Made With Fontfont

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出版者:mbp
作者:Jan Middendrop & Erik Spiekerman
出品人:
页数:368
译者:
出版时间:March 2007
价格:$ 65.00
装帧:8 1/2 x 11 1/4 inches, Format: Casebound
isbn号码:9780977985043
丛书系列:
图书标签:
  • mbp
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具体描述

Founded in 1990 by Erik Spiekermann and Neville Brody, FontFont produces innovative and influential fonts by designers, for designers. Made with FontFont is an anthology of type specimens and essays closely and creatively examining how FontFont operates, to elucidate how this relative newcomer on the type design scene has made such an impression on the trends of type and typography.

The 368 pages are divided into five chapters revealing the essence of FontFont and its legacy: Thinking FontFont, Talking FontFont, Making FontFont, Showing FontFont, Made with FontFont. These heavily illustrated sections demonstrate the dynamic range of the FontFont typefaces, which have been used for everything from instructions for wearing an Indian sari to the packaging for Viagra.

Made with FontFont reads like a Who’s Who of contemporary designers and design writers. Contributions from Akira Kobayashi, Rian Hughes, Emily King, Ellen Lupton and Reza Abedini, among others, including FontFont’s founders, of course, will educate and inspire anyone with an interest in contemporary graphic design.

《光影的秘密:探寻电影摄影的艺术与技术》 内容简介: 本书旨在为电影制作、摄影艺术以及视觉传达领域的学习者、从业者和爱好者提供一部全面、深入且极具实践指导价值的专业指南。我们不谈论任何具体的字体设计或印刷排版,而是将目光聚焦于光线如何塑造世界、如何成为叙事的终极媒介——电影摄影。 《光影的秘密》是一次对电影制作核心——摄影部门——的系统性解构与重塑。本书跳脱出传统教科书中对器材的罗列,转而强调摄影师(Cinematographer)在创作过程中的哲学思考、视觉决策及其对观众情感的影响。 第一部分:光线的语言——视觉叙事的基石 本部分深入探讨光线作为叙事工具的本质。光线不再仅仅是照亮场景的物理现象,而是情感的载体、时间的标记和角色的心境投射。 自然光的哲学: 详细分析了不同时间、地理位置和天气条件下的自然光特性,以及摄影师如何利用太阳的轨迹来服务于故事节奏。我们将探讨“黄金时刻”与“蓝色时刻”的心理学效应,以及如何在室内环境中模拟或控制这些自然光线。 人工照明的雕塑: 深入剖析三点布光法、伦勃朗光、蝴蝶光等经典布光范式的起源、应用场景及其在不同电影流派中的演变。重点讨论如何运用软光与硬光来控制对比度(Contrast Ratio)和动态范围(Dynamic Range),进而影响观众对画面的感知深度和情绪基调。 色彩与情绪的化学反应: 摒弃肤浅的色彩理论,本书侧重于色彩在电影语境下的功能性。研究色彩温度(Color Temperature)如何暗示时间流逝或角色心理状态,以及如何通过调色板(Palette)的精心设计,建立起一个统一且具有象征意义的视觉世界。我们探讨如何利用互补色、邻近色来引导观众的视线焦点,并深入分析大师作品中对特定色彩的偏执运用。 第二部分:镜头下的空间——构图、景深与运动 本部分将重点放在摄影机语言本身,即如何通过镜头选择和运动来定义叙事空间和角色的关系。 焦距的心理学: 并非简单地介绍广角镜、标准镜和长焦镜的物理特性,而是深入探讨不同焦距对空间感知的影响。例如,如何使用广角镜头放大场景的压迫感,或如何利用长焦镜头压缩时空,制造疏离或亲密感。本书特别辟出一章,专门讨论“非传统”焦距在实验电影中的突破性应用。 景深与叙事焦点: 详细阐述光圈(Aperture)在控制景深(Depth of Field)中的核心作用。探讨浅景深如何将观众的注意力锁定在特定角色或物体上,而深景深如何用于展现复杂的环境信息或建立多层次的视觉叙事。本书通过经典案例对比,演示如何通过“焦点转移”(Rack Focus)实现情节的突变或揭示。 摄影机的“身体”: 从固定的视角到流动的运动,本书系统梳理了摄影机运动的语法。除了传统的摇摄(Pan)、移摄(Tilt)、跟拍(Tracking)之外,我们着重分析了斯坦尼康(Steadicam)的沉浸式体验、摇臂(Crane)带来的史诗感,以及手持摄影(Handheld)的即时性与不安感。每一项运动都被视为一个叙事决策,而非单纯的技术操作。 第三部分:从胶片到数字——媒介的演变与适应 本部分关注电影制作技术层面的核心演进,以及这些演变如何反作用于艺术表达。 曝光与感光度的平衡: 深入解析感光度(ISO/ASA)的艺术性选择。在胶片时代,高感光度带来的颗粒感(Grain)是一种美学特征;在数字时代,噪点(Noise)的管理则成为新的挑战。本书提供了如何“拥抱”或“消除”这些纹理的技术路径,以及它们如何与影片的年代感或纪实风格相契合。 帧率与时间感: 探讨固定帧率(如24fps)如何成为全球电影业的标准,以及改变帧率(如高帧率HFR或低帧率)如何颠覆观众对时间流逝的自然感知。我们分析了慢动作(Slow Motion)的视觉冲击力与其在叙事中断裂点上的应用。 数字成像的“真实”边界: 聚焦于现代数字摄影机传感器(如全画幅、Super 35)的特性,以及它们在捕捉光线和色彩空间方面的优势与局限。本书将详细对比色彩科学(如Log/RAW格式)对后期调色的影响,强调“原始数据”在创作流程中的重要性。 第四部分:协同作战——摄影指导与导演的关系 成功的电影是团队合作的结晶。本部分探讨摄影指导(DP/DoP)在创作流程中如何与导演、美术指导、服装设计师等部门进行高效的沟通与视觉整合。 视觉语言的构建: 强调从剧本分析阶段开始,摄影部门如何通过“分镜头脚本”(Storyboard)和“视觉参考板”(Lookbook)将抽象的文字转化为可执行的视觉蓝图。 现场的挑战与决策: 聚焦于高压拍摄环境下的即时决策能力,包括如何快速应对天气变化、场地限制或预算约束,同时保持视觉风格的一致性。 《光影的秘密》不仅仅是一本技术手册,它更是一本关于如何“观看”和“表达”的艺术宣言。它引导读者超越设备参数的限制,重新发现光线、运动和构图在构建人类情感体验中的不朽力量。通过对历史案例的精妙分析和对当代实践的深刻洞察,本书旨在培养新一代具有深厚美学修养和卓越技术执行力的电影视觉艺术家。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴,那种对细节的偏执简直让人赞叹。我记得拿到手的时候,就被封面上那种独特的质感吸引住了,仿佛能触摸到油墨的呼吸。内页的排版,那种留白的处理,简直是教科书级别的示范,每行文字都像是经过精心编排的舞蹈,既保证了阅读的流畅性,又营造出一种宁静而富有节奏感的阅读氛围。尤其值得一提的是,作者对于字体选择的考量,那些细微的衬线和笔画的粗细变化,无声地烘托着文字本身的情感倾向。我个人对版式设计一直抱有很高的期望,而这本书完全超越了我的预期,它不仅仅是文字的载体,更像是一件艺术品,让人忍不住想一遍遍摩挲、把玩。如果说阅读是一种体验,那么这本书提供的就是一种全方位的、沉浸式的感官体验,从指尖到眼球,都被牢牢地抓住了。那些辅助性的插图或图表,也处理得极为克制和精妙,绝不喧宾夺主,而是恰到好处地补充和深化了主题,这种对“度”的把握,着实令人敬佩。

