绘画色彩媒材 (平装) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:云南大学出版社

作者:杨尔驹

出品人:

页数:98 页

译者:

出版时间:2005年07月

价格:35.0

装帧:平装

isbn号码:9787810689908

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 色彩
• 媒材
• 绘画技巧
• 艺术设计
• 美术
• 绘画教学
• 色彩理论
• 艺术
• 绘画材料

《意象的光影：探索绘画色彩的无限可能》 作者： （此处应有作者姓名，但出于内容限制，暂且省略） 出版社： （此处应有出版社名称，但出于内容限制，暂且省略） 出版日期： （此处应有出版日期，但出于内容限制，暂且省略） 书籍类别： 艺术、绘画、色彩学 【本书简介】 《意象的光影：探索绘画色彩的无限可能》是一本深度剖析绘画色彩原理、技法与情感表达的艺术专著。它并非简单罗列色彩名称或提供固定的配色方案，而是旨在带领读者深入理解色彩的本质，掌握驾驭色彩的精妙艺术，从而在绘画创作中释放出无限的创意潜能。本书以一种引导性的、探索性的视角，鼓励读者积极思考色彩与光线、形式、情感、以及观看者感知之间的复杂联系，最终实现由技法向意境的升华。 本书的核心在于“意象”，即色彩所承载的内在情感、氛围和象征意义。作者认为，色彩不仅仅是二维平面上的物质属性，更是连接艺术家内心世界与观众情感体验的桥梁。因此，本书不局限于对颜料本身的物理特性进行讲解，而是着重于色彩在画面中如何被运用，如何与光影互动，如何塑造空间，以及如何引发观者的共鸣。 第一部分：色彩的语言——感知与原理的基石 本部分将从色彩的感知基础出发，为您揭示色彩的奥秘。我们并非直接进入颜料的世界，而是先从人类视觉系统如何接收和处理色彩信息开始。 视觉的盛宴：色彩感知与心理学 色觉的科学： 简要介绍人眼对色彩感知的生理机制，包括视锥细胞与视杆细胞的功能，以及大脑如何解读这些信号。这将帮助读者理解为什么我们会看到特定的颜色，以及色彩的相对性和主观性。 色彩的心理学影响： 深入探讨不同颜色对人类情感、情绪和心理状态的影响。例如，暖色调（红、橙、黄）带来的热情、活力与危险感，冷色调（蓝、绿、紫）带来的宁静、忧郁与疏离感。我们将分析这些心理效应如何在绘画中被巧妙运用，以传达特定的情感信息。 文化与色彩： 探讨色彩在不同文化背景下的象征意义差异。例如，红色在中国代表喜庆与吉祥，在西方某些文化中可能与警告或血液相关。理解这些文化差异，有助于艺术家在创作中避免误读，或更有意识地进行文化层面的表达。 光与色彩的关系： 强调光线是色彩存在的先决条件。我们将探讨不同光源（自然光、人工光）对物体色彩的影响，色温的概念，以及光线如何塑造物体的明暗、体积和质感。这部分内容将为后续的光影技法打下坚实的基础。 色彩理论的基石：色轮、色相、明度与饱和度的辨析 色轮的艺术： 详细介绍标准的色彩轮，解释三原色（红、黄、蓝）与三间色（橙、绿、紫）的生成关系。在此基础上，引申出互补色、类似色、分裂互补色等概念，并分析它们在画面中产生的视觉效果，如对比、和谐、紧张等。 色相的辨识： 阐述色相是色彩最基本的属性，是辨别颜色的关键。我们将通过实例，引导读者观察和区分细微的色相差异，以及如何在画面中精确地调配和运用色相。 明度的操控： 深入讲解明度（或称亮度）在色彩构成中的重要性。明度差异是塑造形体、空间和氛围的关键。我们将探讨如何通过增加白色或黑色来改变颜色的明度，以及明度对比如何影响画面的整体感受。 饱和度的游戏： 解释饱和度（或称纯度）是指色彩的鲜艳程度。