蜡绘佛像艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京工艺美术出版社

作者:俞满红

出品人:

页数:74

译者:

出版时间:2003-1

价格:40.00元

装帧:

isbn号码:9787805264455

丛书系列:

图书标签:

• 佛教美术
• 蜡染
• 蜡绘
• 佛像
• 艺术
• 佛教艺术
• 传统工艺
• 绘画
• 宗教艺术
• 手工艺
• 文化艺术
• 藏传佛教

《绘迹流光：中国早期绘画的色彩叙事》 本书将带您穿越时空，深入探索中国早期绘画中色彩的奥秘与力量。我们并非聚焦于佛教造像，而是将目光投向更广阔的绘画天地，解析在各个历史时期，色彩是如何成为艺术家们表达情感、叙述故事、构建世界的重要媒介。 第一章：色彩的起源与礼制（史前至秦汉） 从史前岩画中淳朴的矿物色彩，到青铜器上神秘的纹饰，色彩在中国早期文明中便已扮演着不可或缺的角色。本章将追溯色彩的最初源头，探讨天然矿物、植物染料的采集与运用，以及它们如何与早期的宗教信仰、氏族图腾以及权力象征相结合。秦汉时期，随着绘画技法的成熟，色彩开始在壁画、帛画等载体上大放异彩，并逐渐与社会礼制、政治制度紧密相连。例如，不同颜色在服饰、宫殿建筑上的使用，往往承载着特定的等级与意义，构成了一套视觉化的语言体系。我们将通过对考古出土文物的细致分析，揭示色彩在中国早期社会结构与精神世界中的地位。 第二章：笔墨丹青的交融：色彩的抽象与写意（魏晋南北朝至隋唐） 魏晋南北朝时期，随着士人阶层的崛起，文人画的萌芽逐渐显现。在这一阶段，色彩不再仅仅是具象描摹的工具，更开始承载着艺术家的主观情感与哲学思考。顾恺之的“以形写神”，正是对色彩在精神表达上潜力的深刻挖掘。本书将重点解析这一时期山水画、人物画中色彩的运用如何从写实走向写意，色彩的笔触、晕染，如何与墨的勾勒、皴法相辅相成，共同营造出画面的意境与韵味。隋唐时期，经济文化的繁荣为绘画艺术带来了空前的发展，色彩的运用也更加丰富、大胆。无论是盛唐壁画中浓烈辉煌的色调，还是阎立本、吴道子等大家笔下色彩的巧妙搭配，都展现出中国绘画在色彩运用上的高超技艺和独特审美。我们将重点分析唐代绘画中色彩的明度、饱和度、以及色彩之间的对比与和谐，它们如何共同塑造了唐代绘画恢弘、气势磅礴的艺术风格。 第三章：文人情怀的色彩：雅致、含蓄与象征（宋元） 宋代是中国绘画的黄金时代，文人画的发展达到了顶峰。在这个时期，色彩的运用更加内敛、含蓄，更加注重表达画家的个人情怀和审美旨趣。宋代文人画家们偏爱使用淡雅、柔和的色彩，通过色彩的微妙变化来传达自然景物的韵味和诗意。我们将深入探讨宋代山水画中“青绿”、“浅绛”等设色体系的演变，分析宋人如何通过色彩的“轻重”、“疏密”来营造出清新淡雅的意境。同时，花鸟画中色彩的鲜活与生动，也不失为文人雅趣的一种体现。元代，在承袭宋代文人画传统的同时，也展现出更加奔放、抒情的色彩风格。赵孟頫等画家在继承古法的同时，也融入了更为鲜明的个人风格，色彩的运用更加自由，但也依然不乏雅致与含蓄。本书将梳理宋元时期色彩审美的发展脉络，解析色彩如何成为文人画家寄托情思、抒发胸臆的重要载体。 第四章：色彩的变奏与革新：明清时期绘画的色彩语言 明清时期，中国绘画在继承传统的基础上，也迎来了新的发展与变革。这一时期，宫廷画院、文人画、以及新兴的民间绘画呈现出多元化的发展态势，色彩的运用也随之呈现出更加丰富的面貌。宫廷绘画往往色彩浓丽、装饰性强，注重描绘富贵、吉祥的寓意。而文人画则继续强调意境与神韵，色彩运用更加内敛，注重笔墨与色彩的融合。同时，市民阶层的兴起也催生了更加通俗、鲜明的色彩风格，如年画、插画等。本书将详细分析明清时期不同画派、不同题材绘画中色彩的特点，例如晚明时期“新安画派”的淡雅，清代“扬州八怪”的奔放，以及宫廷画院的精工富丽，探讨它们在色彩运用上的创新与传承。我们将通过对大量经典画作的剖析，展现明清时期绘画色彩的丰富性、多样性及其背后所反映的时代精神和审美趣味。 结语：跨越时代的色彩回响 《绘迹流光：中国早期绘画的色彩叙事》并非一部技术性的色彩理论书籍，而是一次关于中国绘画史中色彩生命力的探索。我们旨在通过对不同时期、不同风格绘画作品中色彩的解读，揭示色彩在中国艺术发展进程中的独特地位和深远影响。从远古的祭祀到文人的雅集，从宫廷的辉煌到民间的质朴，色彩始终是中国艺术家们不可或缺的创作语言，它们承载着历史的记忆，流淌着民族的情感，也塑造了我们对美的感知。本书希望能够唤起读者对中国绘画中色彩的更深层次的理解与欣赏，感受那穿越时空的色彩回响。

