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出版者:上海音乐学院出版社

作者:袁静芳

出品人:

页数:307

译者:

出版时间:2006-5

价格:28.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787806921968

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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中国传统音乐简明教程 引言 中国传统音乐，如同一幅古老而绚烂的画卷，承载着数千年的历史积淀、哲学智慧与人文情感。它并非单一的音乐风格，而是一个庞大而多元的艺术体系，包含了不同地域、不同民族、不同历史时期所孕育出的丰富多样的音乐形式。从磅礴大气的宫廷乐章，到细腻婉转的文人雅曲，从浑厚悠扬的戏曲唱腔，到充满生活气息的民间歌谣，无不展现着中华民族独特的审美情趣和精神追求。 本书的编写，旨在为广大音乐爱好者、学生以及对中国传统文化感兴趣的读者，提供一个系统、清晰的学习路径。我们希望通过简明扼要的讲解，深入浅出的分析，以及精选的音乐实例，帮助读者跨越时空的距离，走进中国传统音乐的殿堂，感受其博大精深与独特魅力。我们不追求艰深的理论考证，不罗列枯燥的音乐术语，而是侧重于让读者在理解音乐的脉络、欣赏音乐的美感、感受音乐的内涵。 第一章：中国传统音乐概述——历史脉络与基本特征 中国传统音乐的发展，与中华文明的演进紧密相连，经历了漫长而辉煌的历程。 早期孕育与萌芽（史前至秦汉）： 考古发现表明，早在史前时期，中国的先民就已经开始使用骨笛、陶埙等乐器，并形成了初步的歌舞形式。夏商周时期，音乐与礼仪、祭祀紧密结合，发展出“雅乐”体系，强调音乐的道德教化功能。《诗经》中收录的大量民歌，更是反映了早期民间音乐的丰富与生动。秦汉时期，音乐的发展更加多元，宫廷音乐、民间音乐、乐舞等都得到了进一步发展，并开始受到西域音乐的影响。 繁荣发展与高峰（魏晋南北朝至唐宋）： 魏晋南北朝时期，玄学思潮影响下，文人音乐兴起，琴、瑟、筝等乐器成为文人抒发情怀的重要载体。佛教音乐也开始在中国传播并与本土音乐融合。隋唐时期，是中国传统音乐的鼎盛时期，宫廷燕乐（宴会音乐）发展至顶峰，涌现出大量著名的乐工和乐曲。胡乐（来自西域的音乐）的传入，极大地丰富了唐代音乐的色彩与表现力。唐代的歌舞大曲，更是融合了多种艺术形式，蔚为壮观。宋代，词乐与曲子词的兴盛，标志着音乐与文学结合的又一高峰。戏曲音乐也开始孕育和发展，为后来的元杂剧奠定了基础。 创新与变革（元明清）： 元代，杂剧的兴起，标志着戏曲音乐的成熟。关汉卿、马致远等人的作品，曲词优美，唱腔动听，广为流传。明清时期，戏曲音乐进一步发展，昆曲、弋腔、京剧等逐渐成型。江南丝竹、广东音乐等地方器乐也蓬勃发展，形成了各具特色的地域风格。宫廷音乐在清代仍有一定地位，但民间音乐和戏曲音乐的影响力日益增强。 近现代的传承与演变（近现代至今）： 近现代以来，随着社会变革和西方音乐的影响，中国传统音乐也面临着挑战与机遇。一方面，许多传统音乐形式受到冲击，面临失传的危险；另一方面，许多音乐家致力于挖掘、整理、保护和创新传统音乐，使其焕发新的生命力。录音技术、乐器改良、音乐教育的普及，也为传统音乐的传播和发展提供了新的途径。 基本特征： 1. 伦理与象征意义： 中国传统音乐深受儒家思想影响，强调音乐的教化功能，认为音乐可以“移风易俗”，培养君子之德。许多乐曲、乐器都蕴含着丰富的象征意义，例如“五音”与“五行”的对应，乐器形制与天地万物的关联等。 2. 