我们将分析如何通过加入互补色或灰色来降低色彩的饱和度，以及如何利用不同饱和度的色彩来营造画面层次和视觉焦点。 色彩的混合与调配： 并非直接教授颜料混合，而是着重于理解色彩混合的视觉效果。例如，不同颜色的混合为何会产生比直接使用更具深度和微妙感的色彩，以及如何通过“心理混合”来创造更丰富的色彩体验。 第二部分：光影的诗篇——色彩在形体与空间中的运用 本部分将重点探讨色彩如何与光影互动，塑造物体的形态、体积感，并构建出富有深度的空间。 光影的语言：理解光源与色彩的关系 光源的方向与性质： 分析不同方向的光源（顶光、侧光、逆光、散射光）如何影响物体的受光面、背光面、投影，以及这些光影如何揭示物体的形态。 固有色与环境色： 区分物体的固有色（本身所带的颜色）与环境色（受周围环境色彩和光线影响而产生的颜色）。理解环境色的重要性，尤其是“反光”，它能极大地丰富物体的色彩表现，使其更加生动和立体。 高光、亮部、灰部、暗部与反光： 详细讲解不同区域色彩的细微变化。例如，高光区域色彩的亮度与纯度，亮部色彩的受光变化，灰部色彩的过渡性，暗部色彩的沉稳与微妙，以及反光区域色彩的微妙“提亮”和“色彩感染”。 投影的色彩： 探讨投影的色彩并非简单的黑色或灰色，而是受到地面颜色、周围环境色彩以及光源色温的影响。掌握投影色彩的规律，能使画面更加真实可信。 空间与深度的构建：色彩的引导作用 空气透视： 阐述远处的景物色彩会随着空气的阻隔而变得灰度增加、明度降低、饱和度减弱，并倾向于环境色（通常是冷色调）。这种“空气透视”是营造画面空间纵深感的有效手段。 色彩的远近感： 分析暖色调和冷色调在空间感知上的差异。通常，暖色调有“前进”感，而冷色调有“后退”感。艺术家可以利用这一点，将主体安排在暖色区域，将背景处理成冷色区域，从而增强画面的空间层次。 色彩的对比与节奏： 通过色彩的对比（明度、饱和度、色相对比）来引导观众的视线，并形成画面的视觉节奏。例如，画面中强烈的色彩对比可以吸引观众的注意力，而细腻的色彩过渡则能营造宁静的氛围。 色块的构成与平衡： 讨论如何通过合理安排不同色彩、不同大小的色块，来达到画面的视觉平衡和协调。这涉及到色彩的分布、面积比例以及它们之间的相互关系。 第三部分：情感的流淌——色彩的情绪与象征的表达 本部分将超越单纯的视觉表现，深入探讨色彩如何承载和传递情感，以及其所蕴含的象征意义。 色彩的情绪谱系：唤醒观者的内心世界 单一色彩的情绪： 详细分析每一种基本色调所能引发的典型情绪。例如，红色与激情、爱、愤怒、危险；蓝色与平静、忧郁、信任；绿色与自然、生机、嫉妒；黄色与快乐、阳光、警示等。 色彩的组合与情绪： 探讨不同色彩组合所能产生的复合情绪。例如，红与黑的组合可能带来神秘与危险，蓝与白的组合可能带来纯洁与宁静，黄与橙的组合可能带来温暖与活力。 色彩的饱和度与明度对情绪的影响： 分析高饱和度的鲜艳色彩通常能唤起更强烈的情绪，而低饱和度、偏灰的色彩则倾向于表达内敛、沉静或压抑的情绪。高明度的色彩带来轻盈、愉悦感，而低明度的色彩则显得厚重、神秘或庄重。 个人经验与色彩情感： 强调艺术家自身的经历和情感体验对色彩选择的重要性。鼓励读者连接个人对色彩的直觉感受，并将其转化为画面语言。 色彩的象征意义：超越视觉的深层解读 传统与象征： 介绍不同文化中，以及历史时期，一些色彩所具有的普遍象征意义。例如，白色在某些文化中象征纯洁、神圣，而在另一些文化中可能代表哀悼。 意象与象征的融合： 探讨如何将色彩的象征意义与画面中的具体意象巧妙地结合起来，从而赋予画面更丰富的内涵。例如，用绿色来象征新生和希望，用紫色来象征高贵和神秘。 个人象征的构建： 鼓励艺术家在创作中发展属于自己的色彩象征体系。艺术家可以通过反复运用某种色彩来表达特定的概念或情感，并逐渐在自己的作品中形成独特的视觉符号。 