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出版者:中国画报出版公司

作者:柯桥

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-09-01

价格:8.0

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isbn号码:9787800242038

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翰墨留香：古典诗词赏析与创作入门 一部深入探索中华古典文学宝库的指南，专为古典诗词爱好者、文学初学者以及渴望提升自身文学素养的读者量身打造。 本书旨在系统梳理中国古典诗词的发展脉络、流派特色、审美旨趣，并提供一套行之有效的诗词鉴赏与创作方法。我们相信，古典诗词不仅仅是历史的遗存，更是活在当下的精神滋养与艺术高峰。 第一编：溯源——古典诗词的漫长旅程 本篇将带领读者回到源头，追溯中国古典诗词的起源与演变。 第一章 诗的远古回响：从《诗经》到楚辞 《诗经》的世界： 详尽解读《诗经》的“风、雅、颂”三大组成部分，探讨其朴素、真挚的现实主义精神。着重分析周代社会生活、婚姻爱情、祭祀劳作在诗歌中的投影，并对著名的篇章如《关雎》、《蒹葭》进行深入的文本细读，剖析其叠词运用与复沓结构所产生的韵律美感。 楚辞的浪漫抒情： 重点阐述屈原“香草美人”的比兴手法及其政治抱负的寄托。对比《诗经》的质朴与《楚辞》的瑰丽，分析屈原的创作对后世浪漫主义文学的深远影响。特别是对《离骚》的结构宏大性与意象的象征意义进行细致的梳理。 汉乐府与五言诗的萌芽： 考察乐府民歌的现实批判力量，以及汉代五言古诗如何逐渐定型，为盛唐律诗的成熟奠定形式基础。 第二章 魏晋风骨：个体生命的觉醒 本章聚焦于建安文学到魏晋玄学的交融对诗歌的影响。 建安风骨： 分析曹操、曹丕、曹植“三曹”诗歌中饱含的慷慨悲凉与建功立业的渴望，探讨其在时代动荡中的情感投射。 田园山水诗的开创： 详细介绍“竹林七贤”及陶渊明的贡献。重点研习陶渊明诗歌中“采菊东篱下”的隐逸情怀、对自然的热爱以及其对人格独立性的坚守，如何将日常琐碎提升到哲学的高度。 玄言诗的思辨： 简要分析玄言诗的特点，及其在探索宇宙本源与个体精神自由方面的尝试与局限性。 第三章 盛唐气象：格律的成熟与高峰 这是中国古典诗歌发展的高光时刻，本篇将以大量的篇幅进行剖析。 初唐：格律的规范化： 探讨陈子昂的复古主张，以及“初唐四杰”在近体诗（律诗、绝句）格律制定中的关键作用。 盛唐双璧——李白与杜甫： 李白：浪漫的巅峰： 分析李白诗歌中“谪仙”气质的来源，研究其豪迈奔放的句法、奇特的想象力，以及对乐府旧题的革新。重点赏析其歌行体，体会其不受拘束的艺术精神。 杜甫：诗史的记录者： 深入解读杜甫“沉郁顿挫”的风格，分析其“三吏”、“三别”等作品如何成为安史之乱时期最真实的社会写照。剖析杜甫在炼字、对仗和意境营造上的精妙技巧。 边塞诗派与山水田园的精进： 考察高适、岑参的雄浑壮阔与王维、孟浩然的禅意空灵，对比两者在描绘自然景观时所蕴含的哲学思考。 第四章 中晚唐的转向：精微与内敛 本章探讨诗歌在格律成熟后，如何向更细腻、更注重个人情思的方向发展。 白居易的新乐府运动： 阐述白居易“上有所欲闻，下有所欲道”的文学主张，分析其语言的平易近人口号化倾向及其社会影响力。 韩孟的奇险： 聚焦韩愈和孟郊在古体诗上的革新，研究他们如何以怪诞、奇崛的意象和句法打破传统和谐，开创了“以文为诗”的新风尚。 晚唐的感伤情调： 重点分析李商隐与杜牧，李商隐诗中典故的繁复运用、爱情的朦胧美与身世的迷惘；杜牧的清俊与对历史兴亡的感慨。 第五章 宋词的崛起与转型：音乐性与抒情性 本篇将从诗入词，探讨宋代文学的主流形式——词。 词体的形成与早期发展： 辨析“诗”与“词”在音律、句式、题材上的区别。介绍柳永及其对都市生活和市民情感的描摹。 豪放与婉约的争鸣： 苏轼的拓境： 详述苏轼如何将诗歌的意境、哲学思辨引入词中，开创豪放一派，打破了词“艳科”的局限。 李清照的精巧： 赏析李清照在婉约词中展现的对女性细腻心绪的捕捉能力，以及其语言的自然流畅与后期沉郁的转变。 辛弃疾的爱国情怀： 分析辛弃疾如何以其非凡的想象力与充沛的激情，将词推向又一个高峰，但同时也面临着“无意于工而自工”的艺术挑战。 第二编：赏鉴——如何读懂诗词的深层意蕴 本篇聚焦于具体的鉴赏方法，帮助读者跨越时空的鸿沟，真正与古人对话。 第六章 意象与象征：诗眼中的世界 常见意象的文化编码： 系统梳理“月亮”、“酒”、“柳”、“鸿雁”、“芳草”等核心意象在不同朝代、不同语境下的象征意义。例如，月亮在唐诗中常指思乡，在宋词中可能兼具哲理意味。 比、兴、赋的运用： 区分并实例分析比喻（比）、起兴（兴）、铺陈（赋）这三种核心修辞手法，尤其是“比兴”在诗歌中营造含蓄之美的重要性。 情景交融的奥秘： 探讨如何通过对自然景物的描摹来暗示或烘托人物情感，分析“一切景语皆情语”的实现路径。 第七章 词的音乐性与格律之美 词牌的限制与自由： 解释词牌、过片、换头、句读等基本术语，说明词体音乐性对情感表达的约束与反作用力。 韵脚与平仄的节奏感： 浅析近体诗和平仄格律对诗歌节奏的决定性影响，以及如何通过韵脚的变化来强化情感的高潮或转折。 第八章 典故与用典的辨识与品味 典故的生命力： 介绍中国古典诗词中频繁使用的历史事件、神话传说与前人诗句的引用。 如何避免“不知典故而失其味”： 提供辨识常用典故（如“子衿”、“东山”、“邯郸”等）的入门方法，以及理解用典如何增强诗句的厚度和张力。 第三编：创作——学习古人，以笔赋情 本篇着重于将鉴赏的理论转化为实践，引导读者尝试创作。 第九章 诗歌创作的基础训练 题材的选择与立意： 如何从日常生活中提炼出具有普适性的情感主题，避免空泛的抒情。 炼字与对仗的实践： 通过拆解名篇佳句，指导读者如何替换动词、形容词，以及掌握不同类型对仗（工对、宽对）的技巧。 格律初步尝试： 简要介绍五言绝句、七言绝句的基本平仄格式，引导初学者在不拘泥于死板格律的前提下，体会近体诗的音韵美。 第十章 词曲的入门尝试 选定词牌与入谱： 介绍几种格律相对宽松、易于上口的常用词牌（如《浣溪沙》、《忆秦娥》），讲解如何根据词牌的字数和句式要求进行填词。 韵律的适应： 强调词的创作需服从特定旋律的需要，指导读者在创作时要注意词句的连贯性与音乐的和谐。 结语：古典诗词与现代心灵的共振 本书最后将回归到古典诗词对现代人精神世界的价值，探讨如何让古人的智慧与情怀，成为我们应对现代生活喧嚣的内心支撑与不朽慰藉。阅读本书，不仅是学习一门旧的文学形式，更是重塑一种高贵的审美情趣和深邃的文化视野。

