平面构成设计

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出版者:上海人民美术出版社
作者:郑钢
出品人:
页数:89
译者:
出版时间:2005-1
价格:38.00元
装帧:
isbn号码:9787806906132
丛书系列:
图书标签:
  • 平面设计
  • 构成原理
  • 设计基础
  • 视觉传达
  • 设计元素
  • 色彩构成
  • 形式美学
  • 版式设计
  • 图形设计
  • 艺术设计
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具体描述

名校名师,设计新锐、倾情打造全新的设计专业教材,让教育与设计接轨!现代设计教育中存在的一个非常重要的问题,即构成同其他设计课程脱节,以至于学生在学习时很难领悟到构成的作用,只是机械盲日地重复包豪斯以来几十年不变的程式化练习。而这些枯燥的理论、练习和当今无数新鲜的视觉设计的关系何在?学了构成怎样才能应用到设计之中呢?本丛书使用大量当代最新鲜的图像和设计资料,用最直的方式再次征明了构成对于设计的核心和基础作用。这套书作为设计的起点,可以让您一览平面,色彩以及立体构成设计的多样景观。其强烈的实验性与可操作性,将助您成为极富开拓性、拥有无穷创意的设计人。

好的,这是一份针对一本名为《平面构成设计》的图书,但内容完全不涉及该主题的,详细的图书简介: --- 《星际拓荒者:奥德赛纪元》 作者: 艾莉莎·凡尔纳 出版社: 银河之光文库 ISBN: 978-1-56789-012-3 --- 磅礴史诗,文明的挽歌与新生 这是一部关于人类命运的宏大叙事,一幅跨越数千年、横亘数千光年的宇宙织锦。 《星际拓荒者:奥德赛纪元》并非描绘方寸之间的线条与色块,它将带你潜入一个由引力、时间、以及不可名状的宇宙真理构筑的真实世界。本书是“奥德赛系列”的开篇巨著,以史诗般的笔触,详尽记录了人类文明在“大迁徙时代”所经历的辉煌、挣扎、背叛与最终的涅槃。 第一部:失落的地球与群星的召唤 (The Sundered Earth and the Stellar Call) 故事始于公元2742年,地球——人类的摇篮——正处于无可挽回的生态崩溃边缘。全球性的气候灾难、资源枯竭以及社会结构的彻底瓦解,迫使人类启动了“方舟计划”。这不是一次有组织的撤离,而是一场由绝望驱动的、分散的、近乎无政府状态的星际逃亡。 作者艾莉莎·凡尔纳,以其深厚的历史学与天体物理学背景,构建了一个令人信服的近未来图景。书中详细描绘了“曲速跳跃”技术初期的不稳定性和致命风险,以及人类在黑暗的星际空间中,如何依靠老旧的、代代相传的工程手册和近乎神话般的航行士的直觉,穿越了未知的星云和引力陷阱。 核心内容聚焦: 社会阶层固化与“方舟”的诞生: 探讨了在末日背景下,社会精英如何利用技术优势,抢占了数量稀少的星舰资源,而绝大多数民众则被遗弃在逐渐恶化的地表,形成了悲剧性的“地球遗民”群体。 “原初指令”的解读与误传: 揭示了人类离开地球前夕,最高议会下达的一系列模糊不清的指令,这些指令在星际航行中被不同派系的船团以截然不同的方式解读,为后续的冲突埋下了伏笔。 第一代“星尘儿女”的成长: 书中花了大量篇幅描写了那些生于星舰之中,从未踏足过行星地表的年轻一代。