具体描述
通过《中国艺术通史》的写作，王琪森同志意图建立中国艺术史学。他在《关于建立中国艺术史学的构想》一文中，提出了他的一些设想，认为建立中国艺术史学，“应采取史与论的动态结构、纵与横的比较方法、点与面的开放体系、新颖而独到的研究视角。”这些设想，我认为都是好的。但要真正做到，却并不那么容易。首先，史料和史实的搜集、整理和核实的工作，就不容易。虽花毕生精力，也不为多。其次，要从中国传统的审美意识与美学思想出发，把中国历史上的各门艺术“通”起来，找出它们共同的民族特点和发展规律，也并不那么容易，它需要多方面的修养。最后，中国古代对于艺术的研究，像王琪森同志所说的，“大都是‘举要’、‘艺概’、‘诗话’式的”，要建立中国艺术史学，可说是一项相当艰巨的工作。
作者简介
目录信息
关于建立中国艺术史学的构想（代前言）
一 构想的缘起
二 “艺术”的界定及建立艺术史的紧迫性
三 史与论的动态结构
四 纵与横的比较方法
五 点与面的开放体系
六 新颖而独到的研究视角
第一章 原始艺术
第一节 概说
第二节 原始艺术的起源
一 山顶洞人的装饰品
二 “红色”的原始宗教与巫术礼仪内蕴
第三节 原始彩陶
一 仰韶文化彩陶与马家窑文化彩陶
二 彩陶的造型与纹饰
三 彩陶纹饰的原始图腾意味
第四节 原始绘画
一 岩画原始绘画的滥觞期
二 原始绘画的两种类型
三 第一件独立的绘画艺术作品
第五节 原始书契
一 彩陶上的原始书契
二 原始书契与文字起源
第六节 原始雕塑
一 原始彩陶雕塑
二 原始陶雕与象牙雕
第七节 原始歌舞
一 从舞蹈彩盆追溯原始舞蹈
二 原始音乐的“三一说”
三 原始乐器
第八节 原始文学
一 原始文学的第一种类型：歌谣
二 原始文学的第二种类型：神话传说
第二章 商周艺术
第一节 概说
第二节 青铜工艺
一 青铜器的制作与种类
二 青铜器育成期
三 青铜器鼎盛期
四 青铜器衰变期
第三节 绘画
一 青铜器绘画
二 青铜纹饰的文化观念
第四节 雕塑
一 青铜器圆雕与高浮雕等
二 玉器雕刻
第五节 甲骨文与金文
一 甲骨文我国书法艺术的发端
二 金文及其艺术风格
第六节 文学
一 甲骨卜辞
二 《周易》中的易卦爻辞
三 《尚书》
第七节 音乐
一 巫人与舞蹈
二 商周主要的歌舞类型
三 演奏乐器及八音、五声说
第三章 春秋战国艺术
第一节 概说
第二节 绘画
一 壁画
二 帛画
三 青铜器绘画
……
第四章 秦汉艺术
第五章 魏晋南北朝艺术
第六章 隋唐艺术
第七章 宋元艺术
第八章 明清艺术
生命的转换与释放（第一版后记）
高山仰止景行行止（再版后记）
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最难能可贵的是，它成功地将晦涩的学术研究成果，用一种极其生动流畅的笔触呈现出来，做到了雅俗共赏的平衡。这一点在它对明清时期工艺美术的论述中体现得淋漓尽致。比如，在解读清代景德镇官窑瓷器的款识和纹饰演变时，作者没有陷入到枯燥的分类学泥潭，而是巧妙地引入了当时的政治权力结构和宫廷审美趣味作为背景。他们详细描述了康熙、雍正、乾隆三朝皇帝如何亲自过问甚至干预瓷器烧制的过程，比如乾隆皇帝对粉彩工艺的偏爱，以及他如何通过明确的旨意，指导画师在器物上布局山水或吉祥图案。这种“皇帝也是首席品味官”的叙事角度，极大地增强了历史的画面感和戏剧性。我读到那里时，忍不住想象景德镇窑场上工匠们面对皇帝的旨意，既敬畏又充满创造力的情景。作者的文字功底非常扎实，能用富有画面感的词汇来描述那些复杂的烧制技术和审美取向，使得读者在学习知识的同时，也享受到了阅读文学作品的乐趣。
