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出版者:中央民族大学出版社

作者:刘存惠

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:35.0

装帧:

isbn号码:9787810565240

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• 花鸟画
• 绘画
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花鸟画教材 《花鸟画教材》是一本旨在为初学者和进阶者系统性地讲解中国传统花鸟画创作技法、审美意趣与文化内涵的教学书籍。本书并非单纯的技法罗列，而是将理论与实践紧密结合，引导读者深入理解花鸟画的精神内核，并掌握行之有效的表现手段。 一、 导论：走进中国花鸟画的世界 在内容伊始，本书将首先为读者勾勒出中国花鸟画的宏大图景。我们将回顾花鸟画的发展脉络，从其萌芽时期的雏形，到各个朝代的辉煌成就，如唐代的富丽堂皇，宋代的工笔精细，元代的写意奔放，明清的文人情趣，乃至近现代的创新发展，让读者对花鸟画的历史演变有一个初步的认识。同时，本书也将阐述花鸟画在中华文化中的独特地位，它不仅仅是绘画，更是文人寄情、表达志趣、感悟自然的一种方式。通过介绍花鸟画的核心理念，如“写意”精神、“气韵生动”、“以形写神”等，为后续的学习奠定坚实的理论基础。我们会深入探讨花鸟画的题材选择，以及不同题材所蕴含的象征意义，例如梅兰竹菊所代表的君子品格，牡丹象征的富贵吉祥，松鹤寓意的长寿安康等，帮助读者理解创作的立意与情感的表达。 二、 基础技法：笔墨的韵律与造型的训练 本书的第二部分将聚焦于花鸟画最根本的绘画要素：笔墨。我们将从最基础的用笔、用墨开始，循序渐进地引导读者掌握各种笔法。 用笔篇： 笔的形态与运用： 详细解析不同毛笔的特性（如羊毫、狼毫、兼毫等），以及如何根据描绘对象选择合适的毛笔。深入讲解“提、按、顿、挫、转、折”等基本笔法，以及如何通过运笔的快慢、轻重、疾徐来表现物体的筋骨、质感和动势。 线条的训练： 强调线条在花鸟画中的核心作用。我们将提供一系列的线条练习，包括直线的刚劲、曲线的柔美、折线的硬朗、颤线的枯涩等。引导读者练习勾勒、皴擦、点染等基本功，要求线条不仅要描绘出物体的轮廓，更要传达出生命力与内在精神。例如，描绘枝干的苍劲，需要运用有力的顿挫与皴擦；描绘花瓣的柔嫩，则需要轻盈流畅的勾勒。 笔墨的组合与变化： 讲解如何将不同的笔法巧妙组合，形成丰富的笔墨效果。例如，“积墨法”、“破墨法”、“涨墨法”、“宿墨法”等技法的运用，以及如何通过墨色的浓淡干湿变化来表现物体的立体感、空间感和体积感。 用墨篇： 墨色的层次与运用： 深入讲解“浓、淡、干、湿、焦”五墨法的理论与实践。如何调墨，如何控制墨色在宣纸上的晕染效果，如何通过墨色的变化来表现物体的光影、质感与立体感。 墨的提炼与转化： 探讨如何通过不同的用墨方式，将单一的墨色转化为富有层次和表现力的色彩。例如，如何用淡墨勾勒出朦胧的远景，如何用浓墨表现主体物的坚实与厚重。 墨韵的营造： 强调墨韵在中国画中的重要性。如何通过笔墨的巧妙运用，使得画面产生“墨分五色”的效果，达到“笔不到而意已到”的境界。 造型训练： 写生的重要性： 强调写生是花鸟画创作的基石。本书将指导读者如何进行有效的写生，包括观察角度、比例关系、结构分析等。 花卉的结构与形态： 分类讲解不同花卉（如梅、兰、竹、菊、荷花、牡丹、桃花、月季等）的生长规律、基本结构、花瓣、叶片、枝干的形态特点，以及不同季节、不同姿态下的表现方法。例如，描绘盛开的牡丹，需要注意其层层叠叠的花瓣结构和雍容华贵的姿态；描绘含苞待放的桃花，则要捕捉其含蓄而充满生机的姿态。 禽鸟的结构与神态： 详细讲解不同禽鸟（如鹰、燕、雀、鹭、鸳鸯、凤凰等）的骨骼结构、羽毛的生长分布、以及捕捉其动态神态的关键。例如，描绘展翅翱翔的雄鹰，需要准确把握其翅膀的结构与空气动力学原理；描绘休憩的麻雀，则要捕捉其机警灵动的神态。 鱼虫的动态与表现： 讲解如何表现鱼的游动姿态、鳞片的质感，以及昆虫的细微结构和生命的活力。 