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出版者:生活·读书·新知三联书店

作者:楼庆西

出品人:

页数:216

译者:

出版时间:2006-2

价格:78.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787108023322

丛书系列:乡土瑰宝系列

图书标签:

• 建筑
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雕塑之艺：穿越时空的艺术之旅 一、绪论：触碰永恒的物质 本书并非探究石头如何被凿刻成形，或泥土如何被塑造成面容，它是一次深入物质与精神交汇的旅程。我们拒绝将雕塑仅仅视为一种“造型艺术”，而是将其视为人类文明进程中，一种独特的、三维的时空叙事方式。《雕塑之艺》旨在解构雕塑作为一种媒介，如何捕捉、承载并转化人类的集体记忆、信仰体系与个体情感。我们将从材料的本性出发，探究艺术家如何驯服坚硬或柔韧的物质，赋予其超越物质本身的意义。 本书的叙事线索将避开传统的断代史罗列，转而关注“形式的革命”与“概念的迭代”。我们将探究，一个实体的三维存在，是如何在有限的空间内，对观众产生无限的延展性思考，并最终挑战我们对“实在”的认知。 二、石头的意志与时间的重量：古代材料的永恒对话 我们的旅程始于地球深处的声音——矿物与岩石。与平面艺术不同，雕塑的诞生，往往伴随着对材料的征服与尊重。 2.1 采掘的仪式与古老的信仰： 在美索不达米亚的泥板浮雕、古埃及的巨型人像与神像中，石材不仅仅是支撑结构，它本身即是神圣的象征。我们将深入分析这些早期作品中，体积与体量如何服务于权力的集中与永恒的渴望。例如，埃及雕塑中严苛的面部比例与僵硬的姿态，并非是技术局限，而是对“永恒不变”这一概念的极致表达。石头被要求抵抗时间，因此，其形式也必须抵抗变化。 2.2 希腊的理想与肌肉的哲学： 进入古希腊时期，我们关注“形式的解放”。大理石不再仅仅是神祇的居所，它成为了探讨人体潜能与“完美比例”的媒介。从菲狄亚斯到普拉克西特列斯，雕塑家们如何通过对人体解剖学的精微把握，将冰冷的石头注入了动态的生命力？本书将重点剖析“对立平衡”（Contrapposto）的革命性意义——它不是一个简单的姿势，而是将静止的物质置入了时间流动的瞬间，使得雕塑开始“呼吸”。我们探讨的不是《掷铁饼者》的动作本身，而是它如何定义了古典人文主义对“人是万物的尺度”的视觉证明。 2.3 罗马的记录与权力的烙印： 罗马雕塑的特点在于其对叙事性和写实性的强调。我们将分析，在凯旋门浮雕和皇帝胸像中，雕塑是如何从哲学沉思退居为政治宣传的工具。材料（如青铜、大理石）的选择，以及对细节的极致刻画（如发丝、铠甲的纹路），是如何共同构建了一个清晰、不容置疑的帝国叙事。这里的雕塑，是权力在物质世界留下的、无法磨灭的签名。 三、中世纪的叙事剧场与精神的升华 从中世纪的教堂立面到修道院的柱头，雕塑从独立的纪念碑退回到建筑的有机组成部分。 3.1 建筑的仆人与教义的翻译： 在缺乏普遍识字的时代，雕塑是上帝的教科书。我们将分析哥特式大教堂的雕塑群像，如何通过层层叠叠的布局、拉长的比例和富有戏剧性的手势，引导信徒的目光向上，从世俗的入口通往天堂的启示。此时的重点已不再是物质的完美，而是“象征的清晰度”。石头被塑造成了戏剧性的舞台，每一个人物都在无声地讲述救赎的故事。 