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说实话，我当初买这本《简笔刊头·图案集》主要是冲着它的“刊头”这个定位去的。我是一个业余的自媒体运营者，经常需要给自己的推文、周报、小册子设计一些配图，但专业设计软件对我来说太复杂，请设计师又不划算，所以一直希望能找到一种快速、美观的插图解决方案。这本书简直是为我量身定做的。它收录的图案类型非常丰富，涵盖了生活场景、季节元素、情绪表达、甚至是抽象的装饰边框，应有尽有。最让我惊喜的是，它对不同风格的把握非常精准。有的图案偏向日系小清新，线条纤细柔和；有的则偏向欧美简约风，造型大胆、对比强烈。这让我可以根据不同主题的文章调性，迅速找到匹配的视觉语言。我特别喜欢它对“组合”的讲解部分。它展示了如何将三四个看似不相关的简单元素——比如一个云朵、一棵小树、一个气泡——通过巧妙的布局，瞬间变成一个富有故事感的场景。这种“化零为整”的能力，对于快速制作信息图或Banner图来说，简直是效率神器。我用书里教的方法，给上周的一篇总结推文配了封面图，收到的反馈比以往任何一次都要好，大家都在夸设计有活力。这本书的实用性，是放在“速成”与“美感”之间找到了一个完美的平衡点。

