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出版者:上海人民美术出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:980.0

装帧:

isbn号码:9787532211692

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• 故宫博物院
• 中国绘画
• 绘画艺术
• 艺术史
• 文物
• 文化遗产
• 古代艺术
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• 名画

敦煌莫高窟的千年壁画艺术 本书深入探访了位于甘肃省敦煌的莫高窟，这座被誉为“千佛洞”的石窟群，以其数量庞大、内容丰富、艺术精湛的壁画和彩塑闻名于世。本书并非聚焦于北京的故宫博物院所收藏的传统宫廷绘画，而是将目光投向了中国西北边陲，这片孕育了融合了印度、中亚、希腊等多元文化元素的佛教艺术宝库。 一、 莫高窟的地理与历史坐标 莫高窟地处河西走廊的咽喉要道，敦煌自古便是丝绸之路上的重要枢纽。本书首先勾勒了莫高窟的地理环境，描述了鸣沙山和三危山的壮丽景象如何为艺术的诞生提供了独特的自然背景。随后，详细梳理了莫高窟的开凿历史，从十六国前秦时期（公元4世纪）的零星开凿，到北魏、西魏、北周、隋、唐、五代、宋、西夏、元等朝代的持续发展，直至宋元时期达到鼎盛和最后的衰落。这种跨越千年的艺术积累，使得莫高窟成为了研究中国中古时期历史、宗教、服饰、建筑和世俗生活的活化石。 二、 壁画的艺术语汇与技法革新 本书的核心内容聚焦于莫高窟壁画的艺术成就及其技法演变。我们细致分析了不同历史时期壁画风格的显著特征： 早期（北魏时期）： 探讨了犍陀罗艺术风格和中原画风的初步融合，表现为“秀骨清像”的风格，线条劲健有力，色彩相对淡雅，例如早期“禅僧故事”壁画中的朴拙与虔诚。 盛唐气象： 详细介绍了唐代壁画所达到的巅峰水平。这一时期的壁画色彩浓烈、造型丰满、构图宏大，充满了盛世的自信与活力。特别是对《说法图》、《供养人像》以及气势恢宏的“水月观音”等题材的深入解读，揭示了唐代画家如曹衣血、吴道子等艺术思想在敦煌的间接体现与发展。 中晚期转型： 分析了五代、宋、西夏时期的壁画特点。例如西夏时期壁画中出现的密宗题材增多，以及色彩上偏重于浓重的土红色和孔雀蓝，展现了地域文化与宗教信仰的深刻交织。 书中特别辟章节，详尽解析了敦煌壁画所使用的矿物颜料的来源与配比，例如石青、石绿的获取，以及壁画中的“晕染法”和“沥粉贴金”等独特工艺，这些技术细节的描述，旨在让读者理解这些壁画能够穿越千年依然鲜亮如初的奥秘。 三、 图像学的宝库：壁画的主题与叙事 莫高窟的壁画并非单纯的装饰，它们是佛教经典的视觉化转译，是古代民众的“图解教科书”。本书按主题分类，系统阐述了主要的壁画内容： 1. 本生故事与因缘故事： 重点分析了佛陀前世修行的故事如何被地方化的叙事手法所表达，例如“尸毗罗王本生”、“九色鹿本生”等，它们蕴含的伦理教诲与社会道德。 2. 佛经变相图： 这是莫高窟壁画中最具戏剧性和故事性的部分，如宏大的《弥勒经变》、《法华经变》。本书将图解复杂的经变场景，剖析其复杂的空间布局和人物关系，如何将抽象的佛教哲理转化为生动的史诗画面。 3. 供养人形象： 这一部分是研究中古时期社会史的重要窗口。通过对不同洞窟中供养人服饰、发型、身份标识的细致辨识，读者可以直观地了解唐、宋、西夏时期贵族、官员乃至普通信徒的社会阶层结构和审美趣味。 4. 世俗生活与文化交融： 壁画中穿插了大量世俗场景，如狩猎、农耕、宴饮、乐舞等。这些画面为我们提供了关于丝绸之路沿线居民生活习俗、乐器形制、纺织技术的珍贵信息，展示了敦煌作为文化十字路口所吸收的异域风情。 四、 艺术的保护与现代的启示 在全书的最后部分，本书关注了敦煌壁画在近代以来所面临的保护挑战，包括风化、盐碱、渗水等自然威胁，以及历史上文物保护的曲折历程。我们探讨了当代敦煌研究院在数字化保护、病害治理方面所做的努力，以及如何利用现代科技手段对这些脆弱的文化遗产进行抢救性保护。 本书旨在通过对莫高窟壁画这一宏大而复杂的艺术体系的梳理与剖析，展现出一种根植于本土、兼容并蓄、不断创新的艺术精神，它与北京宫廷艺术的精谨内敛形成了鲜明的对比，代表了中国艺术史上另一种磅礴的生命力与包容性。

