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出版者:Storey Publishing, LLC

作者:Ann Sayre Wiseman

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2003-10-15

价格:USD 9.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781580175128

丛书系列:

图书标签:

• 音乐制作
• 音乐理论
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• 音乐教育

《旋律的编织：探寻音乐的灵魂》 本书并非一本教你如何弹奏某一乐器，或是如何谱写一首完整的乐曲的“操作指南”。它是一次深入音乐内在肌理的旅程，一次对声音、情感与人类心灵之间微妙联系的探寻。我们不在这里拆解复杂的乐理公式，也不在这里提供让你快速“上手”的技巧。相反，我们将一同潜入音乐的深层，理解那些构成我们听觉体验的基石，那些让一段旋律触动灵魂、让一首乐章震撼心灵的普遍力量。 我们将从音乐最基础的元素——声音本身——开始。声音从何而来？它们如何被感知？我们并非从物理学家的角度去分析声波的振动，而是从美学的角度去感受声音的质感、色彩和能量。我们会探讨不同音色所蕴含的情感倾向，从温暖圆润的大提琴低语，到清亮锐利的小号号角，再到空灵飘渺的女高音吟唱。我们将思考，为何某些声音组合能带来宁静，而另一些则能激发激动。这种对声音质感的敏感，是理解音乐情感表达的第一步。 接着，我们将步入节奏的国度。节奏是音乐的脉搏，是它的生命线。我们不讨论复杂的拍号或切分音，而是去感受不同节奏型所带来的律动感和情绪指向。一段强劲而规律的鼓点，能唤起原始的力量和决心；一段轻快跳跃的三拍子，则可能充满欢欣或一丝忧郁。我们将思考，为何身体会不自觉地随节奏摇摆，为何某些节奏能让我们感到稳定，而另一些则会让我们心神不宁。我们将探索节奏如何构建音乐的张力与释放，如何引导听众的情绪起伏。 然后，我们将在旋律的河流中遨游。旋律是音乐的叙事者，是它传递情感的载体。我们不在这里学习音阶或琶音的指法，而是去感受旋律线条的走向、起伏与呼吸。一段舒缓流畅的旋律，能够抚慰心灵；一段跌宕起伏、充满戏剧性的旋律，则能勾勒出人生的起伏。我们将思考，为何某些旋律会萦绕心头，久久不能忘怀，为何某些音程的组合会让我们感到和谐，而另一些则会带来不安。我们将探究旋律如何通过其内在的逻辑和情感驱动，讲述一个无声的故事。 我们还将触及和声的奥秘。和声是音乐的色彩，是它丰富层次的来源。我们将不再拘泥于和弦的构成，而是去感受不同和声组合所带来的情感联想。从简单的三和弦到复杂的属七和弦，再到不协和音程的运用，每一种和声选择都在塑造着音乐的情感基调。我们会探讨，为何某些和弦进行听起来圆满和谐，为何另一些则会带来紧张或期待。和声不仅仅是音的叠加，更是情感的叠加，是为旋律注入灵魂的画笔。 此外，本书还将深入探讨音乐的结构与形式。我们不在这里分析赋格、奏鸣曲或变奏曲的曲式结构，而是去感受音乐如何在时间中展开，如何在不同的段落之间建立联系与对比。从简单的二部曲式到宏大的交响乐，音乐的结构就像建筑的骨架，为声音的流动提供了框架。我们将思考，音乐是如何通过重复、变奏、发展和再现来构建听觉的旅程，如何在不同的音乐主题之间建立对话。这种结构性的理解，让我们能够更好地把握音乐的逻辑和情感发展。 我们还会关注音乐的表达力，以及音乐如何与情绪、记忆和想象力产生深刻的连接。音乐不仅仅是声音的排列，它是我们情感世界的投射，是我们内心体验的放大器。我们将思考，为何同一首乐曲在不同的人心中会唤起不同的感受，为何某些音乐能勾起童年的回忆，为何某些旋律能激发我们对未来的憧憬。本书将引导你更加敏锐地捕捉音乐中的情感信息，更加深刻地理解音乐在人类生命中的独特价值。 最终，这本书旨在培养你一种对音乐更深层次的感知能力。它不是为了让你成为一个演奏家或作曲家，而是为了让你成为一个更懂得倾听、更懂得感受音乐的听众。通过对声音、节奏、旋律、和声以及结构的细致观察和深入思考，你将能够更加自由地徜徉在音乐的海洋中，发现那些隐藏在音符背后的无限可能，体验那些超越语言的深刻情感。这是一种对音乐灵魂的敬畏与理解，一种对声音艺术的全新认知。

