The New Oxford History of Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Abraham, Gerald 编

出品人:

页数:816

译者:

出版时间:1986-04-24

价格:USD 302.50

装帧:Hardcover

isbn号码:9780193163065

丛书系列:

图书标签:

• 音乐史
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《中世纪音乐：从格里高利圣咏到复调的曙光》 一部深入探索中世纪音乐的恢宏史诗 作者： 艾尔弗雷德·格里莫斯比（Alfred Grimsby） 出版社： 塞壬之角出版社（Siren's Corner Press） 页数： 980页（精装版） 定价： 85.00美元 --- 内容简介 《中世纪音乐：从格里高利圣咏到复调的曙光》并非一部简单的音乐史梳理，而是一次深入中世纪（约公元500年至1400年）欧洲社会、宗教与艺术交织核心的学术探险。本书以严谨的史料考证和细腻的音乐分析为基石，旨在揭示一个被后世浪漫主义思潮常常简化或误解的复杂时代。作者艾尔弗雷德·格里莫斯比穷尽二十年心血，整合了来自意大利、法国、德意志和西班牙的现存手稿、礼仪文献和理论文本，构建了一幅前所未有的中世纪音乐全景图。 第一部分：信仰的基石——早期声乐传统（约500-1000年） 本书的开篇聚焦于中世纪早期，这一时期音乐的首要功能是服务于基督教礼拜仪式。我们仔细考察了罗马圣歌（Gregorian Chant）的起源与发展。与流行的看法不同，格里高利圣咏并非某一人一时之功，而是多地区传统（尤其是加洛-罗马和安布罗斯传统）长期融合与标准化的结果。 格里莫斯比教授详尽分析了圣咏的音乐特征，包括其独奏（Responsorial）和会众（Antiphonal）结构、调式系统（即八个教会调式），以及韵律的严格性。他尤其关注墨洛温王朝和加洛林王朝时期，查理曼大帝及其宫廷学者如何通过文字记录的标准化，试图统一西欧的宗教实践。通过对早期“记谱法”（Neumes）的深入剖析，我们得以窥见早期音乐家如何试图在没有精确音高记录的条件下，保存旋律的精髓。书中对“圣歌文本”（Text Underlay）的考察，揭示了早期作曲家在表达拉丁文神圣文本时的微妙技巧。 第二部分：知识的复兴与世俗之声的觉醒（约1000-1200年） 随着经济的复苏和修道院教育体系的完善，中世纪的音乐思想开始出现深刻的变革。本部分着重介绍了莱昂纳德·达·阿雷佐（Leonato d'Arezzo）等关键人物，他们对记谱法进行了革命性的改革。方形记谱法（Square Notation）的出现，使得音乐的精确性大大提高，为后来的复杂创作奠定了基础。 此外，本书花费大量篇幅探讨了世俗音乐的崛起。在法国，吟游诗人（Troubadours）和吟游歌者（Trouvères）的诗歌与音乐交相辉映。格里莫斯比教授拒绝将他们的作品视为纯粹的“民间音乐”，而是将其置于封建社会复杂的爱情、荣誉与政治语境中。