三、 经典花卉的创作技法 在掌握了基础的笔墨与造型能力后，本书将进入对具体花卉的深入讲解。我们将选取最具代表性的花卉，进行详细的技法剖析。 梅： 讲解梅花的“瘦硬”、“清高”、“傲骨”的精神，以及如何用苍劲的枝干、含苞待放的花蕾、疏朗的花瓣来表现其品格。 兰： 讲解兰花的“空谷幽兰”、“君子之风”，以及如何用流畅飘逸的线条、富有韵味的墨色来表现其高雅脱俗的气质。 竹： 讲解竹子的“虚心”、“有节”、“挺拔”，以及如何通过笔墨的变化表现竹叶的疏密、竹竿的挺拔与节的力度。 菊： 讲解菊花的“凌霜”、“秋韵”，以及如何通过不同的笔法来表现其花瓣的层次、色彩的丰富以及饱满的形态。 荷花： 讲解荷花的“出淤泥而不染”、“高洁”，以及如何表现其肥硕的荷叶、亭亭玉立的花朵以及摇曳的莲蓬。 牡丹： 讲解牡丹的“国色天香”、“雍容华贵”，以及如何通过层层叠叠的笔触、丰富的色彩来表现其繁复而又富丽堂皇的姿态。 其他花卉： 还会涉及桃花、月季、水仙、迎春花等多种常见花卉的创作技法，以及如何根据花卉的生长习性来表现其独有的韵味。 四、 经典禽鸟的创作技法 与花卉篇类似，本书将选取最具代表性的禽鸟，进行详细的技法剖析。 鹰： 讲解如何捕捉鹰的威猛、锐利，如何表现其锐利的眼神、有力的爪以及展翅的动感。 鹭鸶： 讲解如何表现鹭鸶的优雅、修长，如何描绘其轻盈的脚步、舒展的姿态以及在水边的意境。 雀鸟： 讲解如何表现麻雀、燕子等小鸟的机敏、活泼，如何捕捉其扑食、飞翔、休憩等瞬间的神态。 鸳鸯： 讲解如何表现鸳鸯的和谐、恩爱，如何描绘其羽毛的光泽、嬉戏的场景以及水中的涟漪。 鸡： 讲解如何表现公鸡的雄壮、母鸡的温婉，如何通过笔墨表现其羽毛的层次感和蓬勃的生命力。 其他禽鸟： 还会涉及梅花鹿、锦鸡、鹦鹉等多种常见禽鸟的创作技法，以及如何根据禽鸟的习性来表现其独特的风姿。 五、 构图与意境：画面的经营之道 仅仅掌握了物体的描绘技巧是远远不够的，如何将这些元素有机地组合起来，形成一幅具有生命力和感染力的作品，是花鸟画创作的关键。 构图原则： 讲解中国画的构图原则，如“虚实相生”、“疏密有致”、“黑白平衡”、“借景抒情”等。引导读者学习如何安排画面中的主体、陪体，如何利用留白来增强画面的呼吸感和意境。 景别与视角： 探讨近景、中景、远景的运用，以及不同视角（如俯视、平视、仰视）对画面效果的影响。 意境的营造： 强调意境在中国花鸟画中的核心地位。如何通过笔墨的渲染、色彩的搭配、题材的选择，来传达出作者的情感、思想与人生感悟。例如，一幅描绘寒梅的画作，不仅仅是画出了梅花的形态，更要传递出作者在严寒中不屈不挠的坚韧品格。 画面的节奏与韵律： 讲解如何通过线条的粗细、墨色的浓淡、物体的疏密，来组织画面的节奏与韵律，使得画面既有变化又统一和谐。 六、 设色与墨韵：色彩的运用与墨的升华 色彩是中国画的重要表现手段之一，但其运用并非随意为之，而是有其独特的规律与审美。 色彩的调配与运用： 讲解中国画常用颜料的种类与特性，以及如何根据描绘对象和所要表达的意境来调配色彩。介绍“烘染法”、“点染法”、“罩染法”等设色技法。 色与墨的关系： 探讨“墨分五色”的理论，以及色彩与墨色的相互关系。如何在用墨的基础上，恰当地运用色彩，以增强画面的表现力与感染力。例如，淡墨勾勒的荷叶，用淡绿或青色进行烘染，能体现其清新脱俗；浓墨表现的牡丹，可以用洋红、胭脂等重色来渲染，更显其富贵。 色彩的象征意义： 介绍不同色彩在中国文化中的象征意义，以及如何在绘画中合理运用，以达到寓意深刻的效果。 七、 创作实践与提升 本书的最后部分将引导读者将所学知识付诸实践，并提供进一步提升的建议。 范例解析： 精选历代名家经典花鸟画作品，进行深入的技法与意境分析，让读者从大师的作品中汲取养分。 临摹与创作结合： 强调临摹在学习过程中的重要性，但更鼓励读者在掌握基本功后，勇于进行独立创作，将自己的观察与感悟融入作品之中。 自我评价与改进： 指导读者如何客观评价自己的作品，找出不足之处，并提出改进的方法。 艺术的传承与创新： 鼓励读者在继承传统技法的同时，也要积极探索新的表现语言，形成自己的艺术风格。 《花鸟画教材》力求成为一本系统、实用、富有启发性的绘画指南，帮助每一位热爱花鸟画的读者，从零开始，逐步掌握这门古老而富有魅力的艺术，最终能够创作出具有个人风格和独特意境的佳作。

