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出版者:浙江中国美术学院

作者:乔治·扎内奇

出品人:

页数:414

译者:陈平

出版时间:2006-6

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787810190992

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
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《文明的回响：古希腊雕塑的辉煌与失落》 本书并非一部宏大的艺术史通论，而是一次聚焦于古希腊雕塑艺术的深度探索。我们将穿越时空，亲临那个孕育了无数不朽杰作的伟大时代，领略那石头与青铜在匠人之手下绽放出的生命力。 第一章：神性的塑造——早期希腊雕塑的探索与发展 本章将从米诺斯和迈锡尼文明的遗迹出发，追溯希腊雕塑的萌芽。我们将考察那些朴拙而充满力量的陶塑和石刻，理解它们在宗教祭祀和墓葬文化中的意义。随后，我们将步入“黑暗时代”的尾声，观察几何纹样风格如何逐渐让位于对人体的初步描摹。 “科洛斯”（Kouros）和“科拉”（Kore）——这些早期直立式雕像，是本章的重点。我们将详细分析它们的结构、比例、象征意义，以及它们所代表的斯巴达式的尚武精神和对永恒的追求。尽管它们在形体上略显僵硬，但已然显露出希腊人对理想人体比例的初步探索和对生动性的渴望。我们将考察不同地区的作品，如德尔斐的“歌者”等，探讨它们在宗教仪式中的作用，以及它们如何为后来的古典时期雕塑奠定基础。 第二章：黄金时代的辉煌——古典希腊雕塑的巅峰 当进入公元前五世纪，希腊艺术迎来了它的黄金时代，而雕塑艺术更是达到了前所未有的高度。本章将重点解析米隆、菲迪亚斯和波利克里托斯等巨匠的创作。 我们将深入研究米隆的《掷铁饼者》，分析其如何在静态中捕捉运动的瞬间，如何在人体结构上达到新的和谐与动感。对于菲迪亚斯，我们不仅会关注他在雅典卫城帕特农神庙上创作的宏伟浮雕和巨像，如雅典娜和宙斯，更会探讨他如何将神祇的庄严与人间的理想完美结合。他的作品，无论是在宏观的整体构图还是微观的细节处理上，都展现出惊人的技艺和深刻的哲学思考。 波利克里托斯的“理想人体比例”理论，即“法则”，是本章不可或缺的部分。我们将解析他的《持矛者》等作品，理解他如何通过数学比例来构建和谐、均衡、充满生命力的理想人体。这一理论不仅影响了后世雕塑，更成为西方艺术中对人体美学追求的典范。 此外，我们还将考察雕塑的材料变化，从早期石灰石到大理石的广泛应用，再到青铜铸造技术的成熟。对不同材料特性的理解，有助于我们更好地欣赏作品的质感和表现力。 第三章：流动的生命——希腊化时期雕塑的激情与戏剧性 公元前四世纪之后，随着亚历山大大帝的东征，希腊文化传播到更广阔的区域，雕塑艺术也迎来了新的发展阶段，即希腊化时期。本章将重点展现这一时期雕塑的显著特征：情感的宣泄、动态的张力以及戏剧性的叙事。 我们将详细分析“帕加马祭坛”的群雕，尤其是“珀尔加马的宙斯”和“大高卢人死亡”等作品。这些作品中，肌肉的搏斗、情感的冲突、死亡的悲壮被刻画得淋漓尽致，充满了令人震撼的戏剧张力。我们将探讨艺术家如何通过扭曲的身体、夸张的面部表情来传达强烈的内心世界。 “萨莫色雷斯的胜利女神”（Nike of Samothrace）将是本章的另一颗璀璨明珠。我们将分析其如何利用轻盈的衣袍和展翅欲飞的姿态，营造出强烈的动感和胜利的喜悦，即使失去头部，其生命力依然扑面而来。 本章还将涉及诸如“拉奥孔和他的儿子们”等作品，探讨它们如何以复杂的人物关系、深刻的人性描摹和极致的痛苦表现，展现出希腊化雕塑的另一面。我们将理解，在这一时期，艺术家们不再满足于理想化的宁静，而是更热衷于表现人性的复杂与情感的跌宕。 第四章：失落的荣耀——古希腊雕塑的辉煌与今日的审视 在最后这一章，我们将回顾古希腊雕塑艺术的整体成就，探讨它为何能在人类文明史上留下如此深刻的印记。我们将分析其对后世艺术，尤其是罗马艺术的影响，以及它如何成为西方古典艺术的源头。 同时，本章也将审视古希腊雕塑的“失落”。我们将讨论历史的变迁，罗马人的继承与改造，以及中世纪的遗忘。很多伟大的作品已经湮没在历史的长河中，我们今天所能看到的，多是罗马时期的复制品，或是零散的残片。然而，即使是这些残片，依然闪耀着永恒的光辉。 我们将探讨，在现代的语境下，我们如何重新解读和欣赏古希腊雕塑。它所代表的对人体美的极致追求，对理想与现实的哲学思考，以及对生命力的歌颂，至今仍能引发我们的共鸣。本书旨在唤起读者对这一伟大艺术遗产的关注与热爱，通过对古希腊雕塑的深入剖析，感受那跨越千年的艺术魅力，重温那段辉煌的文明回响。

