中国戏曲经典·第4卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东教育出版社

作者:周传家|，，， 编

出品人:

页数:532

译者:

出版时间:2005-2

价格:31.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787532826551

丛书系列:

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好的，这是一份针对一本假设的、不包含《中国戏曲经典·第4卷》内容的图书的详细简介。这份简介将聚焦于其他可能的戏曲研究、理论著作、或某一特定剧种的深度剖析。 --- 《梨园溯源：明清传奇与早期地方声腔的嬗变研究》 作者： [此处填写一位假设的资深戏曲史学家姓名，例如：李慕白] 出版社： [此处填写一家严肃的学术出版社名称，例如：燕山大学出版社] 内容提要： 本书并非对通俗化、集大成的“经典剧目选本”的简单汇编，而是一部专注于明清之际戏曲体制、声腔系统形成与流变的深度学术专著。它旨在填补当前戏曲研究中，对剧本文本的审美分析多于对“演出实践”和“声腔技术”本体演变关注的空白。全书以时间为轴，以声腔的地理传播与母题的转换交叉为线索，深入探讨了昆曲的鼎盛对江浙以外的声腔系统所产生的冲击、融合与地方反拨。 卷首语与核心论点： 戏曲的生命力，在于其“唱”与“做”的结合，而“唱”的本体——声腔系统——才是决定一个剧种风格与地域性格的关键。本书的核心论点在于：明代中叶至清代中叶，是中国戏曲从“文人雅部”向“市井大舞台”过渡的关键转型期，这一转变的驱动力，并非单纯的剧本创作能力，而是声腔技术（如板式、曲牌的运用自由度）的松动与新兴地方语汇的强势介入。 章节结构与研究侧重： 全书共分七个主要部分，配有大量手抄本、早期刊本的图版和曲谱的精确转写。 第一部分：前昆时期的声腔格局与南北交汇（约180字） 本部分考察了元末明初杂剧衰微后，以南戏为代表的“温台语汇”如何在江南文人圈内被雅化，以及“弋阳腔”兴起前，以“花部”为名的各种民间歌舞表演（如“诸宫调”的残余影响）的地理分布。重点分析了现存最早的南戏《琵琶记》在早期演出实践中，其声腔结构与后来的昆曲“一腔之美”的结构性差异。研究范围避开了成熟的昆曲，转而关注其“前身”的不规范性。 第二部分：昆曲的“定型”与地方腔调的“抗争”（约250字） 本书着重于对魏良辅“水磨腔”形成后，江南士大夫阶层如何通过严格的“声腔规范”来构建其文化霸权。然而，这种规范在地理上传播时遭遇了阻力。我们详细剖析了徽州“徽调”（或称“青阳腔”）的早期形态，如何吸收了昆曲的某些结构，但坚持了其原本更接近口语叙事和强劲节奏的特点。通过比较徽调与昆曲在“散板”和“过门”处理上的细微差异，揭示了地方腔调在形式上对主流艺术的规训与反抗，而非简单的模仿。 第三部分：弋阳腔的崛起：剧目创作与声腔技术的解放（约300字） 这是本书研究力度最大的部分。弋阳腔（后发展为京剧的前身之一）的广泛流行，标志着戏曲表演开始向更广大的民间市场倾斜。本书深入研究了汤显祖作品（如《牡丹亭》）在被弋阳腔“转调”后的文本异变。我们对比了昆曲本、弋阳腔本（如《汤调》）以及后来的“皮黄腔”的早期谱式。研究发现，弋阳腔的魅力在于其对音乐板式的“强行插入”和“即兴发挥”的包容性，这使得原本在昆曲中被严格限制的民间情绪得以释放。本章包含对现存最早的弋阳腔曲谱的专业性解读，重点分析其在“紧板”和“流水”处理上的大胆创新，这些创新是后世京剧等“花部”声腔的直接源头，与《中国戏曲经典·第4卷》可能收录的成熟昆曲风格形成鲜明对比。 第四部分：地方声腔的“群雄逐鹿”：秦腔与梆子的早期形态（约280字） 将视野投向黄河流域。本章聚焦于明末清初的“乱弹”现象。我们不再将秦腔视为一个孤立的系统，而是将其置于与梆子腔（特别是“晋梆”与“河北梆子”的早期母题”）的互动之中。重点考察了西北地区剧目中对“武戏”元素的强调，以及声腔如何服务于“英雄叙事”而非“闺阁哀怨”。通过对早期秦腔剧目中“紧打慢唱”的板式布局分析，证明其音乐结构天然地倾向于叙事效率，而非昆曲所追求的“委婉含蓄”。研究还将涉及清代宫廷对秦腔的“禁演”与民间传播的复杂关系。 第五部分：声腔的“地域性”与“语汇”的转换（约250字） 这一部分是理论性的总结。作者提出“戏曲声腔语汇库”的概念，认为每个声腔系统都拥有一套固定的“情感标签”和“叙事功能”。例如，昆曲的“柳枝慢”通常与“抒情、怀旧”相关联，而徽调的某些曲牌则固定地与“激烈冲突或市井喧闹”相关。本书通过对不同剧种中同一主题（如“别离”、“思乡”）在不同声腔下的音乐处理方式进行对比分析，论证了声腔语言的独立性与不可替代性，从而解释了为何某些剧本（如孔尚任的《桃花扇》）在转入不同声腔后，其“味道”会发生根本性的改变。 第六部分：剧场制度与声腔的互动（约150字） 探讨清代戏班的组织结构（科班、搭班、散班）如何影响声腔的保守或激进。我们分析了在资源匮乏或观众要求变化时，乐工如何被鼓励去“变通”板式，从而催生新的腔调。这部分关注幕后的音乐家而非台前的剧作家，强调是剧场的经济压力而非纯粹的艺术追求，塑造了后来的声腔体系。 总结与学术价值： 本书摒弃了以“四大名著”或“代表剧目”为核心的选本研究范式，转而从技术史、社会史和地域文化人类学的交叉视角，审视中国戏曲声腔在明清转型期的“活态”演变。它为读者提供了一套分析戏曲“声音档案”的工具，而非仅仅是“文本档案”。对于希望理解京剧、秦腔、梆子等“花部”艺术如何破茧而出的研究者来说，本书提供了必要的、尚未被充分考察的理论基础和早期证据。 --- [全书约1500字]