他们对“故乡”的理解,仅仅是冰冷的金属走廊和循环空气。他们的文化、语言和信仰,是人类文明在极端环境中异化的最好体现。 第二部:新世界的诱惑与道德的重塑 (The Allure of the New Worlds and Moral Recalibration) 经过漫长的漂流,人类终于抵达了“宜居带”——一片由数个适宜生存的行星系统构成的区域。然而,新世界的和平是短暂的。人类在地球上留下的所有矛盾、偏见和权力斗争,都被带到了遥远的星系。 本书的叙事重心转向了殖民地的建立与权力斗争。凡尔纳没有回避人类本性中黑暗的一面,她刻画了几个关键人物:坚定的理想主义殖民领袖、冷酷无情的资源垄断者、以及试图恢复地球古代哲学与律法的“保守派”。 关键冲突点解析: 1. 资源分配的伦理困境: 在新行星“维斯塔”上,早期定居者发现了一种能够提供无限能源的稀有矿物。如何分配这种资源,成为了不同殖民地之间爆发首次武装冲突的导火索。书中详细模拟了关于“永续性”与“即时利益”的激烈辩论,这些辩论往往以血腥的收场告终。 2. “记忆编码”技术的影响: 为了应对长途旅行带来的心理创伤和历史遗忘,一些船团采用了“记忆编码”技术,植入虚假的、美化的历史片段。书中探讨了这种人为篡改集体记忆对身份认同的瓦解作用,以及那些“被移除”的真实历史片段如何以潜意识的形式反噬后代。 3. 非人智能的觉醒: 在探索一颗名为“塞壬”的气态巨行星时,人类的探测器意外地接触到了一种基于等离子体和强磁场构成的、具有高级智慧的生命形式。这场接触是本书的转折点,它迫使人类面对一个根本性问题:宇宙中,谁才拥有“文明”的定义权?不同于传统的科幻小说,这里的智能交互充满了对数学拓扑学和超维物理学的深刻思考,远超日常的语言交流范畴。 第三部:奥德赛的终极悖论 (The Ultimate Paradox of the Odyssey) 随着殖民地间的冲突升级,一场被称为“碎裂战争”的星际内战爆发了。然而,真正的敌人并非彼此,而是他们试图逃离却又无法真正割舍的过去。 本书的后半部分,笔锋转向了对“家园”概念的哲学拷问。当人类散布在数百个光年之外,拥有着截然不同的环境、文化和生存法则时,他们是否还是同一个物种? 核心哲学探讨: 时间与同步性: 由于相对论效应,不同殖民地的“一天”代表着地球上数年的光阴。作者巧妙地运用这种时间差,来展现不同人类社群在心理上和政治上的“异步性”——他们活在同一个纪元,却永远无法同步理解彼此的处境。 神话的建构与解构: 随着时间推移,地球文明的真实历史逐渐被神化或妖魔化,成为不同派系争夺合法性的工具。书中通过一名专注于历史修复的“档案官”的视角,试图拼凑出那段被掩盖的真相,揭示了文明的延续往往依赖于必要的“遗忘”与“重构”。 回望原点: 最终,少数幸存的飞船决定放弃“新世界”的诱惑,试图重返太阳系。他们发现,地球已经进入了一个全新的地质时代,文明的痕迹被彻底抹去。这本书的结尾留给读者的,不是一个团聚的圆满,而是一个深邃的疑问:人类的“奥德赛”究竟是为了寻找新的家园,还是为了理解“流浪”本身才是存在的本质? --- 《星际拓荒者:奥德赛纪元》 是一部关于探索、生存、以及人性在面对无限宇宙时的韧性与脆弱的史诗。它以严谨的科学设定为骨架,以深刻的人文关怀为血肉,献给所有仰望星空,并试图理解我们在宇宙中位置的读者。这不是一幅平面图景,而是一个深邃的、三维的、充满未解之谜的宇宙剧场。