3.2 材质的转化与光影的魔术： 不同于古代对光洁的追求，中世纪的雕塑利用其粗粝的表面和深邃的凹陷来捕捉光线。光影不再是自然现象，而是被引导的情感工具。我们将研究木雕和金属工艺中的细微差别，以及它们如何服务于更加内在、更具苦修精神的宗教体验。 四、文艺复兴的回归与现代性的萌芽 文艺复兴标志着雕塑重新夺回了其作为独立艺术形式的地位，它重新发现了人体的尊严与物质的潜能。 4.1 泥土的触感与米开朗基罗的“未完成”： 本书将重点剖析米开朗基罗如何将雕塑视为“从石头中解放形象”。他的作品，如《大卫》或“奴隶”系列，不仅是对古典形式的复兴，更是对创作过程本身的哲学反思。为什么某些作品停留在“未完成”的状态？这是否意味着艺术家的意志永远无法完全驾驭物质的惰性，或者这本身就是一种对完美幻象的拒绝？我们探讨的是雕塑家与材料之间永恒的张力。 4.2 动态的爆发与巴洛克的戏剧张力： 巴洛克时期的雕塑不再满足于静态的平衡。贝尔尼尼的作品是体积与运动的极致体现。我们将分析《圣特蕾莎的狂喜》如何通过复杂的织物褶皱、面部表情的极度夸张，以及利用外部光源的介入，将观众完全拉入一个超验的、情绪饱满的瞬间。这里的雕塑，彻底成为了一种时间艺术，它捕捉了最不可捕捉的——狂喜、痛苦与神启的瞬间。 五、工业时代的解构与物质的解放 进入19世纪末和20世纪，雕塑的定义开始被彻底颠覆。 5.1 罗丹的内心景观与破碎的表面： 罗丹标志着雕塑从对理想美的追求转向对内心冲突的探索。他的作品不再要求光滑的表面；相反，粗糙、未加打磨的肌理和断裂的边缘，成为了表达心理深度的有效手段。我们将分析罗丹如何运用“未完成感”来表现人性的挣扎与未竟的事业。 5.2 抽象的革命：从体积到空间的占有： 20世纪初，雕塑彻底摆脱了对再现的依赖。布朗库西（Brancusi）的极简主义，试图通过提炼物体的本质形态，捕捉其“灵魂”而非表皮。他将雕塑从叙事性的纪念碑转变为纯粹的形式存在。 随后的构成主义和立体主义对雕塑的影响更为深远。我们探讨的不再是“加”的艺术（累积材料），更是“减”的艺术（切割、穿孔）。雕塑不再是实体，而是对空间的重新定义和占有。穿孔的青铜、焊接的钢筋，使得空气和空间本身成为了雕塑不可分割的一部分。 六、当材料不再重要：当代雕塑的边界消融 进入后现代以来，雕塑的概念持续扩张，挑战着观众对“艺术品”的固有认知。 6.1 现成品的挑战与观念的胜利： 杜尚的“现成品”将雕塑的重心从“技艺的难度”彻底转移到“选择的意图”上。本书将分析，当一个日常物件被赋予艺术的语境时，雕塑的本质究竟是物质形态，还是背后的观念结构？ 6.2 装置艺术与环境的介入： 当代雕塑常常超越了传统的基座，它开始侵入展厅，甚至改变场域的物理属性。我们关注那些利用非传统材料（如光线、声音、可降解物）进行创作的艺术家。此时的雕塑，更像是一种临时的、体验式的“事件”，它要求观众的身体移动和参与，而不是仅仅目光的审视。它不再是关于“一个物体”，而是关于“物体与环境的相互作用”。 七、结语：持续生成中的雕塑 《雕塑之艺》最终的结论是：雕塑从未停止其演化。它从对永恒的渴望（石头）出发，经历了对人体的赞美（大理石），对教义的解释（木头），对内心冲突的表达（青铜），最终，它演变为对感知本身、对空间、对物质与非物质界限的不断追问。每一块被塑造的材料，都是人类文明在特定时空中，对自身存在状态的一次有力声明。阅读本书，就是与这些沉默而坚实的声音进行一场跨越千年的对话。