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这本书带给我的最大感触，是它打破了我对“艺术创作需要天赋”的迷信。我一直认为，除非从小受过专业训练，否则画什么都像“拙劣的模仿”。《简笔刊头·图案集》彻底颠覆了我的这种想法。它强调的是“符号化”和“效率化”，这与我们日常工作或生活中对视觉信息的需求是高度吻合的。它的风格非常现代，几乎没有那种陈旧的、老派的插画痕迹，非常适合当下流行的扁平化设计趋势。我注意到，书中的用色建议也非常精妙，大多是低饱和度的莫兰迪色系，或者是一些高对比度的撞色组合，但即便是撞色，也处理得非常克制，不会让人感到视觉疲劳。更让我印象深刻的是，它对“动态感”的捕捉。比如，画一个跑步的人或者一只飞翔的鸟，它不是僵硬地画出动作的定格瞬间，而是通过夸张的肢体延伸和线条的拖尾感，营造出一种瞬间的爆发力。这让那些静态的图案仿佛都“活”了起来。这本书让我意识到，简笔画的精髓在于“抓神”，而不是“写实”。它提供的工具和思路，让我这个艺术门外汉，也能快速生成具有设计感的作品，极大地提升了我对日常工作文档的美化信心。

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我对这本书的评价，可能要从一个“强迫症患者”的角度来切入了。我这个人对细节的要求比较高，看很多教程时，总觉得作者的线条哪里不对劲，间距不一致，或者比例有点跑偏。但《简笔刊头·图案集》在这方面做得非常严谨。它不仅仅是提供成品图，而是详细拆解了每一个图案的构建过程。比如画一个信封图案，它会清晰地告诉你，底部的三角形需要占据整体高度的多少比例，顶部的折角应该与中轴线保持多少度的夹角。这种对“黄金比例”和“视觉平衡”的暗中强调，使得最终的成品看起来非常舒服，和谐统一，没有任何突兀感。书里有一个专门的章节介绍“重复与变化”，通过简单的平移、旋转、镜像，展示了如何用同一套母题衍生出十几种不同的应用效果。这对于需要做系列感设计的我来说，简直是宝典。很多时候，我们画不出高级感，就是因为缺少了这种对基础几何关系的理解。这本书没有用复杂的专业术语来吓唬人，而是通过直观的、可操作的示范，将这些设计原则“内化”到读者的绘制习惯中。我感觉我不再是单纯在画画了，而是在进行一种有规律、可预测的图形构建工程。

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从阅读体验上来说，《简笔刊头·图案集》是近年来我读过最“不费脑子”但收获最大的工具书之一。它的排版布局清晰到极致，没有一页是浪费的。很多教学书籍的弊病在于信息密度过大，或者示例图和步骤图混杂在一起，让人眼花缭乱。但这本不同，它采用了大量留白的处理方式，每一组教学内容都像是一个独立的微型展览。而且，它的“教学闭环”做得非常好。看完一组图案的画法后，它紧接着会提供一个“应用拓展”的版块，展示如何将这个图案用于边框、背景纹理或者作为图标使用。这种“学完就能用”的即时反馈机制，极大地增强了我的学习动力。我发现自己不再是抱着“学完这个图案再说”的心态，而是自然而然地想去尝试书里提供的所有变化。这本书的作者似乎非常了解学习者的痛点，他们没有把重点放在教授复杂的透视或光影技巧上，而是专注于如何用最少的笔触，传达最清晰的意图。这对于我们这些时间宝贵、追求高效率产出的成年学习者来说，是最大的尊重。它不是一本需要你花费数周时间去啃读的巨著，而是你可以随时翻开，找到灵感，并立刻投入实践的“灵感速查手册”。

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拿到这本《简笔刊头·图案集》时，我内心其实是抱着一种“试试看”的心态的。市面上关于简笔画的书籍实在是太多了，大多只是罗列一些基础的形状组合，实用性不强，看完后还是得自己摸索。然而，这本书给我的第一印象是相当惊艳的。首先是它的装帧设计，不是那种常见的亮面纸张，而是带着一点点磨砂质感的纸张，拿在手里非常舒服，这为后续的阅读体验定下了基调。内页的排版也极为用心，色彩搭配既活泼又不失高级感，完全不像很多入门教程那样花里胡哨。我尤其欣赏它在内容组织上的逻辑性。它不是简单地堆砌图案，而是非常系统地从“点、线、面”的基础元素开始，引导读者理解如何构建一个完整的视觉单位。比如说，它讲解如何用最简单的几何图形去抽象化复杂的现实事物，这种思维训练远比单纯的描摹重要得多。我尝试着跟着书中的步骤画了几组花卉图案，即便是像我这种自认为“手残党”的，也能轻松上手，并且很快掌握了那种轻松、流畅的线条感。这本书的真正价值在于，它教会你如何“看”世界，而不是教你如何“复制”图案。每组图案下面都有一些非常精炼的文字提示，比如“注意留白”“尝试不同的粗细变化”等等，这些都是非常实用的“画龙点睛”之笔。它不仅仅是一本绘画指南，更像是一本关于视觉表达效率的入门教材。

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