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对于我这样一个在创意领域摸爬滚打多年的从业者来说,阅读的收获往往在于那些别人不会告诉你的“潜规则”或者“经验之谈”。这本书在这方面做得非常出色,它不仅仅是知识的传递,更像是一份行业内的“心法秘籍”。其中关于版权和知识产权在数字时代的复杂性讨论,尤其让我受益匪浅,提供了很多在实际操作中极具参考价值的建议。作者的文风带着一种成熟的、不加修饰的坦诚,不回避行业的阴暗面或者挑战,而是直面它们,并给出建设性的思考方向。这种真诚度是机器难以模仿的,它需要长期的行业浸淫才能形成的那种洞察力。合上书本时,我感觉自己仿佛完成了一次高质量的行业内部交流,带着满满的实战能量回归日常工作。

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我必须承认,这本书的某些章节涉及到了我过去不太熟悉的学术背景知识,一开始读起来稍显吃力,需要反复回看才能完全理解其中的概念。但这种轻微的“挑战性”恰恰是我认为它价值所在的原因之一。它没有为了迎合大众口味而牺牲内容的深度和严谨性,而是坚持了自己的学术标准。作者在处理这些复杂概念时,虽然使用了精准的术语,但总能在脚注或者侧边栏提供清晰的背景解释,确保了即便是跨学科的读者也能跟上节奏。这种对不同层次读者的兼顾,显示出作者极高的专业素养和教育情怀。这本书不只是一本供人消遣的读物,更像是一部需要我们投入时间和精力去“啃读”的参考书,每一次深入阅读,都能挖掘出新的理解层次,它的价值是随着读者的成长而不断增值的。

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说实话,我一开始对这类题材的书抱有某种程度的保留,总觉得内容可能会过于理论化,最终变成一本冷冰冰的工具手册。然而,这本书的叙事方式彻底颠覆了我的认知。作者采用了非常人性化的视角,用一系列生动的小故事串联起那些复杂的设计原理和历史演变。我尤其喜欢其中关于早期印刷术如何影响现代视觉传达的那一章节,那种追根溯源的讲述方式,让人清晰地看到了设计是如何一步步从功能性需求演变成一种文化符号的。它不是高高在上地教导你“应该怎么做”,而是像一个经验丰富的老匠人,耐心地拉着你的衣角,在你耳边娓娓道来那些行业内的“黑话”和“门道”。读完之后,我感觉自己对很多习以为常的设计元素,都有了全新的、更深层次的理解,那种“原来如此”的顿悟感,是阅读的最大乐趣之一。这本书的洞察力,绝非流于表面的技巧堆砌。

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这本书的篇幅不算短,我断断续续读了快一个月,但过程中从未感到丝毫的拖沓或疲倦,这在阅读大量非虚构作品时是相当难得的。它的结构组织得极其清晰,章节之间的过渡自然流畅,仿佛是沿着一条精心规划好的路径在探索。作者似乎深谙读者的注意力周期,每当叙述即将进入一个相对枯燥的理论阐述时,总会巧妙地插入一个案例分析或者一个引人深思的哲学性提问,瞬间将读者的精神重新聚焦。我发现,即便是那些我原本认为已经掌握得比较透彻的知识点,在作者的重新梳理下,也呈现出了新的维度和层次。这种编排能力,展现了作者极强的逻辑思维和对信息密度的精确控制。它不是简单地堆砌资料,而是在构建一个严密的知识体系,让读者在不知不觉中,完成了知识的内化过程。

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