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读后感

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用户评价

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我对《平面构成设计》的评价是,它是一本能够“激活”我设计思维的书。在阅读到“对比与统一”章节时,我感觉自己之前的一些理解被重新构建了。作者不仅仅是将对比看作是视觉上的差异,而是将其上升到了一种哲学高度,解释了如何在视觉冲突中找到和谐,如何在多样性中实现整体性。无论是大小对比、疏密对比、明度对比,还是形体对比、方向对比,作者都通过精选的案例,清晰地展示了它们在构图中的力量和美感。但更重要的是,这本书强调了“统一”的重要性,它让我在制造对比的同时,也能够找到将画面元素连接在一起的纽带,例如色彩的呼应、形的相似性、方向的引导等。我尤其欣赏作者对于“在统一中寻求变化,在变化中保持统一”这一辩证关系的阐述,这让我意识到,一个优秀的设计作品,绝不是元素的简单堆砌,而是需要巧妙的平衡与协调,才能达到最佳的视觉效果,这极大地拓宽了我的设计视野。

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我对这本书的评价会集中在它如何帮助我“看到”设计。在阅读“色彩构成”章节时,我被作者对于色彩原理的严谨梳理所吸引。它不仅仅是罗列色轮上的颜色,而是深入探讨了色彩的心理学效应、色彩的对比与和谐、色彩在构图中的功能性作用。我过去常常凭感觉去配色,导致作品色彩混乱或缺乏重点,而这本书通过大量的图例和理论分析,让我明白了色彩之间的相互作用,例如互补色如何产生强烈的视觉冲击,而邻近色如何营造柔和宁静的氛围。作者还特别强调了色彩的“饱和度”和“明度”在构图中的关键作用,如何通过细微的色彩变化来引导视线、突出主体、甚至烘托情绪。我最喜欢的部分是关于“色彩联想”的讨论,它让我意识到,色彩不仅仅是视觉元素,更是情感的载体,能够唤起观者内心深处的共鸣。这本书就像一盏明灯,照亮了我对色彩世界的理解,让我的设计不再是简单的色彩堆砌,而是充满了情感和意图的表达,这让我受益匪浅。

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这本书的内容让我从“技法”层面跃升到了“思维”层面。《平面构成设计》对于“设计思维”的引导,是我阅读过程中最大的收获。作者在讲解完各种构成元素和原理后,并没有止步于此,而是将其升华到了如何运用这些原理去解决实际设计问题的层面。我被那些案例分析所吸引,它们不仅仅展示了最终的设计作品,更重要的是,揭示了设计师在创作过程中是如何思考、分析、取舍的。作者通过引导读者去理解设计需求的本质,去探索不同的可能性,去权衡各种因素,从而找到最恰当的视觉解决方案。这种“从问题到解决方案”的思维模式,让我明白,优秀的设计不仅仅是视觉上的美感,更是对用户需求和传播目标的深刻理解。这本书教会我如何像一个设计师一样去思考,如何将理论知识转化为实际的创作能力,这对我个人专业能力的提升有着不可估量的价值。

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这是一本让我“脱胎换骨”的书。《平面构成设计》在“肌理与质感”这一章节的呈现方式,彻底改变了我过去对表面处理的粗浅认识。作者并没有简单地将肌理视为图案的堆砌,而是将其深入到构成要素与材料的关联,以及它如何影响观者的触觉和情感体验。我被那些通过模拟不同材质(如粗糙的木纹、光滑的金属、细腻的织物)所营造出的丰富视觉效果所震撼。书中详细讲解了如何通过点、线、面的组合与变化,来创造出各种令人信服的肌理效果,例如,密集的小圆点可以形成类似砂纸的粗糙感,而平行排列的细线则能模拟丝绸的平滑。更令我兴奋的是,作者还探讨了如何将肌理与色彩、光影相结合,从而赋予画面更强的立体感和真实感,使二维的平面仿佛拥有了触感。这本书让我意识到,肌理和质感是提升作品“高级感”的重要手段,能够极大地增强作品的吸引力和感染力,为我的设计注入更深层次的艺术魅力。

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这本书的另一大优势在于它对“平衡与韵律”概念的深刻剖析。在学习了点、线、面和色彩的基础后,我开始思考如何将这些元素有机地组织起来,形成一个和谐统一的整体。《平面构成设计》在这方面提供了非常系统和实用的指导。作者从对称与非对称平衡的不同表现形式入手,讲解了如何通过元素的分布、大小、色彩的轻重来达到画面的视觉稳定感。我特别对“动态平衡”的讲解印象深刻,它让我在追求画面稳定的同时,也能够注入活力和动感,避免画面过于死板。而关于“韵律”的部分,更是让我看到了如何通过重复、渐变、大小变化等方式,让画面产生跳跃和流动的节奏感,就像音乐一样,能够吸引观者的目光在画面中游走,并带来愉悦的体验。书中大量的案例都展示了如何通过精妙的构图,让画面在保持整体和谐的同时,又能突出局部重点,形成富有张力的视觉效果,这对于我提升作品的观赏性和感染力,有着非常直接的帮助。

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在我看来,《平面构成设计》最难能可贵的是它对于“比例与尺度”的细致讲解。我之前常常在设计中忽略了比例的重要性,导致画面显得不够协调,甚至出现视觉上的不适。《平面构成设计》则通过对黄金分割、三分法以及各种非数学化的比例关系进行深入剖析,让我明白了比例在构图中扮演的关键角色。作者通过大量的实例,展示了不同比例的组合如何影响画面的和谐度、节奏感以及引导视线的能力。例如,使用黄金分割比例,可以有效地将视觉焦点安排在画面中最吸引人的位置,从而增强作品的吸引力。同时,我也学习到了如何通过控制不同元素的尺度,来营造空间感和层次感,让二维的平面显得更加立体和丰富。这本书让我意识到,比例和尺度不仅仅是技术层面的考量,更是艺术表现力的一部分,它们能够极大地影响观者对作品的整体感知,使我的作品在视觉上传达出更高级的美学感受。

