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出版者:山东电子音像出版社

作者:汉唐工作室

出品人:

页数:236 页

译者:

出版时间:2005年07月

价格:24.8

装帧:平装

isbn号码:9787894913326

丛书系列:

图书标签:

• 网络翻唱
• 音乐制作
• 音频处理
• 版权
• 唱歌技巧
• 录音
• 后期制作
• 音乐软件
• 麦克风
• 音乐爱好者

《数字影像艺术的奥秘：从像素到视觉叙事》 内容简介 在信息爆炸的数字时代，图像已成为我们理解世界、表达情感、构建叙事的核心媒介。《数字影像艺术的奥秘：从像素到视觉叙事》深入探索了当代数字影像创作的理论基础、技术实践与美学意义，旨在为艺术创作者、设计师、影视工作者以及对视觉文化感兴趣的读者提供一套系统而前沿的知识体系。本书不拘泥于单一软件的操作指南，而是着重于培养读者对光影、色彩、构图以及数字媒介特性的深刻理解，最终实现从技术执行到高级视觉叙事的跨越。 第一部分：数字光影的物理学与美学基础 本部分是理解数字影像的基石。我们首先从光线的本质——电磁波谱——出发，详细阐述了自然光、人工光与数字模拟光之间的关系。 像素的诞生与结构： 深入解析数字图像的最小单位——像素（Pixel）的工作原理，包括其色彩深度（位深）、分辨率的意义及其对最终输出质量的影响。我们探讨了RGB、CMYK以及更专业的ProPhoto RGB色彩空间在不同应用场景中的适用性与局限性。 色彩科学的再审视： 摒弃简单的“调色”概念，转而深入探讨色彩心理学、色彩理论在数字界面中的应用。内容涵盖人眼对色彩的感知机制、色温与环境光对情绪的引导作用，以及如何通过精确的色彩管理确保创作意图在不同显示设备上的忠实还原。 光影的塑形力量： 传统摄影中的布光原理在数字领域得到了新的诠释。本章详细分析了主光、辅光、轮廓光在三维空间中的作用，并引入了数字渲染中光线追踪（Ray Tracing）和全局照明（Global Illumination）的核心概念，解释了这些技术如何模拟真实世界中光的反射、折射与散射，为创建逼真的虚拟场景奠定理论基础。 第二部分：从二维平面到三维空间的构建 数字影像艺术的疆域已不再局限于平面画布。本部分将重点放在三维建模、纹理贴图与动态捕捉等前沿技术上，探讨如何构建复杂的虚拟环境和角色。 拓扑学与多边形艺术： 介绍低模（Low-Poly）与高模（High-Poly）的优缺点，以及布线（Topology）对模型变形和动画流畅度的关键影响。本书侧重于讲解如何利用边缘流（Edge Flow）来增强角色的可塑性，而非仅仅停留在软件的建模步骤。 纹理的叙事性： 纹理不再是简单的表面装饰，而是承载信息与历史的载体。我们详细剖析了PBR（基于物理的渲染）工作流程，包括Albedo（基础色）、Roughness（粗糙度）、Metallic（金属度）等贴图的制作逻辑。内容将涉及程序化纹理生成（Procedural Texturing）在提升细节多样性方面的强大潜力。 空间透视与视差的控制： 探讨电影镜头语言在数字场景构建中的应用。讲解焦距、视角（Field of View）如何影响观众对空间深度的感知。特别分析了景深（Depth of Field）在数字合成中模拟光学镜头效果的精确控制方法。 第三部分：动态影像的节奏与合成的艺术 随着技术的发展，静态图像与动态影像的界限日益模糊。本部分聚焦于时间维度上的影像处理——动画、特效（VFX）以及无缝合成。 时间的雕刻：动画原理与运动曲线： 详细阐述了动画制作的十二项基本原则，并将其应用于数字骨骼绑定（Rigging）与关键帧设置中。重点分析了缓入缓出（Ease In/Ease Out）曲线对运动生命力的决定性作用，以及如何利用非线性动画技术构建复杂的群组运动。 粒子系统与流体动力学： 深入解读模拟自然现象（如烟雾、火焰、水流）背后的数学模型。讲解了拉格朗日和欧拉方法在流体模拟中的差异，以及如何通过调整参数来控制视觉效果的真实感或风格化程度。 层叠与蒙版：数字魔术的逻辑： 合成（Compositing）是连接所有元素的桥梁。本章详尽解析了图层混合模式的数学原理，以及高质量的遮罩（Masking）技术，特别是动态遮罩（Rotoscoping）与运动跟踪（Motion Tracking）在实现虚拟元素与实景画面完美融合中的关键地位。 第四部分：视觉叙事与交互体验 最终，技术是为表达服务的。《数字影像艺术的奥秘》强调了影像作品的最终目标——有效地传达信息和引发共鸣。 构图的跨界应用： 借鉴传统绘画的黄金分割、三分法，并结合数字屏幕的特性，探讨如何设计具有引导性和冲击力的视觉布局。内容延伸至动态构图（Kinetic Composition）在短视频和交互界面中的应用。 风格的提炼与迭代： 讨论如何建立个人化的数字艺术风格。这包括对特定历史艺术流派（如超现实主义、未来主义）的数字转化，以及如何通过对渲染风格（如卡通渲染、赛璐珞风格）的精细调控，来强化作品的主题表达。 从展示到沉浸：新的媒介范式： 展望VR/AR、全景影像等新型显示技术对影像艺术提出的挑战与机遇。探讨如何重新思考叙事节奏和观众的交互方式，以适应三维、沉浸式的观看环境。 本书以严谨的理论为骨架，以实用的案例为血肉，旨在帮助读者超越软件的限制，掌握数字影像创作的底层逻辑，真正做到“玩转”像素，驾驭光影，最终实现富有深度和感染力的视觉叙事。

