具体描述
★ 全球畅销三十余年并被翻译成数十种语言，被公认为讨论导演、摄影、剪辑等电影影像画面组织技巧方面最详密、实用的经典之作
★ 从实践出发阐明摄影机位、场面调度、剪辑等电影语言，为“用画面讲故事”奠定基础
★ 百科全书式的工作手册，囊括拍摄中的所有基本设计方案，如对话场面、人物运动，使初学者能够迅速掌握专业方法
★ 近500幅机位图、故事板贯穿全书，帮助读者一目了然地理解电影语言
★ 对大量经典影片的典型段落进行多角度分析，如《西北偏北》、《放大》、《广岛之恋》、《桂河大桥》，深入揭示其中激动人心的奥秘
★ 本书是中国老一辈电影教育工作者精心挑选的教材，在翻译、审订中投入了巨大的心力，译笔简明、准确、流畅，惠及无数电影人
本书是乌拉圭电影导演丹尼艾尔·阿里洪根据本人创作实践经验编写的电影叙事技巧教程，其专业性、实用性、经典性为全球各影视院校所公认。作者不对电影的拍摄工作做过多理论论述，而是集中从实践经验入手，对制作过程中出现的种种问题加以细致精准的研究探讨，并提出行之有效的解决方案。全书涉及到电影制作中如摄影机位、场面调度、剪辑等关键问题，对两个以上演员对话场面的处理、摄影机位三角形原理的运用、内外反拍等也均有详细论述。全书层次分明，清晰准确，并有近500幅插图贯穿其中，便于读者充分理解和掌握。
本书译者多为中国老一辈电影教育工作者，如周传基、吕锦瑷、李溪桥、裴未如等，译稿准确流畅，影响深远，被北京电影学院列为必读书目，更有人盛誉此书“开启了中国电影新的时代”。
作者简介
丹尼艾尔·阿里洪（Daniel Arijon），乌拉圭电影剪辑师、编剧和导演。自1959年投身专业电影制作以来，他先后在乌拉圭、阿根廷、巴西和智利拍摄过多部新闻片、广告片、纪录片和故事片，也教授过电影课程，并在杂志上发表过若干专业文章。
译者：周传基，资深电影人、教授。1950年于山东大学文学院外国文学系毕业，获英国文学学士学位。中国电影家协会会员、中国电影音乐学会理事、中国电影剪辑学会理事、中国电影评论家学会会员。他是著名导演张艺谋、陈凯歌的老师，先后为无锡国际旅游电影节、夏威夷国际电影节担任评委，1995 年为美国旧金山大学讲授电影公共课，是中国著名的电影教育家。已出版专著《电影·电视·广播中的声音》、《影片读解》，译著《旧好莱坞/新好莱坞：仪式、艺术与工业》、《电影实践理论》、《电影导演工作》等。
组织者：孙明经，祖籍山东，生于南京。中国电影教育家，我国高校电影学科奠基人之一，联合国教科文中国委员。1934年毕业于南京金陵大学物理系，1934-1952年任教于金陵大学影音部。拍摄过50余部教育电影。1942年创办《电影与播音》杂志并担任主编。1952年院系调整来京参加电影学院摄影系的创建。编写七部电影摄影教材。一生从事电影教育。
目录信息
推荐序
原编者的话
序言
第一章 作为一种视觉交流系统的电影语言
第二章 电影平行剪辑的重要性
第三章 基本手段的定义
第四章 三角形原理
第五章 两个演员的对话
第六章 三个演员的对话
第七章 四人或更多人的对话场面
第八章 静态对话场面的剪辑形式
第九章 画面动作的特性
第十章 运动结束后的剪接
第十一章 画面内的运动
第十二章 入画和出画的动作
第十三章 演员A走向演员B
第十四章 用主镜头拍摄画面中的动作
第十五章 不规则的例子
第十六章 演员A离开演员B
第十七章 演员们一起运动
第十八章 困难的剪辑情况的解决
第十九章 其他类型运动
第二十章 运动镜头的二十条基本规律
第二十一章 摇摄镜头
第二十二章 移动摄影
第二十三章 摄影升降机和变焦距镜头
第二十四章 动作性场面
第二十五章 镜头内的组接
第二十六章 由一个表演区到另一个表演区
第二十七章 组合的技巧
第二十八章 电影的分句法
结束语
· · · · · · (收起)
读后感
曾经在重庆亲自听过周老师的讲座，周老师用了很多电影的实例来讲解电影，受益匪浅，非常新颖。现在周老师身在美国，依然育人不已。周老师现在通过网络课堂来进行教学和开讲座，11月21日，周老师通过网络课堂讲解“好莱坞娱乐片的封闭式的剪辑成规：三镜头法：大团圆，流畅，轴...