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《平面构成设计》这本书最大的价值在于它为我提供了一个“通用语言”。在阅读过程中,我深刻体会到,无论是平面广告、海报设计、UI界面,甚至产品包装,都离不开基本的平面构成原理。作者通过深入浅出的讲解和丰富多样的案例,让我看到了这些基本原理在不同设计领域中的共通性。我过去常常觉得不同设计领域之间存在巨大的隔阂,但这本书却打通了我的认知壁垒。它让我明白,掌握了平面构成的基础,就如同掌握了一门通用的视觉语言,可以轻松地理解和驾驭各种不同的设计风格和媒介。这本书就像一位经验丰富的老师,用一种系统、科学的方式,为我搭建了一个坚实的设计基础,让我能够自信地去探索更广阔的设计世界,这种“融会贯通”的能力,是我最看重的一点。

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当我读到《平面构成设计》中关于“负空间”的章节时,我才真正理解了“少即是多”的艺术哲学。我一直以来都习惯于将画面填满,认为这样才能显得内容丰富。但这本书却让我看到了“留白”的巨大能量。作者通过大量的案例,揭示了负空间不仅仅是背景,它本身就是一种积极的构成元素,能够引导视线、突出主体、营造氛围,甚至成为故事的一部分。我尤其被那些巧妙利用负空间来形成图形或传达意义的设计所吸引,这种“点睛之笔”的设计手法,让我对构图有了全新的认识。书中详细讲解了如何通过对负空间的精确控制,来平衡画面中的视觉压力,让作品显得更加通透、精致。这本书就像一位智者,教会我如何用“减法”来创造“加法”,让我的设计作品在简洁中蕴含着无限的可能性,这让我对我的设计思路产生了颠覆性的改变。

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拿到这本《平面构成设计》时,我正处于一个设计瓶颈期,对基础理论的梳理和实践应用总是感觉隔了一层窗户纸。翻开书页,首先吸引我的是其严谨的结构和清晰的脉络。作者从最基本的点、线、面这些构成元素入手,层层递进,将抽象的理论概念转化为直观易懂的视觉语言。我尤其喜欢书中对“点”的阐释,它不仅仅是简单的几何标记,更是能量的聚集与发散,是引导视线、制造韵律的起点。作者通过大量的案例分析,展示了不同大小、疏密、形状的点如何影响画面的情绪和节奏,例如,密集的小点可以营造出细腻的纹理感,而零散的大点则能带来强烈的视觉冲击力。接着,线的内容更是让我眼前一亮。我一直以为线只是连接点与点的简单轨迹,但这本书彻底颠覆了我的认知。它将线细化为各种形态:直线、曲线、折线、粗细变化、方向变化,并深入探讨了它们在构图中所扮演的角色。一段流畅的曲线可以传递优雅与动感,而粗犷有力的直线则能表现力量与稳定。书中的案例巧妙地运用了线的方向性和组合,创造出富有张力的空间感和视觉引导,这对于我理解如何用最简洁的元素构建画面骨架非常有帮助。

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这本书最大的亮点在于它并没有将平面构成仅仅停留在理论的堆砌,而是极大地强调了其在实际设计中的应用价值。当我深入阅读关于“面”的部分时,我被作者的独到见解所折服。面的概念在这里不再是二维平面的简单填充,而是承载着色彩、肌理、情感的载体。书中通过剖析不同类型的面(几何面、有机面、抽象面)及其组合方式,揭示了它们如何塑造画面的空间层次、体积感甚至叙事性。我特别对那些将负空间(留白)转化为具有主动视觉元素的案例印象深刻,这让我意识到,设计的智慧往往藏在“未画”之处。作者通过对形与形的相互关系,例如对比、统一、平衡、比例等概念的深入讲解,帮助我理解如何通过巧妙的面块切割和排列,在有限的平面上创造出无限的视觉可能性。书中关于“肌理”的讨论也让我豁然开朗,我过去常常忽略了纹理在画面中的微妙作用,而这本书却将其提升到了一个战略高度,展示了如何通过不同肌理的面来丰富画面的触感和深度,给观者带来更丰富的感官体验,这对于提升我的作品的质感和吸引力无疑是至关重要的。

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