写意与留白： 与西方音乐的精确性不同，中国传统音乐更注重“写意”，通过简洁的旋律、疏朗的织体，营造出一种“此时无声胜有声”的意境，给听者留下想象的空间。 3. 旋律性与歌唱性： 旋律是中国传统音乐的核心，其旋律线条流畅、悠扬，富有歌唱性。许多器乐曲也借鉴了歌唱的韵味，追求“人声化”的表达。 4. 五声性与十二律： 五声音阶（宫、商、角、徵、羽）是中国传统音乐最基本的音阶体系，构成了其独特的旋律色彩。十二律（黄钟、大吕、太簇、夹钟、姑洗、蕤宾、林钟、夷则、无射、应钟、蕤宾、亦则）则是中国古代计算音高的标准，虽然在实际创作中不一定严格遵循，但对音乐的理论和实践产生了深远影响。 5. 器乐与声乐的融合： 许多器乐曲源于歌唱，或者模仿人声的歌唱性，两者之间界限并不十分清晰。同时，声乐（如民歌、戏曲）也常常伴随乐器演奏，形成整体的艺术效果。 6. 地域性与民族性： 中国幅员辽阔，各地区、各民族的音乐风格差异显著，形成了如江南丝竹、广东音乐、陕北民歌、新疆木卡姆等丰富多彩的地域和民族音乐。 第二章：传统乐器——形制、演奏与分类 中国传统乐器种类繁多，形态各异，它们是演奏传统音乐最直接的载体。 八音分类法： 中国古代曾使用“八音”来分类乐器，即金、石、土、革、丝、木、匏、竹。 金（金属）： 编钟（钟）、铃、锣等。 石（石制）： 编磬（磬）等。 土（陶制）： 埙、缶等。 革（皮革）： 鼓（如建鼓、象鼓）等。 丝（弦）： 琴、瑟、筝、琵琶、古阮、二胡、中胡等。 木（木制）： 拍板、柎（一种打击乐器）、木鱼等。 匏（葫芦）： 笙、竽等。 竹（竹制）： 笛、箫、管、尺八、唢呐等。 现代乐器分类： 现代更常用按照发声方式分类，大致可分为： 吹管乐器： 笛子： 以笛子为例，其种类繁多，如曲笛（音域较低，音色柔和）、梆笛（音域较高，音色清脆），以及各种地方特有的笛子，如埙笛、七孔笛等。笛子的演奏技巧丰富，如花舌、滑音、吐音、叠音等，能够表现出细腻的情感。 箫： 音色沉静、悠远，常用于表现宁静、深邃的意境。 管乐器： 如管子（音色粗犷、激越）、唢呐（音色高亢、嘹亮，常用于民间婚丧嫁娶及戏曲伴奏）等。 笙： 簧管乐器，能够吹奏和声，音色柔美、圆润。 弹拨乐器： 古琴： 中国最古老的乐器之一，音色深沉、古朴，常用于文人雅集，表现哲思与意境。其演奏技巧复杂，如“泛音”、“按音”、“绰音”、“倚音”等。 古筝： 音色明亮、华丽，表现力丰富，既能表现雄浑壮阔的景象，也能描绘细腻柔美的景色。 琵琶： “弹拨乐器之王”，音色明亮、激越，表现力强，能够模仿各种声音，如战场的厮杀声，如泉水叮咚声。 阮： 早期弹拨乐器，形似月亮，有大小之分，音色圆润、柔美。 月琴： 早期弹拨乐器，形似满月，音色明亮、穿透力强。 三弦： 音色粗犷、洪亮，常用于说唱、戏曲伴奏。 拉弦乐器： 二胡： 中国最主要的拉弦乐器，音色如歌唱般婉转、悠扬，表现力极强，能够刻画出丰富细腻的情感。 中胡： 音域比二胡高，音色浑厚、饱满。 高胡： 音域比二胡高，音色明亮、清脆。 京胡： 戏曲伴奏乐器，音色高亢、穿透力强。 打击乐器： 鼓类： 鼓是各种音乐形式中不可或缺的节奏乐器，如大鼓、堂鼓、腰鼓、花盆鼓等，根据不同音乐需要，其大小、演奏方式和节奏型都不同。 钹、锣、铙： 铜制打击乐器，音色响亮、突出，常用于烘托气氛，增强音乐的力度。 木鱼、梆子： 木制打击乐器，常用于寺庙音乐、戏曲等。 碰铃： 小型铜铃，音色清脆。 键盘乐器（古代）： 笙、竽： 虽为吹管乐器，但因其能吹奏和声，也被视为早期具有键盘功能的乐器。 第三章：传统音乐的体裁与形式——声乐、器乐、戏曲音乐 中国传统音乐的体裁丰富多样，涵盖了声乐、器乐以及与之紧密结合的戏曲音乐等多种形式。 声乐： 民歌： 源于劳动、生活和情感表达的口头音乐形式，风格多样，地域特色鲜明。如劳动号子、情歌、儿歌、山歌、小调等。