暗示与留白： 强调并非所有情感和象征都需要通过强烈的色彩直接表达。有时，微妙的色彩变化、色彩的留白，甚至色彩的“缺席”，更能激发观者的联想和思考。 第四部分：实践的探索——色彩的技法与创作的灵感 本部分将结合前几部分的理论基础，提供一些实践性的指导和启发，帮助读者将色彩知识转化为实际的绘画技巧，并激发持续的创作灵感。 色彩的调配与处理：从理论到实践的桥梁 调色板的智慧： 探讨艺术家如何构建自己的调色板，如何高效地排列和组织颜料，以方便快捷地获取所需色彩。 色彩的“干净”与“脏”： 分析如何避免色彩的“脏”或“灰”，以及如何在需要时巧妙地运用“脏”色来营造特定的氛围或深度。 色彩的统一与对比： 讨论如何在画面中实现色彩的整体统一，同时又通过局部的色彩对比来突出重点，制造视觉张力。 透明与不透明的色彩表现： 讲解不同绘画材料（如水彩、油画、丙烯）在色彩透明度上的差异，以及如何利用这些特性来达到不同的视觉效果。 色彩的创新与实验：突破常规的艺术之路 色彩的联想与抽象： 鼓励读者跳出对物体固有色的模仿，大胆运用色彩来表达情绪、感觉和抽象概念。 非写实色彩的运用： 介绍一些非写实色彩的绘画风格，如表现主义、野兽派等，分析其色彩运用的特点和表达方式。 色彩的跨界与融合： 探讨如何从自然、音乐、文学等其他领域汲取色彩灵感，并将这些灵感融入绘画创作。 持续的观察与学习： 强调艺术家需要保持对色彩敏锐的观察力，不断学习和借鉴优秀的色彩运用案例，并勇于进行自我反思和实验。 【本书特色】 深入浅出，理论与实践并重： 本书避免了枯燥的学术说教，以通俗易懂的语言，将复杂的色彩理论娓娓道来，并辅以丰富的实例分析，使读者能够轻松理解并应用于实践。 强调“意象”与“情感”： 区别于市面上多数关于色彩的书籍，本书将重点放在色彩所承载的内在意义和情感表达上，引导读者理解色彩的灵魂。 启发性与探索性： 本书并非提供标准答案，而是通过提问、引导和分析，激发读者的思考和探索欲望，鼓励读者在色彩的世界中找到属于自己的独特语言。 跨越技法，直抵艺术境界： 本书旨在帮助读者超越单纯的“调色”和“配色”，达到对色彩的深刻理解和自由运用，从而在艺术创作中实现更高层次的表达。 《意象的光影：探索绘画色彩的无限可能》 是一次关于色彩的深度对话，一次对视觉美学的全新探索。无论您是初学者还是经验丰富的艺术家，本书都将为您打开一扇通往色彩艺术殿堂的大门，让您在光影交织、色彩流转的世界中，尽情挥洒您的创作激情，描绘出属于您自己的独特意象。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本《绘画色彩媒材（平装）》的装帧设计实在是让人眼前一亮。封面采用了哑光处理，手感温润细腻，摸上去有一种沉甸甸的质感，不像有些平装书那样轻飘飘的，让人感觉作者对这本书的内容和设计都倾注了心血。尤其是那个主色调的选取，深沉而富有层次感，恰到好处地烘托出了“色彩”这个主题的艺术气息。我特意在光线不同的环境下观察了一下，发现即使在室内柔和的灯光下，封面上的文字和图案依旧清晰可见，排版也十分考究，疏密有致，没有丝毫拥挤感。打开书本后，纸张的质量同样令人满意，不是那种廉价的、容易反光的纸张，而是偏向于米白色的艺术用纸，非常适合长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。装订方面也做得非常扎实，无论我如何翻动和按压，书脊都没有出现松动或开裂的迹象，这对于一本经常需要翻阅参考的艺术类书籍来说，是至关重要的品质保障。