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出版者:湖南文艺出版社

作者:黄明

出品人:

页数:215

译者:

出版时间:2006-10

价格:25.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787540438159

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曲式分析教程：一部深入探寻音乐结构奥秘的著作 本书并非一本普通的音乐理论入门读物，而是一部精心打磨的、旨在带领读者深入理解音乐作品内在结构的学术专著。它将目光聚焦于“曲式”——音乐创作中如同骨架般支撑起旋律、和声与节奏的组织原则。我们希望通过这本书，让读者超越对音乐表层感官的体验，从而领略到作曲家在构建音乐时所倾注的匠心与智慧。 一、 曲式分析的价值与意义：为何要深入探究音乐的结构？ 许多人对音乐的理解停留在旋律的动听、和声的丰富，或是节奏的感染力。然而，任何一首伟大的音乐作品，其艺术生命力的长久与深刻，往往根植于其严谨而富于表现力的结构之中。曲式分析便是我们理解这一结构的钥匙。 揭示音乐的逻辑与脉络： 音乐并非杂乱无章的音符堆砌，而是一个具有清晰逻辑和发展脉络的有机整体。曲式分析能够帮助我们识别作品中的主题、动机如何被展开、对比、重复，以及它们之间如何相互呼应、层层递进，从而理解作曲家是如何引导听众的情感走向。 深化对音乐作品的理解与欣赏： 当我们能够识别出赋格的精妙对位、奏鸣曲式的戏剧性冲突与再现、回旋曲的反复与对比时，我们对音乐作品的理解将上升到一个全新的维度。这种理解不再是“我喜欢这首曲子”，而是“我理解这首曲子为何如此动听，作曲家是如何做到这一切的”。这种深度的洞察，将极大地丰富我们的音乐欣赏体验。 提升音乐创作与改编能力： 对于音乐创作者而言，对曲式结构的深刻理解是创作的基石。掌握不同的曲式，如同掌握了建筑师的设计蓝图，能够帮助创作者有条理地组织音乐素材，构建出结构清晰、逻辑严谨的作品。对于音乐改编者而言，理解原曲的曲式结构，是进行恰当改编、保留作品精髓的关键。 跨越不同音乐风格的桥梁： 虽然不同时代、不同风格的音乐在具体表现上千差万别，但曲式这一基本组织原则，却在很大程度上贯穿始终。本书所介绍的曲式理论，能够帮助读者建立起理解不同音乐风格的通用框架，从而更容易地跨越风格的界限，欣赏巴洛克时期的精巧、古典时期的典雅、浪漫时期的奔放，乃至于近现代音乐的自由探索。 培养严谨的学术思维： 曲式分析本身就是一种严谨的学术活动，它要求我们仔细观察、细致分析、逻辑推理，并用准确的术语进行表述。通过学习曲式分析，读者可以培养起严谨细致的学术探究精神，这种思维方式不仅适用于音乐研究，也能迁移到其他学科领域。 二、 本书的独特视角与创新之处：如何引领读者走进曲式分析的殿堂？ 本书在曲式分析的教学与研究方法上，力求突破传统，以期为读者带来更直观、更深刻的学习体验。 “结构可视化”教学法： 我们将大量的篇幅用于“可视化”曲式结构。通过图表、示意图、甚至类比，将抽象的音乐结构转化为具象的视觉元素。例如，将奏鸣曲式的呈示部、展开部、再现部比作戏剧的开端、发展、结局，将主题的引入、发展、变奏比作故事情节的起承转合。力求让读者在脑海中构建起清晰的音乐“地图”。 “主题-动机-乐句”层层递进的分析模型： 不同于一些从宏观曲式框架切入的教学方式，本书更倾向于从音乐的最小单位——动机，到乐句，再到乐段，直至最终的曲式结构，进行由内向外的逐层分析。这种“由微观至宏观”的模型，能够帮助读者更清晰地把握音乐发展的细微之处，理解整体结构是如何由这些基础元素巧妙构建而成。 精选典型作品，深入浅出： 本书并非罗列枯燥的理论条目，而是精选了大量具有代表性的音乐作品，涵盖了从巴洛克时期到近现代的各个重要时期和作曲家。通过对这些经典作品的实际分析，将曲式理论与音乐实践紧密结合，让读者在鲜活的音乐实例中学习和巩固曲式知识。我们力求在分析过程中，既不失理论的严谨性，也充满音乐的趣味性。 强调“功能性”与“表现性”的统一： 曲式不仅仅是形式的框架，更是音乐内容与情感表达的载体。