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这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴，拿在手里沉甸甸的质感，仿佛就能感受到那些石头、金属在艺术家手中被赋予生命的过程。内页的纸张选用了一种哑光的高克重纸，使得那些复杂的雕塑细节和光影变化都能被精准地呈现出来，即便是最微妙的肌理过渡，也清晰可见。我尤其欣赏编辑团队在版式设计上的用心，他们没有采用那种密密麻麻的文字堆砌，而是巧妙地利用了大量的留白空间，让每一件作品都有足够的“呼吸感”。每一组图片的排版都经过了深思熟虑，有时候是极简的单页展示，突出作品的孤高与力量；有时候则是跨页的宏大叙事，将雕塑置于一个特定的环境光线下，营造出强烈的氛围感。尤其是那些古代雕塑的修复照片，从残缺到重现的对比图，那种历史的沧桑感和现代工艺的精妙结合，让人不由得屏住呼吸。这本书的图片质量高到令人发指，色彩还原度极高，你甚至能想象出艺术家用凿子敲击时飞溅的火花。这不仅仅是一本关于“雕塑”的图册，它更像是一次精心策划的视觉漫游，带你穿越了不同时代和地域的艺术殿堂，对于追求视觉享受的爱好者来说，这绝对是案头必备的珍藏品。

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我对这本书的内容深度感到非常惊喜，它绝非那种浮于表面的艺术导览，而是真正深入到了材料学和创作哲学的核心地带。作者对于不同媒介的理解达到了近乎痴迷的程度，比如他对青铜铸造过程中“失蜡法”的详细阐述，那种对温度、熔剂、以及注入速度的精准描述，让一个门外汉也能窥见铸造工艺中蕴含的严谨科学性。更难得的是，书中对不同文化背景下雕塑意象的解读，展现出一种跨学科的广博视野。例如，书中比较了古希腊雕塑中对“理想人体”的追求，与中世纪基督教艺术中对“精神超越”的表达，这种对比分析不再是简单的罗列，而是深入挖掘了社会结构和信仰体系如何形塑了艺术家的创作取向。我特别喜欢其中探讨“动态与静止”的篇章，书中分析了如何通过几何学和平衡点设计，使得一尊静止的石像也能表现出蓄势待发的力量感，这种对“内在运动”的捕捉，体现了作者极高的理论素养和敏锐的洞察力，读完之后，我对那些平日里习以为常的经典作品都有了全新的理解和敬畏。

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这本书的叙事风格是极其个人化和富有激情的，读起来完全没有传统艺术史著作那种冰冷的学术腔调，反而像是一位经验丰富的雕塑家在向你娓娓道来他的创作心路历程和对同行的致敬。作者的文字充满了感性的笔触，他并不回避讨论艺术家在创作中经历的挣扎、挫败与顿悟，这种真诚感是极其打动人的。比如，书中描述某位现代主义大师在面对一块无法预料纹理的木料时，如何放下既有构思，转而顺应材料本身的“天性”去雕刻，这种细节的描述，让冰冷的艺术史变得有血有肉，充满了人性的温度。书中的一些段落读起来，简直就像是听一场精彩的讲座，充满了一种行云流水的韵律感和偶尔冒出的幽默感，让人会心一笑。而且，作者的论述逻辑非常清晰，他总能从一个具体的作品切入，然后自然而然地引申到更宏大的时代背景或者哲学思考，使得阅读体验非常流畅，知识点在不知不觉中就被吸收了。这种如同“故事会”一般的叙事魅力，使得即使是对雕塑不太了解的读者，也能被深深吸引进去，体验到艺术创作背后那种纯粹的热爱与执着。

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这本书最让我印象深刻的是它对于“非西方”雕塑传统的尊重与深入挖掘。在很多主流的艺术史著作中，焦点往往集中在欧洲的文艺复兴或古典主义时期，但这本书展现了一种更加包容和全球化的视野。它花了大量的篇幅去细致研究了非洲部落的面具艺术、中美洲的玛雅石刻，以及喜马拉雅山脉地区唐卡雕塑的复杂内涵。尤其是在讨论西非的木雕时，书中不仅展示了其抽象化的造型特征，更重要的是，它解释了这些雕塑在特定仪式和社会功能中的不可替代性，强调了它们作为“活的艺术品”而非单纯的审美客体的地位。作者没有用欧洲中心主义的视角去评判这些艺术形式的“进步性”，而是努力去理解其内在的宇宙观和符号系统。这种平视的、充满同理心的描述，极大地拓宽了我的艺术边界感，让我意识到“雕塑”的定义远比想象中要宽广和多元。阅读这些章节时，我能感受到作者对人类文明多样性所抱持的深深敬意，这使得整本书的立意得到了升华，不再局限于技法和美学的讨论，而是上升到了文化人类学的层面。

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坦白说，一开始我担心这本厚重的书会晦涩难懂，但阅读体验完全出乎意料地轻松愉快，这很大程度上归功于作者对“技法示范”的处理方式。他没有采取教科书式的步骤分解，而是将技法融入到了对特定作品的解构分析中。比如，在讨论大型公共艺术品的安装挑战时，书中详细描述了如何计算重力分布、如何使用临时支撑结构来避免材料在干燥或冷却过程中产生应力裂缝，这些内容对于任何从事相关工程或设计领域的人来说，都是宝贵的实战经验。更具启发性的是，书中收录了一些艺术家手绘的设计草图和工程蓝图，这些图纸旁边往往附带着几行笔记，记录着最初的设想与最终实施之间的微妙差异。这些原始资料的披露，极大地丰富了我们对艺术创作过程的理解，让我们明白，一件看似完美的艺术品背后，隐藏着多少次的失败尝试和技术上的妥协与突破。这本书的价值在于，它成功地弥合了理论研究者与一线创作者之间的鸿沟，让读者在欣赏成品之美的同时，也能对背后的“如何做”产生浓厚的兴趣和敬意。

评分☆☆☆☆☆

超赞 超有料！这么有料的资料书现在真是越来越少了。准备收齐其他N本做资料用。

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买了绝不后悔 任何方面都很棒 值得珍藏 收全一套

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一直想要找到这样的书啊。