书中对骑士精神（Fin'amor）主题的分析，结合现存的少数旋律片段，展现了世俗音乐在结构和情感表达上如何与宗教音乐形成对照与张力。对德国游吟诗人（Minnesänger）和西班牙“赞美诗”（Cantigas）的比较研究，提供了跨文化视野下的世俗音乐图景。 第三部分：复调的突破——巴黎乐派与“新艺术”（Ars Nova）（约1200-1350年） 中世纪音乐史上的最大飞跃——有组织的复调（Polyphony）的成熟，是本书的核心论点之一。巴黎圣母院学派（Notre Dame School）的列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）的工作被置于中心位置。作者详细阐述了“奥尔加农”（Organum）从平行式到自由式的发展路径，以及“等时记谱法”（Mensural Notation）的发明，这一系统首次明确规定了音符的时值长短。 通过对佩罗坦的“三声部”和“四声部”作品的细致分析，本书揭示了节奏复杂性的爆炸式增长。我们看到，音乐的结构美学正在从纯粹的旋律流动转向复杂的节奏与声部间的互动与对话。 进入14世纪，“新艺术”（Ars Nova）在法国和意大利兴起。菲利普·德·维特里（Philippe de Vitry）和纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）是这一时期的代表人物。格里莫斯比教授深入剖析了马肖的弥撒循环（Messe de Nostre Dame），认为这是西方音乐史上第一部由单一作曲家创作的、结构统一的、具有宏大抱负的音乐作品。新艺术的特点——如节拍划分的模糊化、音符的复杂交错——反映了时代对精确、世俗化表达的渴望。书中特别对比了意大利的“三声部”作品（Madrigals）和法国的“世俗经文歌”（Chançon）在对位手法上的地域差异。 第四部分：晚期中世纪的过渡与终结（约1350-1400年） 本书最后一部分关注瘟疫、战争以及教会大分裂对音乐环境的冲击。在意大利，“新曲风”（Ars Subtilior）在阿维尼翁教廷附近悄然兴起，它以极端精巧的节奏、装饰音的滥用和手写体上的视觉复杂性著称，被认为是中世纪对形式主义的最后一次、也是最极端的探索。 作者总结道，中世纪音乐的遗产不仅仅是那些保留下来的圣歌旋律，更在于其理论框架（如教会调式体系的完善）、记谱法的革命（为文艺复兴和巴洛克音乐奠定了基础），以及世俗与神圣二元对立的不断张力与融合。 --- 特色与价值 独家的手稿解读： 附录中包含了对十余份关键手稿（如《圣雅各之路手抄本》、《蒙彼利埃手稿》）的详细索引和关键乐谱段落的放大分析。 跨学科视角： 音乐分析与同时期的哲学（如托马斯·阿奎那的理论）、建筑学（哥特式结构）和社会结构紧密结合，展现了音乐在整体文化中的定位。 详尽的术语表与人物传记： 包含一份详尽的中世纪音乐拉丁文和早期法语术语表，以及对数百位重要音乐家、抄写员和赞助人的生平简述。 《中世纪音乐：从格里高利圣咏到复调的曙光》是音乐学者、历史学家以及所有渴望理解西方音乐根源的读者不可或缺的权威指南。它清晰地描绘了一个充满信仰、技术革新与艺术发现的千年。

