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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Crocker, Richard L./ Hiley, David (EDT)

出品人:

页数:816

译者:

出版时间:1990-05-31

价格:USD 307.50

装帧:Hardcover

isbn号码:9780193163294

丛书系列:

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音乐的宏大叙事：一部跨越时空的文化探索 《音乐的宏大叙事：一部跨越时空的文化探索》 导言：声音的魔力与人类文明的共鸣 本书旨在提供一部全面而深入的音乐史著作，它不满足于仅仅罗列作曲家和作品的清单，而是致力于将音乐置于其诞生的社会、政治、技术和哲学语境之中，揭示音乐如何作为人类经验最精妙的载体，参与并塑造了历史的进程。我们相信，音乐不仅仅是声音的组织，更是人类情感、信仰和身份认同的深刻表达。从史前时期的原始鼓点，到数字时代的无限可能，音乐的演变史，就是一部关于人类创造力、交流方式与世界观变迁的文化史。 本书的视角是全球性的，尽管早期篇章会侧重于被西方传统视为“古典”的脉络，但我们始终保持警惕，避免任何形式的文化中心主义。我们精心构建了一个多层次的叙事结构，力求捕捉音乐在不同地域、不同阶层中复杂而多样的生命力。 第一部分：声音的起源与古代的回响（公元前500年以前） 本部分探讨音乐的史前根源。我们考察考古学证据，推测最早的乐器（如骨笛和石磬）如何可能参与到仪式、狩猎和群体凝聚的过程中。我们会深入分析美索不达米亚、古埃及和早期印度文明中留存的音乐片段与理论残存，例如乌尔的竖琴遗迹和吠陀颂歌的记谱尝试。 重点章节将聚焦于古希腊的音乐哲学。我们不仅重述毕达哥拉斯对音程数学性的发现，更重要的是，探讨柏拉图和亚里士多德如何将“和谐”（Harmonia）概念提升到宇宙秩序和伦理教育的层面。音乐在古希腊被视为“灵魂的数学”，是连接可见世界与理念世界的桥梁。我们还将简要介绍早期中国（如先秦雅乐）的礼制音乐观念，探讨其在维护社会等级秩序中的核心作用。 第二部分：信仰、世俗与古典的奠基（公元500年 – 公元1400年） 中世纪是西方音乐发展的一个关键转折点，其核心驱动力在于基督教的扩张与神圣化需求。本章详细剖析了格里高利圣咏的形成过程，它如何从口头传统演变为具有标准化旋律和礼拜仪式的复杂体系。我们将细致考察记谱法的诞生与发展——从纽姆记谱法到四线谱的演进——这不仅是一项技术进步，更是知识传播和音乐记忆的革命。 与此同时，世俗音乐的力量也在悄然崛起。在法国，游吟诗人（Troubadours）和游吟歌者（Trouvères）的作品，以其对宫廷爱情、骑士精神和日常生活的描绘，为日后的抒情传统奠定了基础。我们还将跨越地理界限，考察拜占庭音乐的持续影响，以及伊斯兰黄金时代在乐理（如“Oud”的地位）和对精确音律研究上的卓越贡献，这些都为后来的欧洲音乐理论提供了重要的参考。 本部分的高潮是复调音乐的兴起。从巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的莱奥宁和佩罗坦，到他们的复杂交织与节奏的解放，我们追踪了人声对位如何从简单的平行进行，发展为能够承载复杂神学意义的“有组织的噪音”。 第三部分：文艺复兴的视角与声音的平衡（公元1400年 – 公元1600年） 文艺复兴的核心精神是“人文主义”，即对人类潜能的肯定。在音乐领域，这意味着对清晰度、平衡感和情感表达的重新追求。我们考察了勃艮第乐派的约翰·邓斯泰不尔和吉约姆·杜费如何将技术精湛的复调技巧与清晰的文本表达相结合。 佛兰德斯学派（如雅各布斯·奥布雷赫特和若斯坎·德普雷）将“模仿”（Imitation）技巧推向巅峰，使得多声部的线条在保持独立性的同时，又能完美融合。我们将分析弥撒曲和经文歌在这一时期的结构演变，以及印刷术如何彻底改变了音乐的生产和流通模式。 本章的后半部分将转向世俗音乐的蓬勃发展。意大利的牧歌（Madrigal）成为情感冲突和文字描绘的试验场，它预示了巴洛克时期对戏剧性的渴望。同时，我们不会忽略在西班牙和英国（如伯德）的音乐生活，探讨不同宫廷如何利用音乐来彰显权力和文化品味。 第四部分：巴洛克时代的激情与戏剧（公元1600年 – 公元1750年） 巴洛克时期是音乐史上最富于创造力、最富于装饰性和情感张力的时代之一。我们从“新音乐”（Nuove Musiche）的诞生开始，分析卡拉瓦乔式的明暗对比如何体现在巴洛克音乐的“情感理论”（Doctrine of the Affections）中——即音乐旨在激发特定的、明确的情绪状态。 