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这是一本非常有启发性的书，它让我重新审视了佛教艺术的意义。作者并没有将佛教绘画仅仅视为一种艺术形式，而是将其看作是一种连接凡俗与神圣的桥梁。书中通过对不同时期、不同地区佛教绘画风格的对比分析，展现了佛教艺术是如何在传播过程中与当地文化融合，并形成独特的地域特色的。例如，早期犍陀罗艺术对佛教造像的影响，以及后来发展出的中国本土化的风格，都清晰地呈现在读者面前。书中对一些经典佛像的解读，不仅仅是从技法上，更是从其精神内涵上进行了深入的阐释，让我对佛陀的慈悲、菩萨的智慧有了更深的理解。读完这本书，我感觉自己仿佛穿越了时空，与那些古代的艺术家和信徒进行了一场跨越千年的对话。

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我一直对亚洲传统艺术中的象征主义着迷，而这本《蜡绘佛像艺术》提供了一个非常独特的切入点。它不仅仅是关于绘画技巧，更深入地探讨了佛教图像学中每个细节的意义。从佛陀的螺发、眉间的白毫，到菩萨的璎珞、手印，再到十八罗汉的各自特征，书中都给出了详尽的解释，并追溯了这些象征符号的起源和演变。作者的考证非常严谨，引用了许多梵文、藏文的经典，并结合了考古学和历史学的研究成果，使得内容具有很高的学术价值。此外，书中还穿插了对一些著名佛教寺庙壁画的解读，比如敦煌莫高窟、龙门石窟等，让我们得以窥见那些千年古迹背后隐藏的文化密码。这本书的文字流畅，结构清晰，即使是对佛教知之甚少的读者，也能在其中获得丰富的知识。

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这本书以一种极其详尽的方式，剖析了佛教造像的绘制过程，特别是其在视觉表现上的独特性。作者花了相当大的篇幅来介绍不同材质的矿物颜料，比如石青、石绿、朱砂、雌黄等，它们是如何被采集、研磨、调配，以及在纸、绢、壁上的晕染技巧。书中还特别提到了“沥粉”和“贴金”等工艺，这些繁复的技法是如何在佛像上营造出立体感和神圣感的。令人印象深刻的是，作者并没有止步于表面工艺的描述，而是将其与佛教的宇宙观和修行理念相结合。例如，金色在佛教中象征着光明和智慧，而蓝色和绿色则代表着清净和自在，这些色彩的选择和运用，都蕴含着深厚的哲学意义。对于对传统工艺感兴趣的读者来说，这本书无疑是一本宝藏。

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这是一本关于中国古代佛教绘画技法的入门读物，尤其侧重于壁画和卷轴画的绘制过程。书中详细介绍了各种矿物颜料的来源、炮制方法，以及如何根据不同的佛教题材，如佛陀、菩萨、罗汉、天王等，绘制出具有宗教象征意义和艺术美感的形象。作者通过大量的历史文献和考古发现，梳理了历代佛教绘画的风格演变，从早期受印度影响的风格，到唐宋时期本土化、世俗化的发展，再到元明清时期的程式化，都做了深入的探讨。每一章都配有精美的彩图，展示了不同时期、不同地域的佛教艺术杰作，让读者能够直观地感受到佛教绘画的魅力。作者还特别强调了佛教绘画中的“仪轨”，即绘制佛像时需要遵循的规则和程序，这不仅关乎艺术的准确性，更承载着对佛陀的虔诚。对于想要了解佛教艺术的初学者来说，这本书提供了一个系统而全面的视角。

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我被这本书中对细节的极致关注所震撼。它不仅仅是一本介绍佛教绘画的百科全书，更像是一份详尽的“解剖图”，将佛像的每一个组成部分都进行了细致的描绘和阐释。作者从佛像的五官、服饰、手势，到其背后所代表的意义，都进行了极其深入的挖掘。例如，书中对佛陀面部表情的解读，如何通过细微的线条来表现其内心的平静与慈悲，以及菩萨手势中蕴含的无量功德。此外，书中还介绍了佛教绘画中的构图原则，如何通过对称、留白等手法，来营造出庄严、宁静的氛围。对于想要深入了解佛教艺术的读者来说，这本书提供了无与伦比的深度和广度，它会让你在欣赏一幅佛像时，不再仅仅看到表面的形象，更能感受到其中蕴含的深邃的宗教思想和艺术智慧。

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大国学基金会于2010年6月20日捐赠

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形式可取

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