评分☆☆☆☆☆

这本书于2005年七月发布第一版。 我是在2007年逛图书大厦无意间买到的，因为当时在做一些和音乐编辑相关的工作，所以买来看看，虽说附赠的光盘，还有一些插件和软件，十年前24块不到25块的价格也不算便宜，不过这本儿书的内容看了一两遍以后，基本上就不记得了… 对于入门儿来...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书的章节编排逻辑，它采取了一种非常贴合初学者心智的渐进式学习路径。从最基础的声学原理和设备选购，到复杂的混音技巧和后期母带处理，每一步的过渡都自然得像是水到渠成。作者似乎非常懂得“授人以渔”的道理，不是简单地罗列操作步骤，而是深入浅出地解释了每一个技术选择背后的“为什么”。例如，在讲解压缩器（Compressor）的部分，它不仅展示了如何设置阈值（Threshold）和比率（Ratio），还通过生动的比喻，让我明白了动态范围控制对于人声表演的重要性。这种深入浅出的讲解方式，极大地降低了技术门槛，让原本晦涩难懂的专业术语变得亲切易懂。对于我这种半路出家、缺乏科班训练的爱好者来说，这种循序渐进的引导简直是雪中送炭，让我能够稳扎稳打地建立起扎实的理论基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书在关于“声音美学”的探讨部分，展现出了超越一般技术指南的深度和人文关怀。它不仅仅教你如何让声音“清晰”或“响亮”，更引导读者去思考：一个好的翻唱人声应该具备什么样的情感特质？如何通过音色处理来还原甚至超越原唱的感染力？书中有一段关于“齿音处理”的讨论，没有简单地建议一刀切地削减高频，而是细致地分析了不同歌手的咬字习惯和不同音乐风格对齿音的容忍度，引导读者去寻找“恰到好处”的平衡点。这种对艺术表达的尊重和对听觉感受的细致入微的引导，让我认识到，声音的后期制作，归根结底是一门艺术与技术的结合，它关乎如何更有效地与听众进行情感共鸣。这本书真正做到了将技术规范与艺术追求完美地融合在一起。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计给我留下了极为深刻的印象，那种色彩的搭配和排版布局，简直就是视觉上的盛宴。我立刻就被那种充满活力和现代感的氛围所吸引，感觉这不是一本枯燥的技术手册，而更像是一份开启全新创作旅程的邀请函。书页的触感也相当不错，纸张的质地厚实而细腻，让人忍不住想要一页一页地翻阅下去。尤其是书名旁边的那个小小的、充满创意的插图，细节处理得非常到位，每一个线条都透露出设计师的匠心独运。我拿起这本书的时候，就已经在脑海中构思着我的下一个音乐项目了，光是看封面，就已经激发了我巨大的灵感。可以说，这本书在尚未翻开内容之前，就已经成功地抓住了我的眼球，并让我对它充满了美好的期待。这种对包装的重视，往往预示着内容质量的可靠性，因为它体现了作者和出版方对读者的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图示简直是业界良心，尤其是在讲解复杂的软件界面和插件设置时，那种清晰度和准确性令人赞叹。很多技术书籍在配图方面都显得敷衍了事，要么是低分辨率的模糊截图，要么就是关键信息被忽略的界面展示。然而，在这本书里，每一个关键的旋钮、每一个重要的参数框，都被高亮标记、箭头指示得清清楚楚。作者甚至在关键的步骤旁标注了操作的“最佳实践”和常见的“误区提醒”，这对于我们这些需要对照屏幕进行实际操作的读者来说，简直是太有帮助了。我不再需要频繁地在屏幕和书本之间来回切换，眼睛的疲劳感也大大减轻了。这种注重细节的排版处理，体现了作者对读者学习体验的深度关怀，让学习过程变得高效而流畅。

评分☆☆☆☆☆

这本书所蕴含的“实战精神”是它区别于其他教材最显著的特点之一。它没有停留在纯理论的阐述上，而是融入了大量来自真实录音棚的案例分析和作者本人的“踩坑”经验。通过对几个不同风格（比如流行抒情和摇滚爆发力）的人声样本进行完整处理流程的剖析，我仿佛亲身参与了一次专业的录音会议。作者坦诚地分享了自己在特定混音难题上是如何通过巧妙的EQ调整或侧链压缩（Sidechain Compression）来解决问题的，这些都是教科书上难以找到的“非标答案”。这些真实的“小窍门”和“工作流捷径”，极大地拓宽了我的思路，让我明白在实际操作中，技术只是工具，创造性思维才是王道。这种来自一线的声音工作者的分享，其价值是无法用金钱衡量的。

评分☆☆☆☆☆

很多年前买的一本儿书。翻出来看了看，还挺逗。

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