歌剧的诞生是本时代的标志性事件。我们将详细研究佛罗伦萨的冲动、蒙特威尔第如何将戏剧冲突、宣叙调与咏叹调相结合，创造出一种全新的艺术形式。随后，音乐中心从意大利扩展到法国（吕利）和德国（巴赫、亨德尔）。 本部分将深入分析“固定音高”（Tonality）体系的最终确立，以及对位法（Counterpoint）在巴赫的作品中如何达到逻辑与美学的极致。协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）和清唱剧（Oratorio）等器乐和声乐形式的成熟，标志着作曲家对音乐结构控制力的空前提升。 第五部分：启蒙时代的清晰与交响的诞生（公元1730年 – 公元1820年） 在理性主义和启蒙思想的影响下，音乐追求简洁、清晰和自然的表达。洛可可风格的“敏感风格”（Empfindsamer Stil）是向海顿和莫扎特古典主义过渡的桥梁。 古典主义的核心在于形式的完美和结构上的平衡。本章重点分析奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为组织大型器乐作品（交响曲、奏鸣曲、四重奏）的基础。我们详细研究海顿如何被称为“交响曲之父”，以及莫扎特如何将歌剧的戏剧洞察力与器乐的精致优雅融为一体。 此外，我们考察了音乐赞助体制的变革，特别是从宫廷赞助向公共音乐会的转移，这影响了作品的长度、风格和观众的期待。贝多芬的早期和中期作品，则被视为将古典的框架注入了前所未有的个人意志和浪漫主义的先声，为下一世纪的音乐革命埋下了伏笔。 第六部分：浪漫主义的自我与民族的呼唤（公元1800年 – 公元1900年） 浪漫主义音乐是对启蒙运动理性主义的一种深刻反动，它将焦点转向了个人的主观情感、对自然的敬畏、对超自然现象的迷恋以及对“民间精神”的探索。 从舒伯特的艺术歌曲（Lied）中细腻的诗歌诠释，到肖邦和李斯特对钢琴表现力的极限挖掘，音乐变得愈发私密和个人化。管弦乐队的规模急剧扩大，音域和音色变得前所未有的丰富，这得益于工业革命带来的乐器制造进步。 中后期，音乐中的民族主义（Nationalism）成为一股强大的力量，西贝柳斯、德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何从本土民间音乐和神话中汲取灵感，构建区别于德奥传统的音乐身份。我们也将探讨瓦格纳“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的哲学野心，以及他如何通过“主导动机”（Leitmotif）系统颠覆了传统歌剧的结构。 第七部分：现代性的碎片与声音的重构（公元1890年 – 公元1945年） 二十世纪初，西方音乐面临着深刻的危机——传统调性体系已走到尽头。德彪西和拉威尔在印象主义中寻求色彩的模糊与瞬间的捕捉，暗示了对西方音乐线性发展的质疑。 激进的变革由勋伯格及其“十二音体系”（Dodecaphony）引发，音乐开始系统地探索无调性领域。我们分析了斯特拉文斯基的《春之祭》如何以其原始的节奏暴力震撼了观众，成为现代主义音乐的里程碑。布列兹、巴托克等作曲家则积极探索民间音乐的节奏和音高资源，以构建全新的音乐语法。 此外，本部分还将关注爵士乐的兴起。源自美国非裔社群的即兴创作、蓝调音阶和独特的节奏结构，如何从地方性音乐迅速演变为一种具有全球影响力的艺术形式，挑战了欧洲传统的精英音乐地位。 第八部分：二战后的实验、技术与全球化（公元1945年至今） 二战后的音乐世界呈现出前所未有的多样性和分裂性。我们首先考察了“序列主义”（Total Serialism）的严苛逻辑，以及对传统音乐材料的彻底“去组织化”尝试。 与此同时，电子音乐（Musique Concrète, Elektronische Musik）的出现，使得声音的来源不再局限于传统乐器，录音技术和合成器开启了无限的声音可能性。我们讨论了约翰·凯奇的“偶然音乐”（Chance Music）和“沉默”的哲学意义，这迫使听众重新思考“音乐”的定义。 进入后现代阶段，音乐领域出现了回归与融合的趋势。极简主义（Minimalism）以其重复的动机和缓慢的形态变化，为喧嚣的现代世界提供了一种冥想式的空间。最后，本书将探讨全球化背景下，传统音乐、流行音乐（Pop/Rock）的跨文化交流与商业化，以及数字技术对音乐创作、传播和消费习惯的颠覆性影响，展望未来声音艺术的可能方向。 结语：未完待续的旋律 音乐史是一部开放的、不断被重写和重新解读的历史。本书试图提供一个坚实的框架，引导读者不仅去“听”音乐，更去“理解”音乐在人类历史河流中扮演的复杂而迷人的角色。