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与其他纯理论性的戏曲书籍相比，这套《经典》系列在“可读性”上做得非常出色。它没有使用过多的晦涩的专业术语来设置阅读门槛。即便是在讨论复杂的“程式化表演”时，也会用非常生动的比喻来辅助说明，比如将一个亮相比作“凝固的音乐”或者“雕塑的瞬间”。这对于像我这样的业余爱好者来说，简直是福音。我特别喜欢那些关于“幕后故事”的片段，比如某位大师当年如何克服排练中的困难，或者某个经典唱腔是如何在一次偶然的失误中被“发明”出来的。这些充满人情味的故事，让那些高高在上的艺术形象变得亲切起来，也让我们体会到艺术的伟大往往源于那些平凡的坚持与探索。总而言之，这是一套既有深度、又有温度的戏曲读物，让人愿意一遍遍地翻阅，每一次都有新的发现。

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这套《中国戏曲经典》系列丛书，我印象最深的是那本关于昆曲的卷册。翻开它，仿佛能闻到六百年前苏州园林的幽静气息。书中收录的《牡丹亭》的唱词，简直是文字的华服，每一个字都像是被精雕细琢过，念出来自带三分韵味。尤其那几段杜丽娘的梦中场景，细腻得让人心颤，那种对生命、对爱情的执着与渴望，即便隔着几百年的时光，依然能强烈地触动人心。编辑在考证和注释方面做得非常扎实，对于那些生僻的古音和典故，都有详尽的解释，使得一个初入门的戏迷也能轻松领会其中的深层意境。它不仅仅是剧本的简单汇编，更像是一部活化的戏曲文化史，让人在阅读中体会到文辞之美与表演艺术的完美结合。读完后，我立刻去寻找相关的影像资料，想亲眼看看那些舞台上的身段是如何将这些绝美的文字“唱活”的。这套书的装帧设计也十分典雅，古朴的纸张和字体选择，让人拿在手里就有种庄重感，是值得细细品味的艺术品。

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关于京剧的那几卷，真是让人大呼过瘾，特别是对“四大名旦”的介绍部分，简直是教科书级别的梳理。作者没有停留在简单的传记层面，而是深入分析了程砚秋的“烟雾式”唱腔是如何影响了后世对悲剧旦角的诠释，以及梅兰芳先生对舞台美术和服装革新的贡献。我特别喜欢书中对“文武场”配器细节的描述，那种对锣鼓点子和板眼转换的精确捕捉，让不懂音乐的人也能大致了解一场好戏背后的复杂逻辑。阅读过程中，我仿佛置身于一个老茶楼里，耳边响着铿锵的胡琴，眼前是翻飞的水袖。书中对一些经典剧目的段落赏析，角度非常新颖，不再是老生常谈的忠孝节义，而是着重挖掘了人物内心深处的挣扎与矛盾，使得这些经典人物形象更加立体饱满，不再是扁平化的符号。这套书的学术性和普及性找到了一个极佳的平衡点，既能满足专业人士的求证需求，也能让普通爱好者获得极大的阅读乐趣。

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这套书的装帧和排版真是让人眼前一亮，特别是那种将剧照与文字叙述穿插的方式，节奏感非常好。我尤其欣赏它在收录剧目时采取的“精选而非求全”的策略。没有把所有流派的剧目都堆砌进来，而是挑选了最具代表性、艺术成就最高的篇章进行深度剖析。举例来说，对越剧经典选段的解析，文字的细腻程度简直像是在描摹水墨画，特别是对女性角色情感细微波动的捕捉，用词极其讲究，充满了古典的韵味和诗意。作者在评述中还巧妙地引用了当时或后世评论家的观点，形成一种多维度的对话效果，让读者在阅读时，感觉不是在看一个人的结论，而是在参与一场跨越时空的艺术研讨会。这使得解读更具思辨性，也更能激发读者去思考传统艺术在现代语境下的价值何在。

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我对地方戏曲的卷册印象颇为深刻，尤其是对川剧变脸的技艺探讨。书里花了大量的篇幅去描述这种魔术般的舞台绝活，从早期的“三变”到后来的“七十二变”，文字描述得绘声绘色，虽然没有实操演示，但那种紧张感和瞬间的震撼力已经透过文字传递过来了。更难得的是，它还追溯了这些民间艺术形式的起源和流变，展现了它们是如何植根于特定地域的文化土壤中，并吸收了当地的民俗风情。那些粗犷又不失灵巧的唱腔，那些充满生活气息的道白，都让阅读体验充满了地域的色彩。这不仅仅是一部戏曲赏析集，更像是一次深入田野的文化考察报告，让人意识到，戏曲的生命力是多么顽强，它在每一个角落都在呼吸、在演变。对于想要跳出传统京昆框架、探索中国戏曲多元性的读者来说，这部分内容是极具价值的。

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