朱铭太极雕塑 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:广西美术出版社

作者:朱铭美术馆

出品人:

页数:156 页

译者:

出版时间:2006年3月1日

价格:300.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806748237

丛书系列:

图书标签:

美学
雕塑
太极
朱铭
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文化
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现代雕塑
公共艺术
艺术史
雕塑艺术

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具体描述

朱铭先生作为著名雕刻艺术家的名望和他在雕刻艺术上的卓越创造，是我们了解和敬重的。在现代以来中西文化碰撞交融的情境中，他以充沛的睿智、非凡的胆魄和勤奋的劳作，在雕刻艺术上取材现实，参悟生活，收揽自然神韵，吸纳造化之气，创造出了深含东方文化内蕴而又独具个性面貌的雕刻风格，在中国雕刻艺术的当代承传与开拓上堪称重量级的楷模。本书收录的“太极系列”无疑是朱铭雕刻中最有代表性的一个系列，它集中体现了朱铭先生雕刻艺术的精湛手笔。唐代诗学家司空图《二十四诗品》赞推“雄浑”为第一品，认为雄浑之状之境“大用外腓，真体内充，返虚入浑，积健为雄，具备万物，横绝太空”。以此对应“太极系列”，可以照见朱铭先生创造的入混沌而整一的雄浑意境。他刀凿大形，斧切大块，从容把握，轻松勾勒。作品尊尊座座，皆集远古与汉唐艺术之博大意象与民间艺术之拙朴意趣为一体，在生动的像影之中，诱溢出来自华夏文化灵山道海深处的元气。