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作为一名业余的音乐爱好者，我经常被市面上琳琅满目的音乐史书籍弄得眼花缭乱，很多都充斥着学术术语，读起来枯燥乏味，仿佛在啃一本厚重的教科书。然而，《The New Oxford History of Music》的出现，彻底改变了我对音乐史著作的看法。这本书的编纂极其用心，虽然篇幅浩瀚，但叙述流畅，语言生动，仿佛一位经验丰富的音乐向导，带领你在音乐的世界里漫步。我特别欣赏书中对于音乐与社会、文化背景之间关系的深刻探讨。例如，书中是如何将音乐的发展与宗教改革、启蒙运动、工业革命等历史事件紧密联系起来，让我了解到音乐并非孤立存在，而是深深地扎根于其所处的时代土壤之中。书中对不同地区音乐风格的比较分析也十分精彩，例如欧洲和亚洲音乐传统在历史上的交汇与独立发展，为我打开了新的视野。此外，作者们在引用史料和音乐片段时也非常谨慎，确保了观点的权威性和学术性，让我能够信赖书中所提供的信息。这本书不仅是一部音乐史，更是一部跨越时空的文化史，我强烈推荐给任何对人类文明发展感兴趣的读者。

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在我看来，《The New Oxford History of Music》是一部非凡的学术杰作，它以一种引人入胜的方式，呈现了音乐艺术的波澜壮阔的历史画卷。作为一名研究音乐学的学生，我深知要在一本著作中涵盖如此庞大的信息量，并保持内容的严谨性和观点的独特性，是多么的困难。然而，这本书做到了。它不仅详细介绍了各个音乐时期、各个地域的音乐风格，更重要的是，它深入剖析了音乐理论的演变、音乐创作技巧的发展，以及音乐在不同社会文化背景下的功能与意义。我尤其被书中对音乐史研究中一些争议性问题的探讨所吸引，作者们并没有回避分歧，而是呈现了不同的学术观点，并给出了自己的分析，这对于培养批判性思维非常有益。书中对于不同音乐体裁的起源和发展，例如歌剧的诞生与演进，或者室内乐的兴盛，都有极其详尽的论述。阅读这本书，我感觉自己不仅仅是在学习音乐史，更是在学习如何去理解音乐、如何去欣赏音乐，甚至是如何去思考音乐在人类文明中的位置。这绝对是一套能够为音乐研究者和爱好者提供深刻洞察的必读之作。