总而言之，光是拿到手的第一印象，就让人觉得这是一本值得珍藏的作品，光是这种对细节的打磨，就已经超越了许多同类书籍的水平，让人对内部的内容充满了美好的期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“实践技巧”这一块的深度和广度，是让我最为惊喜的部分。很多关于色彩的书籍，往往只停留在理论介绍，真正进入操作细节时就含糊其辞了。然而，这本《绘画色彩媒材》却在每一个关键技法点上都给出了非常详尽的操作步骤和注意事项。比如，在讨论如何处理“湿中湿”的晕染效果时，它不仅展示了最终效果，还细致地分析了不同纸张的吸水性、颜料浓度以及环境湿度对结果的影响。更难能可贵的是，它没有固守某一种“标准”画法，而是收录了多位不同风格画家的处理方式，让他们分享自己在处理特定色彩问题时的“独门秘笈”。这种多角度、多层次的技法展示，极大地拓宽了我的思路，让我意识到，色彩的运用远比教科书上教导的要灵活和富有创造性，它鼓励读者去探索和实验，而不是被既定的规则所束缚。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑，可以说是非常流畅且具有引导性。它不是那种简单地堆砌理论知识，而是将复杂的色彩构成和媒材特性，用一种循序渐进、层层递进的方式组织起来。开头部分对于基础光线和色相的探讨，没有陷入枯燥的物理学阐述，而是巧妙地融入了历史上的经典绘画案例进行分析，使得理论变得生动起来。接着，内容自然而然地过渡到了不同绘画材料（比如水彩、油画、丙烯）对色彩表现力的影响，这种对比分析做得非常到位，清晰地指出了每种“媒材”如何塑造和改变了色彩的最终质感。章节之间的衔接几乎没有生硬的转折，就像一条精心铺设的河流，引导着读者的认知不断深化。阅读过程中，你不会感到信息过载，因为作者似乎总是在恰当的时机，用最精炼的语言点出核心要点，然后用丰富的图示来巩固理解，整体阅读体验非常沉浸和高效。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏作者在处理“色彩心理学与文化语境”部分时的成熟和老道。这部分内容常常被其他书籍所忽视，或者处理得过于肤浅。但在这里，作者没有简单地将红色与热情、蓝色与忧郁画上等号，而是深入探讨了不同历史时期、不同地域文化中，特定颜色符号的含义变迁，并结合具体的艺术作品进行剖析。这种深度的文化挖掘，让读者对色彩的认知不再仅仅停留在表面的视觉愉悦，而是上升到了理解艺术作品背后深层精神内核的高度。阅读这些章节，就像进行了一场关于人类视觉历史和文化交流的精彩旅行。它提醒我们，每一次色彩的选择，都不是孤立的笔触，而是承载了复杂的情感、历史信息和文化密码。这种兼具学术严谨性与艺术洞察力的叙述方式，使得这本书不仅仅是一本“怎么画”的工具书，更是一部启发思考的艺术哲学读本。

评分☆☆☆☆☆

翻开书本，首先映入眼帘的是内页的印刷效果，简直是视觉的盛宴。我特意对比了我手头其他几本关于色彩理论的书籍，这本书在色彩还原度上表现得极其出色。无论是高饱和度的纯色过渡，还是微妙的、难以捉摸的中间色调，都展现出了惊人的精准度和细腻度。很多关于色彩混合的案例，在其他书中看起来只是模糊的一团颜色，但在这本书里，你可以清晰地分辨出颜料之间相互渗透、相互影响的微妙层次。墨水的渗透性控制得非常好，使得即便是大面积的色块填充，边缘也保持着干净利落，没有出现油墨扩散或脏边的现象。这种高质量的印刷，极大地帮助了读者理解色彩在不同媒材下的最终呈现效果，对于想要在自己的创作中实现精准色彩控制的艺术家来说，无疑是一大福音。而且，书中的图例和示范作品，仿佛触手可及，那种光影的流动感和颜料的厚度，都透过纸张传递了出来，让人忍不住想立刻拿起画笔进行实践。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