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不得不说，这本书的视角非常独特和大胆，它成功地挑战了许多传统教科书中对中世纪艺术“黑暗时期”的刻板印象。作者着重强调了中世纪艺术在技术创新和精神表达上的高度成就，尤其是对罗马式建筑中那些令人惊叹的结构力学和对早期哥特式飞扶壁的出现所蕴含的工程学智慧的解析，简直是精彩绝伦。我特别喜欢作者在分析不同时期纹章学和象征主义语言时所展现的耐心与细致。那些曾经只被我视为装饰性符号的图案，在书中的解读下，一个个都变成了承载着复杂信仰体系和家族史的密码。它不仅仅是在看“艺术”，更像是在学习一种失传的“符号语言”。这种层层剥笋式的解读，让我对当时的工匠和艺术家如何在其作品中隐晦地传达权力结构和神学理念有了全新的认识。阅读过程中，我时常需要查阅附带的图录，来反复比对文字描述与实物细节的对应关系，这使得阅读过程变成了一场主动的探索，而非被动的接受，极大地增强了知识的内化效果。

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从阅读体验的角度来看，这本书的排版和配图质量达到了极高的水准，这一点在艺术史书籍中尤其重要。插图的选择不仅数量充足，更关键的是，它们的位置与文本的讨论点完美契合，很少出现需要频繁翻页查找的尴尬情况。印刷的清晰度对于理解中世纪手稿中细微的金色勾勒和复杂的微缩画细节至关重要，而这本显然在这方面投入了极大的成本。此外，书后的索引系统做得非常完备，对于需要快速查阅特定修道院或圣徒形象的读者来说，提供了极大的便利。总而言之，这不仅是一本知识密集的专著，更是一件制作精良的阅读产品。它在保持学术深度的同时，通过优秀的视觉呈现和便捷的工具设置，成功地将一个宏大且遥远的历史时期，以一种既权威又极富吸引力的方式，呈现给了当代读者。

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这本书的叙述风格极其流畅，读起来完全没有学术著作那种枯燥感。作者仿佛是一位经验丰富的导游，带着我们穿梭于中世纪的欧洲腹地。我尤其欣赏他对不同地区艺术风格差异的细致描摹。比如，在提到拜占庭艺术时，那种对黄金镶嵌和对神圣性极致追求的文字描述，让我仿佛能感受到圣索菲亚大教堂里弥漫的熏香和光影的变幻。紧接着，笔锋一转，又深入到卡洛林文艺复兴时期，那种对古典理想的回归与基督教教义融合的努力，被剖析得鞭辟入里。阅读过程中，我惊喜地发现，作者并非只是简单罗列作品和年代，而是将艺术置于当时的社会、政治和宗教背景之下进行考察，这使得那些看似遥远的雕塑和手抄本突然获得了鲜活的生命力。每一章的结构都设计得非常巧妙，总能在看似平淡的论述中埋下引人深思的伏笔，迫使读者不断停下来，对照书中的插图进行更深层次的思考。这种深入浅出的叙事策略，对于我这样并非专业艺术史出身的读者来说，是极其友好的，它成功地架起了一座通往那个辉煌却又神秘时代的桥梁，让人在愉悦的阅读体验中，收获了扎实的知识体系。

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坦白讲，初捧此书时，我有些担心其篇幅会过于庞大，但实际阅读下来，其节奏的把控令人印象深刻。作者对于材料的选择和取舍非常精准，避免了不必要的枝蔓。他将精力集中在了那些真正具有转折意义的关键艺术现象上，比如查理曼大帝的复兴运动如何为后来的欧洲艺术奠定了基调，以及黑死病后艺术主题如何发生微妙但深刻的转向。我特别欣赏作者在描述具体艺术品时，那种近乎触觉的文字描写。当我们讨论到那些泥土烧制的陶俑或者斑驳的壁画残片时，作者总能唤起我们对物质性的感知，让我们想象到颜料的质地、石材的粗粝，甚至是工坊里的气味。这种高度的具象化描述，极大地弥补了纯粹的文字叙述在空间感和物质感上的缺失，让抽象的艺术史概念变得触手可及。

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这本书的学术严谨性是毋庸置疑的，但更让我称赞的是它对艺术史研究方法论的探讨。作者在引言中就旗帜鲜明地提出了自己的研究框架，并多次在正文中引用和对比了不同学派的观点，比如对象征主义与形式主义解释路径的平衡处理。这使得全书的论述充满了张力和对话感，而不是一个单向度的宣讲。例如，在讨论中世纪晚期佛兰德斯绘画的自然主义倾向时，作者并未简单地归因于社会经济的发展，而是将其与当时新兴的个人虔诚形式紧密联系起来，这种多因果链条的分析方法，极大地提升了作品解读的深度。对于渴望了解艺术史研究前沿动态的读者来说，这本书无疑提供了一个极佳的案例，展示了如何在一个拥有海量史料的领域内，构建出既扎实又富有新意的论点。我甚至觉得，这本书本身就是一部关于如何进行精细化艺术史研究的优秀范本。

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好大一本

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边看边做了不少笔记，算是看得比较认真的一本书。

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工具书。

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1994年4月，中国美术学院出版社。

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讲得很清晰，还不错