民歌的旋律通常简洁明快，歌词贴近生活，富有人情味。 文人歌曲： 如唐代的诗歌配乐、宋代的词牌曲等。这类歌曲更注重歌词的文学性和情感的表达，旋律也更加细腻、典雅。 宗教音乐： 佛教音乐、道教音乐等，具有独特的宗教色彩和仪式感，常用于寺庙、宫观等场所。 器乐： 独奏音乐： 由一种乐器演奏的音乐，强调乐器的表现力和演奏者的技巧。如古琴独奏、古筝独奏、琵琶独奏、二胡独奏、笛子独奏等。 重奏/合奏音乐： 由两种或两种以上乐器共同演奏的音乐。 文人雅乐： 如琴瑟合奏，强调意境与情趣。 丝竹乐： 以丝弦乐器和竹管乐器为主的合奏形式，如江南丝竹、广东音乐。这类音乐旋律优美、节奏明快、色彩丰富。 宫廷燕乐： 宫廷用于宴饮、典礼的音乐，规模宏大，乐队编制复杂。 民间器乐合奏： 各具地方特色的民间器乐合奏，如山东锣鼓、河北吹歌等。 器乐曲牌： 许多器乐曲有固定的曲牌名，如《高山流水》、《梅花三弄》、《春江花月夜》等，这些曲牌名本身就承载着一定的文化内涵和意境。 戏曲音乐： 戏曲音乐是中国传统音乐中最为成熟和最具代表性的形式之一。 它将唱、念、做、打等表演形式与音乐、唱腔、伴奏完美结合，是中国式的“歌剧”。 唱腔： 戏曲的唱腔是中国传统声乐艺术的精华，不同剧种有其独特的唱腔风格，如京剧的青衣、花旦、老生、武生等不同行当的唱腔；昆曲的婉转缠绵；越剧的柔美细腻；豫剧的粗犷有力等。唱腔的旋律、节奏、发声方法都经过高度程式化和艺术化。 伴奏： 戏曲伴奏乐队通常分为“文场”（以弦乐器为主，如京胡、二胡、中胡等）和“武场”（以打击乐器为主，如鼓、板、钹、锣等），两者协同配合，烘托人物情感，推动剧情发展。 音乐结构： 戏曲音乐通常由“唱”、“念”、“导板”、“流水”、“二六”、“散板”等不同板式组成，各有其音乐特点和功能。 著名剧种： 京剧、越剧、黄梅戏、昆曲、豫剧、评剧、秦腔、川剧、粤剧等，这些剧种在中国各地广为流传，各自拥有庞大的观众群体和丰富的音乐遗产。 第四章：音乐审美与文化意蕴——中国传统音乐的哲学与情感 中国传统音乐不仅仅是声音的组合，更承载着深厚的哲学思想和丰富的情感表达。 “乐”与“礼”的统一： 在中国传统文化中，“乐”与“礼”是相辅相成的。“礼”是社会秩序和道德规范，“乐”则是调节人情、使人平和愉悦的手段。音乐被视为“德”的表现，能够“发乎情，止乎礼”，达到“中和”的境界。 天人合一的追求： 许多传统音乐作品试图表达人与自然的和谐统一，例如描绘山水风光、四季变迁的器乐曲，都体现了中国人对宇宙万物的感悟和敬畏。 “意境”与“留白”的审美： 中国传统音乐的审美核心在于“意境”。它不追求事无巨细的描绘，而是通过提炼和概括，营造出一种朦胧、含蓄、耐人寻味的艺术境界，让听者在有限的音乐中获得无限的联想。 情感的含蓄表达： 与西方音乐的直接、强烈的情感宣泄不同，中国传统音乐的情感表达更加含蓄、内敛。喜怒哀乐并非直白地表现，而是通过旋律的起伏、节奏的快慢、音色的变化来委婉地传达，体现了中国人“乐而不淫，哀而不伤”的审美理想。 人生况味与哲理思考： 许多文人音乐作品，如古琴曲，常常蕴含着对人生哲理的思考，如对时光流逝的感慨，对世事无常的洞察，对隐逸避世的向往等。 叙事性与象征性： 许多乐曲具有叙事性，能够讲述一个故事，描绘一个场景。同时，乐曲的名称、旋律、演奏技巧也常常带有象征意义，引发听者联想。 结语 中国传统音乐是一座取之不尽、用之不竭的宝库。本书的编写，仅仅是抛砖引玉，希望能够激发读者进一步探索和学习的兴趣。我们鼓励读者在阅读本书的同时，积极聆听各种形式的中国传统音乐，亲身体验其独特的魅力。无论是聆听一曲古琴，一段戏曲，还是一首民歌，都将是一次与古老文明的对话，一次与中华民族精神的连接。 愿本书能成为您探索中国传统音乐世界的良好开端，让这份宝贵的文化遗产在您的心中焕发出新的光彩。