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这本《和弦进行速查指南》简直是音乐创作者的救星！我作为一个常年在各种风格间游走的键盘手，经常在创作新曲子时卡在和弦转化的瓶颈上。市面上那些和弦书要么过于晦涩，充满了复杂的乐理术语，看得我头大，要么就是内容太基础，对我这种已经掌握了基础乐理的人来说毫无用处。这本书则完全不同，它的排版设计极其直观，色彩的运用也巧妙地区分了不同的调式和功能和弦。我尤其欣赏它将“常见进行”和“不常见但迷人进行”分门别类地整理出来，当我需要快速搭建一个流行歌曲的框架时，翻到第一部分就能迅速找到灵感；而当我想要给一段蓝调即兴加入一点不和谐的美感时，翻到后面那些更复杂的七和弦、九和弦的运用示例，简直是打开了新世界的大门。作者似乎非常理解创作者在实际操作中的痛点——不是不明白什么是属七和弦，而是不知道在那个特定的小节里，用降三音的属七和弦替换原本的属七和弦，能带来多大的情绪张力。书中提供的很多例子都是可以直接应用到钢琴上弹奏的，而不是仅仅停留在纸面上的理论符号。这使得它不仅仅是一本参考书，更像是一个实战手册，让我告别了过去那种“凭感觉”摸索和弦的低效方式。对于那些希望在不深入钻研高等和声学的前提下，迅速提升自己作品丰富度的音乐人来说，这本书的价值无法估量。

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作为一个已经做了十年流行乐制作人的朋友向我推荐了《节奏的几何学》。坦白说，我对“节奏”这个概念的理解一直停留在“数拍子”和“踩鼓点”的初级阶段。我习惯于依赖预设的鼓机音色和固定的节拍器，很少去深究节奏本身所蕴含的数学美感和文化根源。这本书彻底颠覆了我的认知。它从最基础的斐波那契数列谈起，逐步解析了非洲部落音乐中复杂的多重复节奏（Polyrhythms）是如何通过特定的数学比例实现的。阅读过程中，我感觉自己像是在解一道充满美感的数学题，而不是在学习音乐。书中对“错位感”（Syncopation）的分析尤其精彩，它不再仅仅被描述为“在弱拍上强调”，而是被解释为一种故意打破听众预期，从而在听觉上制造“推拉”张力的手法。我尝试着将书中介绍的“三对二节奏转换”应用到我正在制作的一首舞曲中，结果令人惊艳——原本平淡无奇的鼓组，立刻变得富有动感和生命力，仿佛有了呼吸。这本书的文字风格非常严谨，但插图和图表却异常清晰，即使是那些涉及到复杂节拍重叠的概念，也能通过作者精心设计的图形化表示被迅速理解。对于那些渴望突破现有创作瓶颈，希望自己的音乐在节奏层面拥有更深层次吸引力的音乐人来说，这本书无疑是一剂强心针。