《雕塑的呼吸：形而上的无形之境》引言雕塑，是凝固的时间，是物质的诗篇，更是艺术家灵魂与宇宙对话的载体。然而，在雕塑的浩瀚星辰中，有一种艺术形式，它超越了具象的束缚，触及了内在的生命律动，将无形的情感与哲学思索，雕刻进坚实的媒材之中。本书《雕塑的呼吸：形而上的无形之境》，并非要描摹某位特定大师的作品轮廓，亦不追溯某一流派的发展脉络，而是试图深入探究一种更为普遍的艺术现象——那些试图在雕塑这一视觉艺术领域，捕捉和呈现“呼吸”般生命力、内在节奏感与形而上精神维度的作品。 “呼吸”，在本文中，被赋予了多重含义。它既是生物体赖以生存的最基本生理过程，也是一种生命力的象征；它指向了内在的起伏、流动与变化，是生命内在精神活动的体现；更深层次而言，它象征着艺术作品所蕴含的“气韵生动”，一种能够与观者产生共鸣、触动心灵的活力与精神性。当我们将目光投向那些伟大的雕塑作品，我们会发现，它们并非仅仅是静态的石块或金属，而是仿佛被赋予了生命，在无声中诉说着生命的悲喜、宇宙的玄妙，以及艺术家内心深处的哲学思考。本书将从多个维度，对这种“形而上的无形之境”进行探讨。我们将首先审视雕塑在不同文化与历史语境下，如何承载与表达生命哲学。从古希腊罗马的古典雕塑中，对人体完美比例的追求所蕴含的和谐与理性精神，到东方文化中，对神佛形象的塑造如何寄托了对精神超脱与宇宙秩序的理解；从现代雕塑中，艺术家如何打破传统，以抽象的形体、空间与材质，来探索内在的情感与存在的意义。第一章：生命的律动——形体与节奏的交响在雕塑创作中，形体是最直接的表达载体。然而，优秀的雕塑家，不仅仅是对形体的忠实模仿，更是对生命律动的深刻理解与再现。本章将重点探讨艺术家如何通过形体的动态、线条的走向、体积的起伏，来营造出一种“呼吸”般的生命感。动态的静止：静态的雕塑如何暗示运动？这涉及到艺术家对身体姿态、肌肉张力、衣褶流动等细节的精准把握。一个微微倾斜的身体，一个伸展的手臂，即使在静止中，也能唤起观者对其即将发生的动作的想象，仿佛生命的力量正在其中涌动。我们将分析一些经典作品，如米开朗琪罗的《大卫》，其蕴含的蓄势待发的力量感，以及罗丹的作品中，对人体肌理与动态的细致描摹，如何赋予石块以鲜活的生命。线条的语言：线条在雕塑中并非仅仅是轮廓的勾勒，更是情感的流淌。流畅、舒缓的线条可以传递宁静与和谐；粗犷、锐利的线条则可能表达力量与冲突。我们将探讨不同材质（如大理石、青铜、木材）如何通过其本身的质感与雕刻手法，产生丰富的线条变化，从而影响作品的情感表达。例如，光滑、圆润的曲线或许会让人联想到自然的和谐，而棱角分明、断裂的线条则可能引发对存在困境的思考。体积与空间的关系：雕塑并非孤立的物体，它与周围的空间发生互动。体积的膨胀与收缩，镂空与实体的对比，都能够营造出一种空间的呼吸感。作品的体量感、重心分布，以及其所占据或暗示的空间，都在共同塑造着作品的生命力。我们将分析一些注重空间关系的雕塑，如莫扎特的《风之雕塑》，是如何通过形态的开合、空隙的运用，来引导观者的视线，并使其感受到作品的轻盈或厚重。第二章：内在的共鸣——情感与哲思的雕刻雕塑不仅仅是视觉的享受，更是心灵的对话。伟大的雕塑作品，能够超越物质的限制，触及人类共通的情感与深邃的哲学命题。本章将关注艺术家如何通过雕塑，表达内在的情感世界，以及对生命、存在、宇宙的哲学思考。情绪的具象化：艺术家如何将抽象的情感，如喜悦、悲伤、愤怒、宁静，转化为具体的形体？这涉及到艺术家对人物表情、肢体语言、姿态情绪的洞察与提炼。我们将研究那些成功传达强烈情感的作品，分析其造型语言如何服务于情感的表达。例如，一个低垂的头颅，紧锁的眉头，即使没有具体的叙事，也能让观者感受到一种深刻的悲伤。精神的象征与隐喻：许多雕塑作品并非直接描绘现实，而是通过象征与隐喻，来传达更深层的精神含义。抽象的形体、非写实的比例、意想不到的材质组合，都可能成为艺术家表达哲学理念的媒介。我们将探讨各种象征手法在雕塑中的运用，以及它们如何引发观者对生命意义、道德观念、宇宙真理等问题的思考。例如，一些极简主义的雕塑，其纯粹的几何形态，可能象征着宇宙的秩序或存在的本质。宗教与精神的彼岸：宗教艺术一直是雕塑的重要组成部分。从佛教造像的庄严慈悲，到基督教圣徒的苦难与救赎，雕塑为人类精神信仰提供了具象化的载体。本章将探讨雕塑如何成为连接现实世界与精神彼岸的桥梁，以及艺术家如何通过对神圣形象的塑造，来传达超越世俗的智慧与慰藉。第三章：材质的生命——物质与精神的对话雕塑的“呼吸”离不开其所承载的材质。不同的材质拥有不同的特性，它们既是艺术家创作的物质基础，也可能成为作品精神表达的重要组成部分。本章将探讨材质与雕塑精神性之间的关系。石材的永恒与沉重：大理石的温润、花岗岩的坚毅，石材所赋予雕塑的永恒感和厚重感，使其成为承载宏大叙事和庄重情感的理想媒材。我们将分析石材的雕刻特性如何影响作品的细节呈现和整体风格，以及艺术家如何利用石材本身的质感来传达力量、时间或精神的沉淀。金属的冷峻与力量：青铜的坚固、钢铁的锐利，金属材质常常被用于表现力量、速度与现代感。我们将探讨金属的铸造、焊接等工艺如何赋予雕塑以独特的生命力，以及艺术家如何通过金属的冷峻质感来表达某种内在的张力或批判性的思考。木材的温润与生命力：木材作为一种有机材料，其自然的纹理和温暖的触感，常常被艺术家用于表达生命的温度、自然的生机以及人性的细腻情感。我们将探讨木材雕塑如何通过其材质本身的温度感，与观者建立起更为亲近的情感连接。当代新材质的探索：在当代艺术中，艺术家们不断拓展雕塑的材质边界，运用玻璃、陶瓷、塑料、装置等各种新颖的材料，来探索更广阔的艺术表现空间。本章将关注这些新材质如何被赋予新的生命力，以及它们如何为雕塑注入新的哲学思考和精神维度。第四章：无形之境的抵达——观者的体验与共振最终，雕塑的生命力，需要通过观者的体验来得以实现。伟大的雕塑作品，能够激发观者的想象，触动观者的心灵，并在观者心中形成一种“呼吸”般的共鸣。本章将探讨雕塑如何与观者进行对话，以及如何才能真正抵达“形而上的无形之境”。感知与想象的互动：雕塑并非仅仅是眼睛看到的，更是心灵感受到的。艺术家如何通过作品的形态、空间、光影变化，来引导观者的感知，并激发观者的想象力？我们将探讨作品的尺度、视角、以及与观者之间的关系，如何影响观者的体验。情感的投射与共情：当观者面对一件充满生命力的雕塑时，往往会在作品中看到自己的影子，或者产生某种强烈的情感共鸣。我们将分析艺术家如何通过对普遍性情感的捕捉，来触动观者的内心，并实现情感的连接。哲学思考的启迪：一件优秀的雕塑作品，能够引发观者对生命、存在、宇宙等深层问题的思考。它可能是一种视觉的哲学，一种无声的辩论，一种对未知世界的探索。我们将探讨雕塑如何成为哲学思考的催化剂，以及如何引领观者超越物质的限制，抵达更深层的精神境界。结语《雕塑的呼吸：形而上的无形之境》，旨在抛砖引玉，邀请所有对艺术怀有好奇与热情的读者，一同踏上这段探索雕塑深层生命力的旅程。我们并非要提供一个固定的答案，而是希望通过对雕塑艺术中“形而上的无形之境”的深入剖析，激发读者去独立思考、去用心感受。愿本书能够引导您在观赏雕塑时，不仅仅看到冰冷的石块与金属，更能感受到其中涌动的生命气息，聆听到它们无声的诉说，体悟到艺术家所寄托的深邃思想。因为，真正的艺术，正如呼吸一般，无形却无处不在，能够滋养我们的灵魂，拓展我们的视野，让我们在物质的世界里，也能触碰到那无限的精神之境。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