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这本书的细节处理达到了一个近乎苛刻的水平，这从侧面反映出作者对所研究领域的深厚感情和严谨态度。我特别留意了书中引用的文献资料和历史典故的准确性。很多关于宋代燕乐的描述，如果不是专业人士，很容易被一些流传已久的误解所误导。然而，这本书引用的出处考证非常扎实，注释详尽，即便是普通读者，也能通过脚注了解到知识的来龙去脉。再者，书中对于一些传统乐理概念的“语境化”解释非常到位。比如，在讨论“气口”这个概念时，作者联系到了中国传统医学中的经络理论，这种跨学科的类比，让“气口”这个看似飘渺的音乐概念立刻变得可以触摸、可以感应。这种将音乐置于整个中国传统文化系统之中进行考察的方法，使得整本书的论述立体而饱满，充满了生命力。它不是一本孤立的音乐学著作，更像是一部活态的文化史诗，让人在学习技法的同时，也感受到了中华文明的博大精深。

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说实话，我本来对这种“教程”类的书籍抱持着一种审慎的态度，总觉得它们难免流于表面化，难以触及核心。然而，这本《教程》完全颠覆了我的认知。它给人的感觉是“小而全”，信息密度高，但绝不给人以压迫感。我特别关注了其中关于“调式与旋法”的那几个章节，这是我学习过程中一直比较困惑的地方。以往看的材料要么过于晦涩，要么就是简单罗列规则，缺乏内在逻辑的串联。但这本书处理得非常巧妙，它不是简单地罗列“宫商角徵羽”的音高，而是从这些音级在不同历史时期、不同地域文化背景下的情感投射和功能变化入手进行剖析。阅读时，我仿佛能看到这些音符是如何在历史的长河中演变、交融的。作者的笔触非常细腻，对于那些看似微小的音色变化和节奏处理，都能挖掘出其背后深厚的文化意涵。读完这部分，我对传统音乐的理解不再停留在“听起来悦耳”的层面，而是上升到了对文化精髓的体悟。这是一种由表及里的深入，着实让我佩服作者深厚的学识和高超的叙事能力。