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这本《早期键盘乐器：构造与音色》简直是音乐考古学爱好者的盛宴。我一直对大键琴（Harpsichord）和古钢琴（Fortepiano）抱有浓厚的兴趣，但市面上的书籍要么是高度学术化的乐器史，充满了枯燥的年代考证和木材学分析，要么就是非常简略地提及其与钢琴的区别。这本书的伟大之处在于，它将乐器的“机械构造”与它所产生的“音乐美学”紧密地联系了起来。作者没有满足于仅仅描述键位和弦槌的材质，而是深入探讨了不同年代、不同地域（比如意大利式大键琴与佛兰德斯式大键琴）在内部结构上的微妙差异，如何直接决定了其音色的亮度、延音和颗粒感。我最欣赏的部分是书中对“触键深度对音色的影响”的详细对比分析。通过大量的图示和声学分析图表，它清晰地展示了为什么在莫扎特的时代，作曲家需要为古钢琴撰写不同于现代三角钢琴的演奏法。阅读这本书，我仿佛能“听见”历史的回响，理解了巴赫或斯卡拉蒂在创作时所拥有的那个特定的听觉环境。它不仅是为乐器制造者准备的，更是为演奏家和音乐学者准备的。它教会我们，理解乐器，才能真正理解那个时代的声音是如何被雕刻出来的。这本书的深度和广度，对于任何对早期音乐演奏实践感兴趣的人来说，都是不可多得的珍宝。

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我一直认为，学习一门乐器，特别是像小提琴这样需要大量肌肉记忆和精细控制的乐器，所有的知识都应该来自于老师的耳提面命和大量的练习。因此，当我看到《小提琴演奏的神经动力学》这本书时，起初是抱着怀疑态度的。它看起来更像是一本运动康复或运动科学的书籍，而不是音乐教程。然而，它提供的视角极其新颖和实用。作者是一位同时具备职业小提琴家和运动生理学博士学位的专家，这使得他能从一个前所未有的角度来剖析演奏中的常见问题。例如，书中详细解释了为什么很多学生在快速拉奏时会出现“僵硬感”，这不仅仅是“不够放松”这么简单，而是涉及到前臂肌肉群在高速运动中的肌电信号传递效率问题。他提供了一套基于“微小平衡点调整”的练习方法，而不是传统上强调的大幅度拉伸。我尝试了书中关于“持弓的自然悬挂”的描述，摒弃了过去刻意用力去“压”弦的习惯，仅仅通过调整手腕的生物力学结构，拉出的音色竟然变得更加连贯和平滑。这本书的价值在于，它将演奏技巧从一个模糊的、依赖感觉的领域，转化成了一个可以被科学理解和精确优化的过程。它帮助我理解了我的身体是如何工作的，而不是仅仅告诉我“应该怎么做”。对于所有在技巧瓶颈上徘徊不前的弦乐学习者来说，这本书提供了跨越瓶颈的科学钥匙。

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我最近开始尝试为一些短片配乐，这是一个我相对陌生的领域。我发现传统的歌曲创作思维在这里常常行不通，因为配乐需要精准地契合画面的情绪起伏，要求的是氛围的营造而非结构上的完整。在寻找相关资源时，我无意中接触到了这本《电影配乐的声场构建》。这本书的视角非常独特，它没有花大篇幅去讲如何写旋律（毕竟旋律在很多场景下是需要被弱化的），而是聚焦于“声音空间”的塑造。书中花了整整一章的篇幅来讨论“寂静的艺术”——如何通过精确控制背景噪音的音量和频率范围，来突出画面中某个细微的动作或情绪。我学到了很多关于“声像定位”的知识，理解了为什么在某些追逐戏中，声音要从左耳快速扫到右耳，这种技术处理背后的人类心理学依据是什么。更让我受益匪浅的是作者对“音色图书馆”的构建建议。他强调，一个好的配乐师，其资源库不仅仅是各种乐器的采样，更是对自然界、城市环境中声音的敏锐捕捉和分类整理。这本书引导我走出录音棚的舒适区，拿起录音笔去捕捉风吹过电线杆的声音、雨水滴落在不同材质上的回响。它成功地将配乐从一门“作曲”的学科，转变为一门涉及声学、心理学和空间感知的综合艺术。这本书对于任何想进入影视、游戏配乐领域的门外汉来说，都是一份极其宝贵且实用的入门指南，远超我预期的深度。

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