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说实话，这本书的装帧和印刷质量也绝对配得上它的内容，这在教材中是难能可贵的。很多教材为了控制成本，采用的纸张薄而吸墨，导致水墨晕染的效果大打折扣。然而，这本《花鸟画教材》采用的是偏厚且带有一定肌理感的纸张，这对于练习水墨的渗透和层次感至关重要。我用毛笔蘸了饱满的墨汁上去试色，墨色扩散得非常自然，边缘过渡柔和且富有变化，这极大地鼓励了我在练习晕染技巧时的自信心。而且，书中的范例高清得令人赞叹，那些古代大师作品的细节，比如蝴蝶翅膀上细微的鳞粉结构，或者花蕊中微妙的光影变化，都清晰可见，完全没有低分辨率图片常见的模糊和色块丢失问题。这让我可以更精确地模仿和分析大师的笔触走向和用墨技巧。如果只是看模糊的图片临摹，很容易走入误区，而这本教材在视觉呈现上的高标准，确保了读者所学的每一个细节都是准确的，这对于建立正确的审美基调至关重要。

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这本书在结构编排上的匠心独运，充分体现了编者对学习者心理的深刻理解。它并不是简单地按题材罗列，比如“先画兰花，再画竹子”。相反，它设计了一条由浅入深、螺旋上升的学习路径。初级部分集中于点、线的训练，比如如何画出有生命力的草、叶的轮廓。进阶部分则开始引入设色技巧，并且非常务实地提出了“色彩的克制之道”——告诫学习者在水墨为主的画种中，色彩的使用要起到“画龙点睛”的作用，而非喧宾夺主。我最欣赏的是它在章节末尾设置的“互评与自省”环节。它引导读者不仅要模仿范例，更要学会自我审视，提供了具体的检查清单，比如“此鸟的眼睛是否传达出灵动之气？”“此枝的姿态是否符合自然生长规律？”这种主动引导式的学习模式，让我从一个被动的接受者，转变为一个主动的思考者，极大地提高了学习效率，也让我的画作逐渐开始拥有了自己的“想法”。