本书在分析曲式结构的同时，也深入探讨了不同曲式在表现不同情感、营造不同戏剧性时所发挥的功能。我们强调，对曲式结构的理解，最终是为了更好地理解音乐所要传达的情感、思想与意境。 引导读者主动探索与思考： 本书并非要求读者被动接受现成的分析结果，而是鼓励读者主动参与到曲式分析的过程中。在每个章节的结尾，都设置了引导性的问题和练习，鼓励读者自行对新的音乐作品进行分析，从而培养独立思考和分析的能力。 三、 本书的内容导向：我们将带您探索哪些音乐结构？ 本书将系统地介绍和分析各种主要的音乐曲式，并在此基础上，探讨它们的演变与融合。 基本曲式类型： 单部分曲式（Simple Forms）： 包括单乐句、单乐段等最基础的音乐单元的组织方式，这是理解所有复杂曲式的基础。 二部曲式（Binary Form）： 探讨AB结构，以及它在不同时期、不同风格中的具体体现，例如简单的弦乐小品、舞曲等。 三部曲式（Ternary Form）： 深入分析ABA结构，以及其广泛应用于器乐小品、歌唱性旋律等作品中的表现力。我们将特别关注中间部分（B）的对比与连接，以及最终再现部分（A）的多种变化形式。 回旋曲式（Rondo Form）： 重点分析ABACA...的结构特点，以及主部（A）的反复与插部（B, C...）的对比性，探讨其在不同乐章中（如奏鸣曲的终曲）所带来的灵动与活力。 变奏曲式（Variation Form）： 详细阐述主题（Theme）及其后续一系列变奏（Variations）的构成方式，分析各种变奏手法（如节奏变奏、旋律变奏、和声变奏、织体变奏等），以及其在音乐发展中的丰富可能性。 奏鸣曲式（Sonata Form）： 核心概念解读： 深入剖析奏鸣曲式的三个核心部分：呈示部（Exposition）、展开部（Development）与再现部（Recapitulation），以及它们在音乐冲突、发展与解决中所扮演的关键角色。 主题群的构建： 详细讲解呈示部中第一主题群、连接部、第二主题群、结束部等各部分的构成原则与音乐功能。 展开部的戏剧性： 分析展开部中主题材料的分解、重组、移调、发展等手法，以及如何通过和声的游移与不确定性来营造戏剧性的张力。 再现部的回归与总结： 探讨再现部中主题的回归、调性的统一，以及尾声（Coda）的作用。 奏鸣曲式的演变： 追溯奏鸣曲式从古典时期到浪漫时期及其后的演变，探讨其形式上的灵活与突破。 赋格曲式（Fugue Form）： 对位法的精妙： 详细介绍赋格作为一种高度结构化的复调音乐曲式，其核心要素——主题（Subject）、应答（Answer）、主题呈现（Exposition）、间奏（Episode）、推展（Stretto）等。 逻辑与技巧的完美结合： 分析赋格如何在严谨的对位原则下，展现出丰富而富有逻辑性的音乐发展。 其他重要曲式： 奏鸣曲-交响曲套曲（Sonata-Symphony Cycle）： 探讨通常包含的几个乐章（快板、慢板、小步舞曲/谐谑曲、快板）的曲式组合与整体结构。 组曲（Suite）： 分析不同舞曲乐章的组合方式及其曲式特点。 自由曲式（Free Forms）： 讨论一些不拘泥于固定模式的现代音乐作品的结构特点，以及分析这些作品时需要关注的方面。 四、 适用人群：谁将从这本书中受益？ 音乐学专业的学生与研究者： 本书将为他们提供坚实的曲式分析理论基础，以及丰富的分析案例，助力学术研究。 高等音乐院校的学生： 无论是器乐演奏、声乐演唱、作曲还是指挥专业的学生，理解曲式结构都将极大地提升他们的音乐理解能力与表现能力。 音乐爱好者： 对于那些渴望更深入地理解和欣赏古典音乐，希望“听出门道”的业余爱好者，本书将是一本绝佳的入门与进阶读物。 业余作曲与编曲者： 掌握曲式原理，能够帮助他们更有条理地进行音乐创作和改编。 中学音乐教师： 本书可以作为教学参考，帮助他们更系统地向学生介绍音乐作品的结构。 五、 结语 音乐的魅力，在于其声音的流动与情感的传递；而音乐的深度，则隐藏在它精妙的结构之中。本书《曲式分析教程》旨在成为一座桥梁，连接声音的感性与结构的理性，引导您一步步揭开音乐的神秘面纱，发现隐藏在动人旋律背后的深刻智慧。我们相信，通过对曲式结构的深入探究，您将获得一种全新的、更加深刻的音乐体验。