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我对其中几幅元代文人画的关注点，完全集中在了笔墨的“气韵”之上。那些看似随意的几笔勾勒，实则蕴含着深厚的学养和心性修为。比如那几幅写竹图，竹枝的转折，竹叶的欹侧，绝非简单的描摹，而是画家胸中“竹”的具象化表达。你看那几处飞白，用墨的枯涩，力量感十足，仿佛能听到竹枝在风中微微颤动的声音，那种“萧疏”之意，真是妙不可言。而与此形成鲜明对比的是那些描绘隐逸生活的场景，人物形象虽小，神态却极其生动传神，寥寥数笔便勾勒出一种遗世独立的淡泊情怀。这本书的编排很有意思，它没有生硬地将作品并置，而是通过相邻画作的对比，突显了不同流派在精神内核上的异同，这种潜移默化的引导，比冗长的文字解读要有效得多。我花了整整一个下午，只是对着其中一幅梅花图出神，思考着画家是如何将“冷”与“香”如此完美地融为一体的。

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这本书的侧重点，似乎并不在于普及性的介绍，而更像是一本给专业人士或资深爱好者准备的“工具书”或“参考手册”。虽然篇幅巨大，但几乎没有大段的、面向小白读者的白话解释。它的文字部分，简练、精准，用词考究，直接切入艺术史的脉络和技法分析。我特别喜欢它在关键作品旁附上的那种高倍率的局部放大图，有些细节的纹理之清晰，简直像是显微镜下的观察。比如某幅界画中的建筑飞檐，那些斗拱的榫卯结构，其严谨程度令人咋舌，透过这些局部图，我仿佛能逆向推导出古代匠人的建造逻辑。这种深度挖掘的资料，对于想深入了解某一特定朝代或某一位画师独特“笔墨语言”的人来说，价值无可估量。它要求读者带着一定的知识基础去“解码”这些图像，互动性极强。

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这本书在版式设计上流露出的那种低调的奢华感，非常抓人。它没有采用那种时下流行的过度饱和的色彩印刷，而是选择了较为柔和、偏向于原作年代感的色调，使得即便是色彩鲜艳的唐代仕女图，也带上了一层历史的温润光泽，避免了现代印刷品常见的“假”。而且，装订方式也十分考究，平摊时书页几乎可以完全展开而无需用力按压，这对于仔细研究画作局部细节至关重要。特别是那些需要对照多处细节的组图，这种设计简直是福音。我注意到，在某些对角线构图特别突出的作品旁，设计师似乎有意调整了边距，引导读者的视线自然地沿着画面的结构流动，这种“无形”的引导，体现了出版方对艺术欣赏流程的深刻理解。这种对阅读体验的尊重，让阅读过程本身变成了一种享受，而非仅仅获取信息的过程。

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与其他同类画册相比，我感受最深的是它在选取题材时的那种“留白”艺术。它并非简单地罗列“名作大全”，而是似乎经过了精心策划，在不同风格、不同体裁之间进行了巧妙的平衡。既有恢宏大气的殿堂级巨制，也有那些鲜为人知、却极具个人风格的“小品”。这种平衡感，使得翻阅过程充满了探索的乐趣。每一次转折，都可能带出一片完全不同的审美领域——从严谨的界画，到奔放的水墨写意，再到色彩浓郁的青绿山水，仿佛走入了一个流光溢彩的艺术迷宫。这种编排的张力，避免了因题材过于集中而产生的审美疲劳。这本书真正做到了将“收藏”与“研究”融为一体，它不仅仅是放在书架上供人瞻仰的物件，更是随时可以拿起来进行深度研讨的伙伴，其价值随着时间的推移只会愈发显现。

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这部画册的装帧简直是艺术品本身，沉甸甸的手感，配上那种略带粗粝却又不失细腻的纸张，每一次翻阅都像是在进行一场庄重的仪式。我尤其欣赏它在色彩还原上的精益求精，那些古代颜料在历史长河中沉淀出的微妙光泽，在这里得到了近乎完美的复刻。比如那几幅宋代山水，墨色的浓淡干湿，远山的氤氲迷蒙，近树的皴法脉络，都清晰可见，仿佛真能闻到松针与湿土的气息。更不用说那些工笔花鸟，花瓣上的绒毛、昆虫翅膀上的鳞粉，那些肉眼极难捕捉的细节，都被放大、凸显出来，让人不得不惊叹于古人的耐心与技艺。每一页的留白都恰到好处，不拥挤，不空泛，让每一幅作品都能独立呼吸，展现其独特的精神气质。这种对细节的执着，使得即便是对古代绘画不甚了解的初学者，也能从中感受到扑面而来的艺术冲击力。可以说，光是捧着它，就已经是对美的一种极致享受了，远超一般的图册收藏价值。

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