虽然周传基老师后来承认自己“高估”了这本书，但从插图编排上足可以看出作者的用心，这样的书，不论怎样看一次都不亏的.... BTW:说起来可以算作我对电影制作启蒙读物了，纪念一下....
不管你是高估低估，做任何事情都要有独立思考的能力 不管你是导演还是刷盘子 ，没有这个能力你什么都干不成的 回头看看黑泽明的东西 这本语言语法似乎很传神的 为什么时代过去这么久了 还是那么有魅力的黑白片 请独立思考！ ============================== 现在看来当初年...
张艺谋为了当导演，作了哪些准备呢？ 他说：照相，我没上学的那会儿已经解决了。进学校以后，又把电影摄影解决了。老师教得也挺负责，这没得说。可是学导演，我是偷着学，看各种书，一点一点揣摸。库里肖夫的《电影导演基础》、爱森斯坦的《电影艺术四讲》，还有普多夫金、克...
曾经在重庆亲自听过周老师的讲座，周老师用了很多电影的实例来讲解电影，受益匪浅，非常新颖。现在周老师身在美国，依然育人不已。周老师现在通过网络课堂来进行教学和开讲座，11月21日，周老师通过网络课堂讲解“好莱坞娱乐片的封闭式的剪辑成规：三镜头法：大团圆，流畅，轴...
用户评价
关于电影摄影艺术的这本厚重读物，其内容详实程度简直令人咋舌，它更像是一本结合了历史回顾与现代实践的工具书。我尤其被其中对不同胶片感和数字感之间美学差异的讨论所吸引。作者没有简单地把它们对立起来，而是深入探讨了不同媒介对光线捕捉特性的细微差别，以及这些技术选择如何影响了观众对“真实性”的感知。例如，书中有一段关于使用大画幅胶片拍摄室内戏的论述，分析了浅景深和颗粒感如何共同作用，营造出一种既古典又疏离的视觉氛围，这种描述让我立刻联想到了某些欧洲艺术电影的质感。更实用的是，书中还提供了大量关于灯光设计的实践案例，从经典的好莱坞布光法（如三点布光）到更具实验性的背光和轮廓光运用，配有大量的图例说明，清晰展示了光影角度对人物面部表情的塑造力。对于一个对镜头语言有钻研兴趣的人来说，这本书提供了从理论到实践的完整路径图，它教会我的不是如何简单地“拍得漂亮”，而是如何通过光影的语言来“讲述复杂的故事”。
这部电影理论著作，从我个人的阅读体验来看，确实在某些方面提供了令人耳目一新的视角，尤其是在探讨视觉叙事结构时，作者似乎有一种将抽象的电影理论具体化、可操作化的能力。我记得书中有一章节深入分析了蒙太奇手法的演变，从早期的爱森斯坦的辩证蒙太奇，到后来的新浪潮导演们如何解构线性时间感，作者没有停留在简单的概念介绍上，而是用大量的经典案例作为支撑，比如对比了某个特定场景在不同剪辑节奏下的情感冲击力差异。读完这部分内容，我感觉自己对“时间”和“空间”在电影中的重塑有了更深层次的理解。它不仅仅是告诉我们“如何剪辑”，而是探讨了“为什么这样剪辑会产生这样的心理效果”。这种对底层逻辑的挖掘，让我看电影时不再仅仅满足于情节的起伏，而是开始留意镜头语言背后的微妙权力关系和情感暗示。更值得称道的是，作者在讨论不同国家电影体系的差异时，展现了极高的学术素养，比如将好莱坞的经典三幕剧结构与欧洲的作者电影叙事模式进行了细致入微的对比分析，指出文化背景如何塑造了叙事偏好。整体而言，这是一本能切实提升观影层次的书，对于想要超越普通观众身份，进入专业分析领域的爱好者来说，绝对是不可多得的良师益友。