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这本书最让我感到震撼的是它所蕴含的“哲学思辨”。它不仅仅停留在分析音符和结构符号的层面，而是将曲式视为作曲家应对“时间”和“结构”这一永恒命题的一种艺术化解决方案。例如，在讨论奏鸣曲式时，它引入了“戏剧性张力”的概念，将主题之间的冲突与和解，描述为人性在特定框架下的自我实现过程。这种深层次的解读，让原本冰冷的结构分析立刻充满了人文关怀和生命力。读完后，我听音乐的视角发生了根本性的转变：我不再是被动地接受旋律的冲击，而是主动去探寻每一段音乐背后的“逻辑必然性”和“情感驱动力”。它成功地将分析过程从一项技术训练，升华为一种更接近于审美和创作的深度对话。这本书无疑是那种能被反复翻阅、每一次重读都会有新体会的经典之作。

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这本书的排版和视觉呈现达到了一个很高的水准。这一点尤其重要，因为音乐分析涉及大量记谱示例和图示，如果排版混乱，阅读体验会大打折扣。此书的谱例选取精准，通常只需要一小段乐谱就能清晰地印证作者正在阐述的结构点，图示清晰且不过分花哨，有效地引导读者的视线聚焦于核心的结构节点。我尤其赞赏作者在介绍复杂回旋曲式或混合曲式时，所使用的流程图和结构树状图。这些图表并非简单的重复文字内容，而是用图形化的方式，将原本纠缠不清的线条梳理得井井有条，极大地提高了理解效率。对于自学者而言，这种视觉辅助工具简直是福音。它仿佛为学习者搭建了一个稳固的脚手架，让人可以自信地攀登到更高阶的分析层面，而不用担心因为结构辨识不清而跌落。

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这本书真是让人眼前一亮，它以一种近乎解剖学家的细致入微，将古典音乐的宏大结构一层层剥开，展现在读者面前。作者似乎深谙如何化繁为简的艺术，面对那些看似高深莫测的和声进行和转调手法，总能找到最直观、最易于理解的切入点。我特别欣赏它对于奏鸣曲式中呈示部、展开部和再现部之间那种微妙的心理博弈的描绘——它不仅仅是机械地告诉你“这里是主题A的再现”，而是深入探讨了作曲家为何选择在这个特定的调性上回归，以及这种回归如何服务于整个乐章的情感弧线。读完后，再去听贝多芬的任何一部奏鸣曲，耳朵里仿佛多了一双透视的眼睛，每一个乐句的起承转合都变得清晰可辨，不再是朦胧的旋律堆砌，而是一部精密运转的、充满逻辑美感的建筑蓝图。这对于我这种一直渴望从“欣赏者”迈向“理解者”的乐迷来说，无疑是打通了任督二脉的关键钥匙。它没有陷入故纸堆中那些枯燥的术语罗列，而是真正做到了“理论指导实践”，让人爱不释手。

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我很少见到有音乐理论书籍能将枯燥的结构分析写得如此富有诗意和画面感。这本书的语言风格非常独特，它更像是一位经验老到的音乐家在咖啡馆里与你促膝长谈，而非冷冰冰的教科书。谈到赋格曲的模仿与卡农的结构时，作者没有生硬地抛出那些复杂的对位规则，而是用了一种极其生动的比喻，仿佛在描述一场精心编排的宫廷舞蹈，各个声部如何在严格的礼仪下自由起舞，又如何在关键时刻完成完美的交错。这种叙述方式极大地降低了初学者的心理门槛。更让我惊喜的是，它对不同历史时期风格的把握非常到位——分析巴洛克时期的工整与古典主义时期的清晰逻辑，以及浪漫主义时期主题自由延展的冲动，都有着恰到好处的侧重和区分。它教会我的不只是“是什么”，更是“为什么会这样”，这种对创作意图的深入挖掘，让我对音乐的“呼吸”有了更深层次的体会。

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老实说，市面上关于曲式分析的书籍汗牛充栋，大部分都偏向于学院派的刻板教条，读起来令人昏昏欲睡。但这一本绝对是异类。它的篇幅安排堪称教科书级别的典范——主干知识扎实，但又不乏针对性的“进阶彩蛋”。比如，它对“引子”和“尾声”这两种看似边缘化的段落进行了深入的挖掘，指出它们在确立或模糊调性、烘托气氛上的关键作用，这些细节恰恰是普通分析中经常被一带而过的地方。我发现，作者的知识体系非常广博，不仅限于德奥主流体系，偶尔还会穿插一些对法国印象派或俄国民族乐派在既有曲式框架内进行突破的案例分析，这使得整本书的视野非常开阔，避免了陷入单一的风格窠臼。阅读过程中，我经常需要停下来，翻出旧的乐谱对照着看，那种“原来如此”的豁然开朗的感觉，是其他书籍难以给予的阅读体验。

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