻求意义的重要途径。 二、美育的教育学意义与哲学基础 本书将详细阐述“美育”作为一种教育模式的独特性和重要性。它不仅仅是知识的传授，更是人格的塑造，是情感的陶冶，是审美的启蒙。美育的根本在于培养个体的“感受力”和“创造力”，这两者是人类在快速变化的社会中保持活力、适应挑战、实现自我价值的关键能力。 我们将从教育学的角度，审视传统教育模式中可能存在的对艺术教育的忽视或片面化处理。本书将强调，美育不应仅仅是课余的“兴趣班”，而是应当被视为核心素养教育的重要组成部分，与语言、数学、科学等学科同等重要，甚至在某些方面具有更根本的意义。 在哲学层面，本书将梳理美育思想的发展脉络，从古希腊的柏拉图、亚里士多德关于美的观念，到卢梭、康德、席勒等启蒙思想家对艺术教育价值的论述，再到当代教育理论对创造性思维、多元智能的强调。我们将探讨“美”的本质是什么？“教育”的最终目的是什么？艺术如何在两者之间建立起坚实的联系，成为培养完整人格的关键力量。 三、艺术美育在实践中的多重维度 本书将把理论思考落地，深入探讨艺术美育在不同年龄段、不同环境下的具体实践。 童年早期：感官的启蒙与自由的表达 我们将重点关注儿童早期阶段的艺术美育。这一时期是孩子建立对世界最初认知、发展基本感官能力的关键。本书将强调，此时的艺术教育应以“玩”为核心，鼓励儿童通过绘画、泥塑、音乐、游戏等方式自由探索，培养他们的好奇心、观察力和动手能力。我们将讨论如何为孩子创设安全、鼓励性的环境，让他们敢于尝试，不怕犯错，在创造的过程中建立自信。 青少年时期：自我认知与情感世界的探索 进入青春期，个体开始面临更复杂的社会关系和更深刻的内心冲突。本书将探讨如何引导青少年通过艺术作品（无论是创作还是欣赏）来探索自我，理解复杂的情感，发展同理心。我们将分析不同艺术形式（如文学、电影、音乐）如何帮助青少年处理成长中的困惑、建立价值观、形成独立的审美判断。 成人教育与终身学习：艺术的慰藉与创造力的激活 艺术美育并非止步于学校教育，它更是成人世界中提升生活品质、缓解压力、激发潜在创造力的重要途径。本书将探讨如何在工作、生活中融入艺术元素，如何通过艺术活动（如参加工作坊、欣赏展览、阅读艺术评论）来丰富精神世界，保持学习的热情和创造的活力。 四、教育者与家长在艺术美育中的角色 本书还将深入探讨教育者和家长在艺术美育过程中扮演的关键角色。 教育者的角色：引导者、启发者与榜样 我们将分析优秀艺术教育者应具备的特质，他们不仅需要具备扎实的专业知识，更重要的是要有对艺术的热爱、对学生潜能的信任以及富有创造性的教学方法。本书将提供一系列可操作的教学理念和方法，帮助教育者更好地引导学生发现艺术的乐趣，激发他们的内在驱动力。 家长的角色：支持者、陪伴者与共同探索者 家庭环境对孩子的艺术启蒙有着至关重要的影响。本书将为家长提供切实可行的建议，如何在家中营造艺术氛围，如何与孩子一同欣赏艺术、创作艺术，如何用积极的态度对待孩子的艺术尝试，而非过早地用标准化的评判来限制他们的想象力。 五、面向未来的艺术美育：创新与挑战 在科技飞速发展、信息爆炸的时代，艺术美育面临着新的机遇与挑战。本书将展望未来艺术美育的发展趋势，例如如何利用新技术（如VR/AR、人工智能）赋能艺术教育，如何培养学生在数字时代下的艺术审美能力和批判性思维。同时，也将探讨如何应对文化多元化带来的挑战，如何在不同文化语境下进行有效的艺术交流与美育传播。 总而言之，《艺术美育》是一部致力于唤醒人们对艺术教育深刻价值认识的著作。它希望通过对艺术本质、教育理念以及实践方法的深入探讨，为读者，无论是教育工作者、家长，还是对艺术与教育充满热情的每一个人，提供一种全新的视角和有益的启示，共同推动一个更加注重个体生命力、创造力和精神富足的教育未来。这本书的目的是激发思考，而非提供标准答案，它鼓励读者在阅读过程中，结合自身经验，去发现和实践属于自己的艺术美育之路。