评分我个人非常欣赏作者在处理艺术史中的“争议性”和“未解之谜”时所采取的审慎和开放态度。很多中国艺术史上的重大课题，比如某些著名画作的真伪之辨，或者某些流派的起源定论，往往是悬而未决的。这本书没有采取一锤定音的武断做法，而是非常公正地呈现了学界目前主流的几种观点，并清晰地阐述了每种观点的论据和局限性。这对我这个非科班出身的读者来说，简直是最好的引导。我记得在谈到“南宗北宗”画论的演变时，作者并没有完全偏向李贽或董其昌的任何一方，而是客观地梳理了这种理论在不同历史时期如何被政治化和标签化，并最终揭示出这种二元对立本身就是一种历史的建构。这种不急于下结论，而是鼓励读者自己去思辨的态度，远比灌输标准答案更有价值。它教会了我，面对艺术史，要保持一颗谦逊和好奇的心，去欣赏那些历史留下的模糊地带，因为真正的魅力往往就藏在那些未被完全定义的空间里。这本书的价值，很大程度上就在于它培养了读者的批判性思维。
评分这本书的插图质量和版式设计简直是业界良心，这一点必须点赞。在这个数字化时代，很多艺术史书籍为了控制成本，图片往往模糊不清，或者色彩失真，让人扼腕叹息。但《中国艺术通史》在这方面做到了极致的尊重和还原。我尤其喜欢它在介绍宋代院体画和文人画的章节中，对原作细节的呈现。比如，当介绍张择端的《清明上河图》时，书中选取了极高分辨率的局部放大图，那上面人物的衣着纹理、摊贩的表情神态，甚至连桥栏杆上雕刻的细节，都清晰可见，仿佛能闻到当时的市井烟火气。更妙的是，编者在版式安排上非常讲究，他们没有把所有图片堆砌在一起，而是根据叙述的重点，将关键的图例巧妙地嵌入文字段落之间，形成一种图文互动的阅读体验。例如，在讨论元代青花瓷的釉色变化时，他们会并置不同时期、不同窑口的瓷器照片，通过直观的对比，让读者迅速掌握了技术演变的关键节点。这种对视觉体验的重视，极大地降低了理解复杂艺术史知识的门槛，让非专业人士也能轻松领略到中国古代匠人的高超技艺。这绝不仅仅是一本“读物”，更像是一件精美的艺术品。
评分让我感到意外的是，作者在处理跨文化交流和艺术影响方面所展现出的广度和深度。以往读到的很多艺术史著作，内容往往局限在“本土”发展，对外部影响的讨论常常是一笔带过，显得视野狭隘。但这本书显著不同，它非常清晰地梳理了丝绸之路沿线，特别是佛教艺术对中国雕塑和绘画产生的革命性影响。书中对敦煌莫高窟壁画的分析，绝非简单的风格归类，而是细致地探讨了犍陀罗艺术、笈多艺术如何与本土审美观念碰撞、融合，最终催生出唐代壁画那种雍容华贵、气象万千的独特风格。我尤其被书中关于唐代“胡风”的论述所吸引，作者指出，那些来自西域的乐舞、服饰元素，是如何被中原的艺术家吸收、转化，成为大唐盛世开放包容的视觉符号。这种打破地域界限的叙事，让整个中国艺术史的脉络变得更加立体和可信。它告诉我们，艺术从来都不是孤立发展的，每一次重大的风格飞跃，背后往往都隐藏着文明的交融与张力。阅读这些内容时，我仿佛能看到骆驼商队在沙漠中跋涉，带着异域的色彩与灵感，最终汇入中华文明的海洋。
评分这本书真是让人大开眼界，我原以为自己对中国艺术史已经有了一定的了解，但读完之后才发现自己只是浮光掠影。作者的叙述角度非常独特，不像那种教科书式的平铺直叙，而是像一位经验丰富的导游，带着你穿梭于历史的长河中。比如，书中对魏晋南北朝时期书法艺术的探讨，简直是深入骨髓的。它不仅仅罗列了王羲之、钟繇等人的作品和生平，更重要的是，作者将当时的社会思潮、哲学观念，甚至是文人阶层的生活状态，都巧妙地融入到对笔墨精神的剖析之中。我印象特别深的是，作者提到了“竹林七贤”的狂放不羁如何影响了他们的书风，那种对个体自由的追求，如何通过飞白和连绵的笔势展现出来。这种将艺术置于宏大历史背景下的解读方式，让那些冷峻的古代墨迹瞬间变得有血有肉，仿佛能听到纸张被笔尖摩擦的沙沙声。特别是关于“二王”书法的继承与发展部分，作者没有简单地进行优劣对比，而是着重分析了他们各自在“法度”与“自然”之间的微妙平衡点，这种细腻的洞察力，确实是教科书难以企及的深度。读完这部分，我再去看那些拓本，视角完全变了，不再是单纯欣赏字形结构，而是去感受背后那份时代的脉动和书家内心的挣扎与和解。
评分可作为普及的读物
评分可作为普及的读物
评分可作为普及的读物
评分权当普及知识一用。多是知识的简单梳理罗列，少有妙见。
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