其实只是有机会看到《朱铭美术馆》的几期季刊，就已经感受到了那里的魅力，并且了解到只有三位编辑编刊，可是编辑的杂志具有相当的文化水准，他们每期都以不同的主题来反衬朱铭美术馆的意义，从植物、水、人等不同侧面勾勒出艺术的价值，非常独特！刊中花插大量优美景象，其馆...

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这部关于形式美学与地域文化互动的文集，带给我一种在广袤的田野上漫步的体验。作者的笔法如同一位经验丰富的老者，娓娓道来，却句句珠玑。它不像前几本书那样聚焦于某一位大师或某一个流派，而是采取了一种“点状辐射”的策略，从一个具体的地域性手工技艺切入，然后将其与全球化的艺术语境进行对比和对话。我特别喜欢其中关于东南亚传统木雕如何影响了二十世纪七十年代西方装置艺术的那个章节，那种跨越了海洋和语言障碍的灵感传递，被作者描绘得既充满神秘感，又合乎逻辑。书中对“手作的温度”的探讨尤为动人，它探讨了在工业化、数字化生产日益盛行的当下，艺术家坚持使用传统工具所蕴含的反抗姿态和文化坚守。文风上，它充满了诗意的散文气质，大量的比喻和象征手法，让那些原本冰冷的结构分析变得鲜活起来，读起来一点也不枯燥，反而像是在品一杯需要细品的陈年老茶，回味悠长。