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从工具应用到意境构建，这本书几乎覆盖了花鸟画学习的每一个关键节点，但最让我感到震撼的是它对“留白”艺术的独到见解。很多初学者，包括我自己在内，都有一种“填满”画面的冲动，总觉得不画满就显得空旷、技艺不精。然而，这本书却用整整一个章节的篇幅，系统地阐述了中国画中“计白当黑”的审美理念。它通过大量的对比案例，清晰地展示了空白是如何成为画面的一部分，如何引导观者的视线，如何营造出空气感和空间感。书中有一幅画了一个孤独的寒鸦栖于枯枝的范例，画面主体极其稀疏，但正是那大片的“虚空”，烘托出了寒冷、寂寥而又坚韧的意境。这种对“无”的艺术价值的阐释，彻底颠覆了我以往的创作思维。它让我明白，花鸟画的魅力，很多时候并不在于你画了多少，而在于你选择了“不画”什么，这种从繁到简、从有到无的审美升华，是这本书带给我最宝贵、也最难以言喻的收获。

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我拿到这本《花鸟画教材》时，心里其实是抱着将信将疑的态度，毕竟市面上的教程太多，很多都是徒有其表，内容空洞或者图片质量堪忧。但翻开这本书后，我立刻被它对传统文化精髓的精准把握所折服。这本书的深度远超一般意义上的“技法指导手册”。它花了相当大的篇幅去探讨花鸟画的“意境”与“哲学内涵”。例如，在介绍画梅花时，书中不仅展示了如何用“铁线描”勾勒枝干，更深入剖析了历代文人墨客赋予梅花的“傲骨凌霜”的文化象征，以及不同朝代画家对这种精神的独特诠释。这种将艺术形式与文化背景紧密结合的叙述方式，让我感觉自己不是在学画画，而是在进行一场穿越时空的对话。它的讲解充满了文人的雅趣，语言考究而不晦涩，常常用诗词的意境来阐述绘画的构图原理。对于我这种更偏爱“文人画”风格的学习者来说，这本书简直是座灯塔。它教会我如何“看”一幅画，而不仅仅是“画”一笔墨，这种思维上的提升，是任何只教你如何照猫画虎的书籍都无法给予的。

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这本关于中国传统花鸟画的入门教材，简直是为我这样零基础的新手量身定做的宝藏！我一直对那些栩栩如生的工笔画心生向往，却苦于不知从何入手，那些名家的画册看起来高深莫测，让我望而却步。然而，这本书的编排思路极其清晰，完全没有那种高高在上的学院派架子。它从最基础的笔墨纸砚的认识开始讲起，细致入微地解释了不同毛笔的特性，甚至连墨的浓淡干湿是如何影响画面效果，都配上了直观的对比图示。更让我惊喜的是，它并没有急于展示复杂的成品，而是将重点放在了“点、皴、擦、染”这些基本功的训练上。比如，画一根竹叶的叶脉，它会用不同的力度和角度示范几十种画法，直到你真正理解了“气韵”是如何通过线条的粗细变化传递出来的。我照着书上的步骤练习了将近一个月，虽然离大家风范还远，但至少我现在能自信地拿起画笔，而不是对着白纸发懵了。这本书的价值就在于，它把看似玄乎的艺术规律，转化成了可以被反复练习、可以被量化的步骤，极大地降低了初学者的入门门槛。我特别喜欢其中关于“写意”与“写实”的辩证分析，它让我明白了，即便是最写实的描摹，也需要有作者的主观情感融入，这让我对后续的学习充满了期待。

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