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这本书的书名本身就给我一种厚重感和权威感，我抱着极大的期待翻开了它。封面设计简约而不失格调，让我第一时间感受到这不是一本泛泛而谈的音乐读物。我尤其喜欢它在序言中对音乐历史研究的严谨态度和宏大视野的阐述，这让我意识到，这不仅仅是在讲述过去的旋律，更是在探讨音乐如何成为人类文明不可或缺的一部分。书中的章节划分也显得非常合理，从早期音乐的起源一直追溯到近现代的多元发展，仿佛一条清晰的时间脉络，引导着我一步步深入音乐的海洋。即使我对某个特定时期的音乐了解不多，也能通过作者的介绍快速建立起基本的概念框架。它没有直接塞给我一大堆枯燥的年代和人名，而是通过生动的语言和引人入胜的叙事，将那些古老的音符和它们背后的故事鲜活地呈现在我眼前。我常常在阅读某个乐章的描述时，仿佛能听到它穿越时空的呼唤，感受到作曲家当时的心境。这种沉浸式的阅读体验，让我觉得这本书不仅仅是一本参考书，更像是一位博学的向导，引领我在音乐的历史长河中漫游。

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对于我这样一位业余的音乐爱好者来说，理解复杂的音乐理论总是件颇具挑战的事情。然而，这本书的写作方式却让我惊喜不已。作者在介绍音乐理论概念时，并没有使用过于晦涩的术语，而是巧妙地将它们融入到历史叙述中，并且时常会结合具体的音乐作品进行解释。例如，在讲解对位法时，它不会直接抛出枯燥的规则，而是通过分析巴赫的作品，让我直观地感受到不同声部如何交织、呼应，最终形成和谐的整体。这种“情境化”的教学方式，大大降低了理论学习的门槛。我不再是孤立地记忆一些概念，而是通过理解它们在实际音乐创作中的应用，从而加深了印象。书中还穿插了不少关于作曲家生平轶事和创作背景的介绍，这些生动的小故事让冰冷的音乐理论变得有血有肉，更具吸引力。总而言之，这本书对于我这样希望在不牺牲可读性的前提下，提升音乐理解力的人来说，绝对是一本不可多得的宝藏。

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读完这本书，我最大的感受是，音乐的历史其实就是一部人类情感和创造力的流变史。它不仅仅是关于音符、和声、节奏的排列组合，更是关于人类在不同时代背景下的思考、表达和情感的共鸣。书中对不同音乐风格的分析，让我看到了音乐如何从最初的仪式性歌唱，发展到表达个人情感的抒情乐，再到如今更加实验性和个性化的探索。我特别喜欢书中关于音乐的“社会功能”的探讨，它让我明白，音乐在不同时期扮演着不同的角色，可以是宗教的赞美，可以是政治的宣传，也可以是个人内心的宣泄。这种深入的剖析，让我不再仅仅将音乐视为一种娱乐，而是将其看作是人类社会发展和文化演进的独特见证。每一段旋律，每一个和弦，背后都可能隐藏着一段尘封的故事，一段动人的情感，或者一种深刻的哲学思考。这本书让我重新认识了音乐的魅力，也让我更加珍惜那些穿越古今，依旧能触动我们心灵的音乐作品。

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我一直对古典音乐抱有浓厚的兴趣，但总觉得在理解和欣赏上缺少了些“点睛之笔”。这本书恰恰填补了我的这一块空白。它并没有停留在对乐曲结构的分析，而是深入探讨了音乐在不同历史时期所扮演的社会角色，以及如何受到当时政治、宗教、哲学思潮的影响。比如，在讨论巴洛克时期音乐时，书中详细描绘了教会和宫廷对音乐创作的赞助，以及如何通过音乐来彰显权力和荣耀。这一点让我豁然开朗，原来那些恢弘的赋格和华丽的宣叙调，背后承载着如此丰富的时代信息。而当翻到近现代的部分，书中对爵士乐、摇滚乐等新兴音乐形式的分析，更是让我看到了音乐的活力和创新是如何打破固有边界，反映社会变革的。它让我明白，音乐从来不是孤立的存在，而是与人类社会的脉搏同频共振的。读完之后，我再听一些经典的交响曲或室内乐，感觉仿佛能听懂它们“说”的话，更能体会到作曲家在创作时所处的语境和意图，音乐的层次感和深度都得到了极大的提升。

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我一直认为，音乐史的叙述很容易陷入“精英主义”的窠臼，将目光局限于少数几位伟大的作曲家和他们的作品。然而，这本书的视角却更加多元和包容。它不仅关注了我们熟知的西方古典音乐传统，还对早期民族音乐、民间音乐以及非西方音乐的发展也给予了相当的重视。这一点让我耳目一新，也极大地拓宽了我对“音乐”这个概念的认知边界。书中对不同文化背景下音乐的介绍，让我意识到人类的音乐创造力是如此的丰富多彩，每一支旋律都蕴含着独特的文化基因。它挑战了我之前一些固有的音乐观念，让我开始审视音乐是如何在不同的社会土壤中生根发芽，又如何影响和塑造着各自的文明。这种跨文化、跨地域的视野，让这本书的价值远超于一本单纯的音乐史著作，更像是一部关于人类听觉文明的百科全书。

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