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出版者:浙江古籍出版社

作者:吴战垒 王翼奇主编

出品人:

页数:109

译者:

出版时间:1993-10

价格:50

装帧:16K精装

isbn号码:9787805182254

丛书系列:

图书标签:

• 毛泽东
• 诗词
• 绘画
• 书法
• 艺术
• 文化
• 历史
• 红色文化
• 文学
• 中国现代文学

《江山万里：中国古代山水画论与审美变迁》 内容提要： 本书深度剖析了自先秦至清末，中国古代山水画在理论建构、审美范式演进以及社会文化语境中的复杂变迁。全书摒弃了传统断代史的线性叙述，转而聚焦于“意象生成”与“笔墨语言”两大核心维度，考察画家、理论家与鉴藏者群体之间如何共同塑造了这一独特的艺术门类。 第一章：魏晋风骨与“写意”的滥觞 本章追溯了山水画从“界画”附属地位中独立出来的关键转折点。重点探讨了谢赫“六法”中“气韵生动”在早期山水画实践中的初步体现，并详细梳理了顾恺之、张 ভালোভাবে等早期画家如何将个体生命体验融入对自然物象的描摹之中。尤其关注玄学清谈风气对文人阶层审美取向的影响，如何催生了以“寄托”为核心的初级写意倾向。对王微《叙画》的文本细读，揭示了中国文人首次系统地将主体精神投射于自然景观的理论努力。 第二章：唐代山水：格局的奠定与南北分野的初现 唐代是山水画走向成熟的关键期。本章细致分析了李思训的青绿山水所代表的“庙堂气象”与王维的水墨“禅意”之间的张力。通过对“南张北李”的理论辨析，阐明了早期“南北宗”观念的萌芽并非纯粹的地域划分，而是两种截然不同的观察世界与组织画面的方法论：一种重形色、工整严谨，注重宏大叙事；另一种则强调笔墨的内在韵律和主观情感的瞬间捕捉。此外，对“金碧山水”的工艺性分析，揭示了盛唐对物象完美再现的追求。 第三章：五代北宋：范式的确立与“可游、可居”的理想境地 五代及北宋时期，山水画进入其经典化阶段。本章以荆浩、关仝、李成的“荆关董李”为核心，探讨了“巨碑式”山水的出现及其文化动因——对后梁唐末乱世的强烈反思，以及对理想秩序的重构需求。重点解析了“大山大水”格局的形成，即如何通过层层叠嶂、云雾缭绕的手法，创造出一种既可供人精神仰望，又具备可居生活气息的“全景式”宇宙观。范宽《溪山行旅图》被置于这一理论框架下，分析其“势”与“法”的完美结合。 第四章：北宋晚期：理性审视与“文人画”的理论转向 本章聚焦于宋徽宗的院体艺术高峰，以及苏轼、晁补之等人对山水画新路径的探索。苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫俗人”等观点，标志着文人审美从对客观自然的忠实描摹，彻底转向对画家主体精神的强调。本章详细梳理了“士气”与“院气”的论战，考察了水墨洇化技法在这一时期的深化，以及“不着色，不强为文”成为新的理论标准的过程。 第五章：南宋：对峙与革新——院体的精微与文人的内敛 南宋时期，山水画呈现出明显的两极分化。院体画在马远、夏圭手中，发展出极致的“边角式”、“留白”构图，以极少的笔墨表现深远意境，体现了王朝在偏安一隅时期的内敛与哲思。与此同时，以“湖州派”为代表的文人画家群体，则进一步继承和发展了董源的笔墨语言，着重于点苔与皴法的个人化探索。本章探讨了气候、政治环境如何影响了画家对“景深”与“情感密度”的选择。 第六章：元代：笔墨的本体论——从“师古人”到“自造化” 元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的崛起，使山水画完成了从“物我合一”向“自我表达”的最终飞跃。本书认为，元代是山水画审美上升为纯粹的“笔墨本体论”的时期。倪瓒的“简淡”如何成为对世俗世界的回避，而黄公望的“皴法研究”又如何将“笔墨结构”提升至哲学层面。本章细致比对“披麻皴”、“斧劈皴”等技法的形而上学意义，论证了元代山水画如何成为士大夫阶层最主要的精神庇护所。 第七章：明清过渡与“复古”的迷思 明代中叶，以吴门画派为代表的复古思潮兴起，山水画在继承元代文人精神的同时，开始面临“如何创新”的困境。本章分析了唐寅、文徵明在形式上的创新与精神上的承袭。清初四王（王时敏、王鉴、王原祁、吴 মেরামত）的“集大成”理论，虽然强调“临摹古人以通笔墨”，但其“笔墨随立意”的强调，实质上将山水画推向了精致化的“程式”阶段。本章批判性地考察了“清初四王”的程式化倾向，以及石涛、八大山人等“个案”对僵化传统的颠覆性冲击。 结语：从“山水”到“心迹”的漫长旅程 本书最后总结，中国古代山水画并非对自然景观的机械复制，而是特定历史时期知识分子群体处理“人与自然”、“秩序与自由”、“有形与无形”等永恒命题的视觉哲学。其审美变迁史，即是一部中国知识分子审美心态不断自我调适和提升的史诗。 --- 作者简介： 李怀远，艺术史学博士，长期致力于中国古典美学与绘画理论的跨学科研究。其研究侧重于文本分析与图像学解读的结合，代表作另有《宋代文人笔记中的审美趣味研究》。本书凝聚了作者二十年来的田野考察与文献梳理成果。