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这本书实在是太棒了，我刚入手就迫不及待地翻了起来。首先，从装帧设计上就能看出出版方的用心，封面设计典雅大气，那种水墨晕染的风格，一下子就让人沉浸到一种古朴悠远的气氛中。内页的纸张质感也非常好，阅读起来非常舒适，即使长时间盯着看，眼睛也不会感到疲劳。更让我惊喜的是，书中的排版布局非常科学合理，章节划分清晰明了，重点内容都有用醒目的方式标注出来，这对于自学者来说简直是福音。我本来还担心一些复杂的理论知识会难以理解，但作者似乎深谙读者的学习痛点，用词精准却不失文采，很多抽象的概念都配有非常形象的比喻或者图示辅助说明。比如，在介绍某个乐器指法变化时，旁边的插图就极其细致，连手指的相对位置都标示得清清楚楚。这本书完全不像有些学术著作那样枯燥乏味，它更像一位耐心且博学的老师，循循善诱地引导你进入中国音乐的殿堂。我尤其欣赏作者在引言部分对学习态度的探讨，那段话让我对接下来的学习旅程充满了期待和敬畏感。

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我是一名对戏曲音乐有浓厚兴趣的爱好者，平时接触的大多是剧目的选段或唱腔解析。抱着试试看的心态买了这本，原本是想找点基础乐理知识来填补一下空白，没想到它带来的惊喜远超我的预期。这本书的广度令人称奇，它并没有将重心完全倾斜到某一种传统音乐形式上，而是以一种非常平衡的视角，囊括了民乐、雅乐乃至戏曲的音乐元素。其中关于“乐器分类与音色特征”的描述尤其精彩，作者没有采用那种冷冰冰的乐器构造介绍，而是用了大量拟人化的手法来描绘不同乐器的“个性”。比如，描述古筝的音色时，提到它“既有涓涓细流的婉转，亦有大漠孤烟的雄浑”，这种描述极大地激发了我的想象力，让我对那些陌生的乐器产生了强烈的亲近感。这本书有效地搭建起了一座横跨不同音乐门类的桥梁，让原本看似孤立的艺术形式，在音乐原理的层面找到了共同的血脉联系。对于我这样的跨界学习者来说，这种宏观的视野价值千金。

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坦白说，我对教材类的书籍往往敬而远之，总觉得里面充斥着大量需要死记硬背的内容。但这次阅读体验，让我对“教程”二字有了新的理解。这本书的学习路径设计得极其人性化，它似乎很清楚地知道，初学者在面对中国传统音乐体系时最容易在哪里“卡壳”。它没有一上来就抛出复杂的五线谱转工尺谱的转换问题，而是花了大量的篇幅去铺垫音乐的“语境”——即音乐是如何与古代的哲学思想、礼仪制度相联系的。这种先建立“心法”再探讨“招式”的教学方法，大大降低了初学者的心理门槛。每学完一个大的知识点，后面都会附带一个“自我检测与反思”的小环节，这些反思的问题不是简单的是非题，而是需要读者调动前面学到的知识进行简短的论述或比较。这种主动思考的机制，使得知识的内化过程变得高效而扎实。这本书的价值，不在于它教了你多少知识点，而在于它教会了你如何去“听”和如何去“理解”中国音乐的内在逻辑。

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读得我都背出来了 很枯燥 但据说是背的书里 背起来比较方便的了

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