评分☆☆☆☆☆

这本新近读到的关于东方哲学与现代艺术交融的著作，简直是一次精神上的远足。作者以极其细腻的笔触，剖析了上世纪中期以来，艺术家们如何在传统文化符号中寻找创新支点。书中大量引用了不同文化背景下关于“动静相宜”、“刚柔并济”的论述，并将这些抽象概念与具体的艺术创作手法做了惊人的关联。比如，对隈研吾早期建筑设计中“光影哲学”的探讨，深度挖掘了其如何借鉴禅宗的留白艺术来重构空间感，这种跨学科的融合分析，让人耳目一新。我尤其欣赏作者在讨论雕塑材料选择时，那种近乎偏执的考据精神，从青铜的氧化过程到大理石的晶体结构，每一个细节都仿佛被放在显微镜下审视，揭示了材料本身蕴含的叙事力量。全书的论证逻辑严密，引证的艺术史资料丰富得令人咋舌，完全不是那种浮于表面的“看图说话”，而是扎根于深厚的学术积累之上。它成功地搭建了一座桥梁，连接了那些看似遥远的艺术流派，展示了人类审美追求的共通性。对于任何对现当代雕塑史感兴趣的爱好者来说，这本书提供了一个不可多得的、高屋建瓴的视角，让人在理解作品时，能超越表象，触及灵魂深处的韵律。

评分☆☆☆☆☆

读完这本探讨现代主义雕塑演变历程的巨著，我最大的感受是作者那股子“打破砂锅问到底”的劲头。它不是一本面向大众的普及读物，更像是一部为专业研究者准备的工具书，信息密度高到需要反复翻阅才能消化。特别是在对战后欧洲抽象雕塑运动的梳理部分，简直是一场教科书级别的梳理。作者没有简单地罗列作品和名字，而是深入剖析了特定历史时期（如冷战初期）的社会焦虑是如何直接影响艺术家对“块体”和“负空间”的理解和处理的。比如，书中对亨利·摩尔后期作品中“母性主题”的重新解读，挑战了以往评论界较为温和的看法，提出了一个更具批判性的视角，认为那是一种对战后社会结构失衡的隐性反思。行文风格非常硬朗，学术性极强，几乎没有旁白或煽情之处，数据和案例支撑无比扎实。对于那些习惯了轻松阅读的读者，这本书可能会有些门槛，但如果你想真正理解雕塑是如何从具象走向纯粹的形态探索，以及这种探索背后的时代烙印，这本书的价值是无法估量的。它强迫你直面复杂的理论框架，并在这些框架中寻找突破口。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我重新审视“纪念碑”这一概念的力作。作者并未将目光局限于传统的青铜或石材纪念碑，而是将探讨对象扩展到了短暂的、表演性的、甚至数字化的“记忆载体”。书中一个极具颠覆性的观点是，在当代社会，那些快速消逝的文化符号或网络热点，实际上正在取代传统的永久性纪念物，成为我们集体记忆的新载体。作者用大量的当代艺术案例，尤其是行为艺术和大地艺术，来佐证这一论点，分析了这些非永久性作品如何通过事件本身的力量来对抗遗忘。书中的论述节奏舒缓而坚定，它充满了人文关怀，不像其他理论书籍那样冷漠。在谈到如何处理历史创伤的纪念问题时，作者展现了极大的同理心和审慎态度，强调纪念活动需要是一种持续的、可对话的过程，而非一劳永逸的定格。阅读过程中，我不断被提醒，我们所处的时代，对“永恒”的追求已经发生了根本性的转向，这本书为理解这种转向提供了坚实的理论基石和丰富的情感维度。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，刚开始接触这本书时，我有些被它复杂的术语体系吓住了，它似乎更倾向于使用现象学和结构主义的语言来解构艺术作品。这本书的视角非常“冷峻”，它试图剥离艺术作品中一切情感化的、易于被大众接受的叙事元素，转而关注最纯粹的“存在”本身——即材料、体积、张力与空间的关系。书中对“开放形式”雕塑的分析简直是一场智力挑战，作者通过分析不同视点下雕塑表面的曲率变化，来论证“观众的身体经验”如何参与了作品的最终完成。它没有提供简单的答案，而是提出了更多更深刻的问题，比如：一个没有明确边界的艺术品，其“定义”的边界又在哪里？这种高度的理论抽象，要求读者具备一定的哲学思辨能力。但一旦跟上了作者的思维节奏，你会发现它打开了一个全新的认识世界的方式，不再满足于“这是什么”的表面判断，而是追问“它如何成为如此”的内在机制。对于寻求智力刺激的深度读者而言，这本书无疑是极具挑战性和回报的。

评分☆☆☆☆☆