我最近翻阅了一本关于电影声场设计的专著，里面的内容给我留下了极其深刻的印象，特别是在处理环境音与情绪烘托之间的复杂关系上，作者的洞察力简直令人叹为观止。这本书详细拆解了如何利用“非真实性声音”来引导观众的潜意识，比如在某些惊悚片中，背景环境音的频率和音量并非完全遵循物理定律，而是被故意夸大或扭曲，以制造一种持续的、低沉的焦虑感。我特别欣赏作者对“声音的缺席”这一手法的阐述，他认为，当所有声音突然被抽离时，那瞬间的寂静所带来的震撼力，往往超过了任何宏大的音效爆炸。书里引用了大量关于声音设计与角色内心世界的关联分析，比如通过角色呼吸声的细微变化来暗示其精神状态的崩溃，这种对微观细节的捕捉，极大地拓宽了我对电影听觉体验的认知边界。此外，书中还涉及了杜比全景声技术在叙事空间构建中的应用潜力，探讨了沉浸式音频如何模糊了银幕内外世界的界限。总而言之，这本书以一种极为细腻和技术性的视角，重新定义了“听电影”这件事，让我意识到，声音绝非画面的附属品，而是构建意义的核心支柱。
我最近接触到的关于电影场面调度（Mise-en-scène）的理论书籍，展现了一种非常强调空间哲学和权力关系的分析框架。这本书的独特之处在于，它将场面调度不仅仅理解为场景内的元素布置，而是看作一种“空间政治”的体现。作者大量引用了福柯的空间理论，去分析导演是如何通过景深、障碍物（如门、窗、家具）的设置，来控制观众的视线焦点，并借此暗示角色之间的支配与被支配关系。比如，书中对比分析了希区柯克电影中经常出现的对称构图和封闭空间，如何加剧角色的偏执与被困感，这与某些自然主义导演偏爱的开放、流动的空间处理方式形成了鲜明对比。这种将空间分析提升到社会学层面的解读，极大地丰富了我对镜头内一切元素的理解。此外，服装和道具的象征意义也在书中得到了细致的剖析，它强调了这些元素并非简单的装饰，而是角色身份、社会地位甚至内心冲突的视觉外化。读完后，我再看电影时，会不自觉地去审视每一个角落，试图解读导演在空间中埋下的那些“符号密码”。
专注于电影表演理论的这本著作，以一种极富人本主义关怀的笔触，探讨了演员在镜头前的“在场感”和“非在场感”之间的微妙平衡。书中对“镜头前表演的特质”进行了深刻的辨析，指出它与舞台表演的“外放性”有着本质的区别，镜头需要的是一种内敛的、可以被放大审视的情感流动。作者引述了大量的方法派演员和自然主义演员的访谈记录，对比了他们处理情绪爆发和情感克制的方式，尤其是对眼神交流的分析，令人拍案叫绝——镜头捕捉到的一个眼神微颤，其信息量可能远超一段长篇独白。书中还探讨了导演与演员之间的合作模式，强调了“导演的凝视”如何塑造和定义了最终呈现的表演效果。它不仅仅是关于“怎么演”，更多的是关于“被如何观看”，以及演员如何在这种被观看的状态下，保持其表演的真实性与生命力。这本书对于理解电影作为一种集体制品中，个体表演的复杂性和脆弱性，提供了极具启发性的理论框架。
1、剪辑中需要记住的“动作-反应”形式 2、跟师父比起来，剧情/心理层面上的剪辑意义讲得少一些 3、但是作为习惯用镜头表达的人能用语言如此系统也较比清晰地讲述出来，已经相当可以了！
当陈规来读！研究旧好莱坞，新好莱坞
不实际上手实操，有些知识毕竟是不会懂的
当陈规来读！研究旧好莱坞，新好莱坞
第一次读这种实用类型的电影书 之前全在读影史和理论 很详细 虽说拍电影并没有一定之规但基本的法则还是要了解的 即使只是普通影迷 也该去尝试看懂电影的语法而非仅仅故事 更别说有些三流微电影小导演 或者高校社团小成员 连个故事都讲不清楚 机位不知往哪摆 分镜也搞得一塌糊涂 还拍啥