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这本书的开篇就给我一种非常宏大且深邃的哲学思辨感，它并没有急于展示具体的艺术作品或技法，而是先搭建了一个关于“美”的本质认知的框架。作者用了一种近乎诗意的语言，探讨了人类感知世界和构建意义的底层逻辑。我记得其中有一章深入分析了不同文化背景下对“和谐”与“冲突”的不同理解如何塑造了各自的审美取向，这对我来说是极具启发性的。它迫使我停下来思考，我平日里认为理所当然的“美”，其实是无数历史、社会和个体经验交织而成的产物。阅读过程中，我常常需要反复咀嚼那些长句和复杂的概念，感觉像是在攀登一座知识的高峰，每向上一步，视野都更加开阔，但同时也意识到自己知识的局限。这本书更像是一本心灵的地图，指引我去探索那些潜藏在艺术表象之下的形而上学的河流。它对“观看”这一行为本身的解构尤其精彩，让我开始以一种全新的、更具批判性的眼光去审视周围的一切艺术形式，不再满足于表面的愉悦，而是追求更深层次的精神共鸣。

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我是在寻找一些关于如何提升个人品味的“干货”时偶然翻开这本书的，但很快我就发现，这本书远超出了我最初的期待。它几乎完全避开了对具体流派的简单归类和介绍，而是专注于探讨“审美判断力”的养成过程。作者花了大量篇幅来剖析个体经验与集体文化规范之间的张力，强调了“反叛”在艺术发展中的核心驱动力。我特别喜欢其中关于“品味”的讨论，它不是一个静止的标签，而是一个持续的、动态的自我构建过程。这本书提醒我，真正的审美能力，来自于不断地质疑和超越现有的舒适区。我发现，在阅读过程中，我开始更频繁地审视自己的消费习惯和审美偏好，意识到许多选择其实是被无形的力量推着走的。这本书教会我的，与其说是如何欣赏艺术，不如说是如何更清醒、更有主见地生活，拒绝成为被动接受信息的容器。它提供了一种内在的坚韧性，让人在面对潮流冲击时，仍能坚守自己独有的精神坐标。

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这本书给我的整体感觉是“磅礴大气，却又细致入微”。它的结构设计非常精巧，每一部分都像是精心打磨过的宝石，相互折射出不同的光芒。作者的笔力极其老道，尤其擅长使用对比和排比的句式，使得长篇的议论读起来也充满节奏感，一点也不拖沓。最让我印象深刻的是，书中对“媒介变迁”如何重塑艺术形式的分析，从泥板到电子屏幕，每一次技术的飞跃都伴随着审美范式的颠覆。这种宏观的历史观让人感到震撼，仿佛站在了时间的长河之上，俯瞰人类创造力的潮起潮落。然而，这种宏大叙事并没有牺牲细节的精确性，比如他对某位具体艺术家的某个微小技法改进的捕捉，就体现了作者扎实的功底。总而言之，这本书是一次对人类精神疆域的全面勘探，它不仅仅是关于“看”，更是关于“理解”和“存在”的深刻反思，对于任何想要在精神世界中建立稳固根基的人来说，都是一本不可或缺的指南。

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我必须承认，初次接触这本书时，我对于其中大量的理论推导感到有些吃力。它不像是一本轻松的读物，更像是一部需要投入大量精力的学术著作。作者在论述中频繁引用了康德、尼采乃至东方哲学家的观点，构建了一个庞杂但严密的理论体系。比如，在讨论到“形式美”的必然性时，作者用了好几页篇幅来论证为何某些比例和结构能跨越时代引起共鸣，这部分内容对我这种偏好实践操作的读者来说，一度变成了需要“啃”下来的硬骨头。然而，一旦我理清了其中的逻辑脉络，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。这本书的价值在于，它把艺术从一个感性的、主观的领域，拉到了一个可以被理性分析和系统理解的层面。它没有提供任何速成的技巧，却提供了一套强大的分析工具，让我在面对任何艺术现象时，都能迅速抓住其背后的结构和意图。对我来说，这本书更像是一本“拆解”艺术的精密说明书，虽然操作起来需要技巧，但一旦掌握，便能洞察万物的构造。

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这本书的叙事风格简直像是一场流动的博物馆导览，只不过导览的不是实物，而是人类精神史上那些最激动人心的瞬间。作者的文字充满了画面感，尤其是在描述文艺复兴时期艺术家们如何打破陈规，追求透视法和人体解剖学精确性时，我仿佛能闻到湿润的颜料味和石灰尘的味道。他没有采用那种枯燥的编年史写法，而是巧妙地将不同时代、不同地域的艺术事件串联起来，展示出一种跨越时空的对话。比如，他将巴赫的对位法与中国古代的园林布局进行类比，说明了“层次感”和“留白”在不同艺术门类中的共通性，这种跨界的联想令人拍案叫绝。读完整本书，我感觉自己完成了一次精神的长途跋涉，从古希腊的雕塑厅走进了印象派的光影世界，再穿越回充满张力的现代主义空间。这本书的优点在于，它让原本严肃的艺术史变得生动有趣，它不是在教育你知识，而是在邀请你一同参与到人类文明的创造历程中去。

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