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这本书简直是音乐史的圣经！我一直对古典音乐情有独钟，但总觉得自己的知识体系零散，难以形成连贯的脉络。翻开《The New Oxford History of Music》，我感觉就像打开了一扇新世界的大门。它并非简单罗列年代和作曲家，而是深入浅出地剖析了不同时期音乐风格的演变，从格里高利圣歌的庄严肃穆，到文艺复兴时期复调音乐的精致复杂，再到巴洛克时期宏伟的协奏曲和赋格，每一个篇章都如同生动的画卷，让我看到了音乐是如何在历史的长河中呼吸、成长、蜕变。作者们对于音乐理论的阐释也极其到位，即使是复杂的对位法和和声原理，也能通过清晰的图表和恰当的例子变得易于理解。我尤其喜欢书中对不同音乐体裁发展历程的梳理，比如奏鸣曲式的形成和演进，让我对海顿、莫扎特、贝多芬等人的创作有了更深刻的认识。读完前几卷，我感觉自己对音乐的欣赏能力都有了质的飞跃，不再只是被动地聆听，而是能主动地去捕捉音乐的结构、情感和历史意义。这绝对是一套值得反复品读的音乐百科全书，无论你是初学者还是资深乐迷，都能从中获益匪浅。

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一直以来，我都在寻找一本能够系统地、有深度地介绍音乐史的书籍，能够帮助我建立起对音乐发展脉络的清晰认知。《The New Oxford History of Music》无疑是我多年的寻觅中的惊喜之作。这本书的编排逻辑清晰，从最古老的音乐形式讲起，一步步深入到近现代的各种音乐流派。我非常欣赏作者们对于音乐史研究方法论的介绍，他们是如何通过史料的考证、音乐作品的分析来还原历史的真相，这让我对音乐史这门学科本身产生了浓厚的兴趣。书中对于不同音乐时期代表性作曲家及其作品的分析，不仅有宏观的概述，更有对细节的深入挖掘，例如对赋格技巧的演变，或者对交响乐发展中不同乐器使用的革新，都描述得鞭辟入里。更让我惊喜的是，书中还探讨了音乐如何受到社会、科技、政治等因素的影响，例如录音技术的出现对音乐传播和创作方式的颠覆，以及不同文化背景下音乐交流的变迁。这套书的价值，远不止于一本音乐史，它更像是一部关于人类创造力、情感表达和文化交流的百科全书。

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老实说，一开始我对《The New Oxford History of Music》抱有一些疑虑。音乐史研究的领域如此广阔，要将其梳理得既全面又深入，绝非易事。我担心这本书会像许多同类书籍一样，流于表面，或者过于偏重某些特定时期或地区。然而，当我真正投入阅读后，我才意识到我的担忧是多余的。这本书的广度和深度都令人惊叹。它不仅仅涵盖了西方古典音乐的辉煌历程，还对许多被忽视的音乐传统进行了详尽的介绍，比如早期宗教音乐的演变，甚至是古代民族音乐的遗存。书中对于音乐理论和美学的分析也十分精辟，不仅解释了音乐结构本身，更触及了音乐的哲学内涵和情感表达。我尤其喜欢书中对于音乐家个人生平和创作心路历程的描绘，这使得冰冷的理论变得更加鲜活，让我能够感受到音乐背后的灵魂。书中大量的插图和乐谱片段也极大地增强了阅读的趣味性和直观性，让我在文字的海洋中找到了方向。这绝对是一套为真正热爱音乐、渴望深入了解其本质的读者量身打造的巨著。

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