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这本书给我带来的最大震撼，在于它所营造出的那种独特的“意境”氛围。这并非一本纯粹的文学评论集，它更像是一场精心策划的沉浸式体验。阅读的节奏感把握得非常好，时而如高山流水般一泻千里，时而又如深潭静水般引人深思。书中的章节过渡自然流畅，仿佛是跟随一条蜿蜒的河流，时而开阔，时而收拢，始终牵引着读者的心绪。特别是当作者引用了一些相关的哲学思考或美学观点时，那种由诗词引发的对生命、时间乃至宇宙秩序的追问，让人不禁停下笔，陷入长久的沉思。这是一种精神上的滋养，它教导我们如何在一个喧嚣的时代里，保留一份对古典智慧的敬畏与亲近。每次合上书本，我总感觉自己的精神世界被重新洗涤了一遍，目光也变得更加清澈和深远，不再轻易被表面的浮华所迷惑。

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阅读过程中，我发现作者在文字的解读上，采取了一种极其细腻和富有洞察力的叙事方式。他并非简单地对诗词进行字面意义的阐释，而是深入到历史的肌理和诗人当时的心境之中，进行了一次深入的心灵对话。比如，在解读某首描写战火纷飞的诗句时，作者没有停留在宏大的战争叙事上，而是捕捉到了诗人内心深处那种对故土的眷恋和对黎民疾苦的深切同情，这种由表及里的剖析，极大地丰富了诗歌的内涵。他擅长运用对比的手法，将诗人的豪迈气概与现实的困顿形成张力，让读者在激昂与低回之间往复穿梭。此外，作者对于古典文学的典故运用得炉火纯青，信手拈来，既精准地点明了诗句的渊源，又避免了生涩难懂，使得即便是初次接触相关历史背景的读者，也能顺畅地跟上思路，领悟到其中深藏的文化密码。这种将学术的严谨性与大众的可读性完美结合的写作技巧，着实令人佩服。

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如果用一个词来形容这本书的价值，那一定是“桥梁”。它成功地架设了一座连接过去与现在的桥梁，一座连接普通读者与伟大心灵的桥梁。对于那些对传统文化抱有好感，但又苦于无从下手的读者来说，这本书无疑是最好的入门向导。它的语言风格是那样平易近人，没有高高在上的说教感，更像是与一位饱学之士在温暖的壁炉旁进行的一次私密交谈。作者似乎深知，最好的教育方式不是灌输，而是启发。他总是在关键时刻抛出一个引人深思的问题，引导我们自己去寻找答案，这种互动式的体验，极大地激发了我的学习热情和探索欲。我甚至开始主动去查找书中提及的其他历史文献和艺术作品，这本书已经成为了我拓展相关领域知识的一个重要起点和坐标系。

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这本书在细节的呈现上，体现出一种近乎苛刻的匠人精神，这在当下的快餐文化中实属难得。我注意到，对于那些在诗词中出现的特定历史场景或地理位置，作者往往会配以精细的地图标注或历史考据的小插页。这些边栏的补充信息，虽然不是主体内容，却极大地增强了阅读的立体感和真实性。它让抽象的文字瞬间具象化，读者仿佛能闻到那个年代特有的泥土芬芳，感受到历史的风霜雨雪。这种对知识的尊重和对读者的负责态度，让整本书的厚度与广度都得到了质的飞跃。它不仅仅是知识的汇编，更是一种文化责任的体现，让那些逝去的辉煌在今天依然能够散发出应有的光芒，这种坚持和用心，是真正值得称赞的。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从拿到手的那一刻起，我就被它散发出的那种沉静而厚重的气息所吸引。封面采用了那种微微泛着哑光的深红色纸张，触感温润如玉，中央烫金的标题笔触遒劲有力，仿佛能从中感受到一种穿越时空的力量。内页的纸张选取了高克重的米白色铜版纸，印刷的色彩饱满却不失典雅，尤其是那些精心挑选的配图，无论是山水画的写意留白，还是人物肖像的细致描摹，都与文字的意境达到了高度的和谐统一。装订工艺更是无可挑剔，平摊后书页服帖自然，阅读体验极佳。我尤其欣赏其中对细节的处理，比如扉页上的那枚朱砂印章，看似不经意，却为整本书增添了一抹历史的沧桑感和艺术的精致性。这不仅仅是一本书，更像是一件精心打磨的艺术品，让人爱不释手，甚至不忍心频繁翻动，生怕破坏了它那份原有的完好与庄重。它成功地将阅读的物质载体提升到了收藏品的层面，体现了出版方对传统文化的深刻理解和对品质的不懈追求。

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