具体描述
本书要靠教师的讲授。教师必须使材料适应各个学生的要求。对教师来说，一条条列出的规则和问题决不应妨害他在教学上的发挥；反之，在他精心处理那些已经提出的材料时，还应从中发现创造新的作业材料的要求。这方面对他的创造天赋是没有设下任何限制的。如果他更乐意以传统的作曲方法为基础来教授学生，他也能利用这里所提供的帮助，这些帮助对他说来，就像对他去探索他和他的学生在任何实际应用方面都还一无所知的音的领域一样有用。他将看到在形成独立的写作风格方面他将保有完全的自由。
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读后感
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用户评价
作为一名业余音乐爱好者，我一直对如何将脑海中零散的音乐片段转化为一首结构完整、情感饱满的作品感到困惑。直到我遇到了《作曲技法（第2卷）》，我才真正体会到“技法”在音乐创作中的重要性。这本书的讲解方式非常独特，它不像我之前看过的那些理论书籍那样枯燥乏味，而是充满了启发性和实践性。作者通过大量精选的古典音乐作品实例，深入浅出地剖析了各种作曲技法在实际创作中的运用。比如，在讲到“和声色彩”时，书中不仅仅列举了不同的和弦进行，还分析了不同和弦组合所带来的情感效果，以及作曲家如何通过巧妙的和弦运用来增强音乐的表现力。我印象特别深刻的是，作者引用了德彪西的一段钢琴曲，详细解释了德彪西是如何运用色彩和声来营造朦胧、梦幻的音乐意境的。这种“以例证理”的方式，让我能够清晰地看到理论知识是如何转化为生动的音乐语言的。此外，本书在“曲式结构”方面的讲解也让我受益匪浅。我一直以为曲式结构就是固定的模式，但这本书让我明白，曲式结构更像是一种骨架，作曲家可以在这个骨架上自由地进行创作，并根据自己的想法进行创新。书中对奏鸣曲式、变奏曲式等经典曲式的讲解，不仅清晰地梳理了其基本结构，还分析了不同作曲家在运用这些曲式时的个性化处理，这让我对曲式有了更灵活的理解。总的来说，《作曲技法（第2卷）》是一本极具价值的音乐创作指导书，它不仅提升了我的理论知识，更重要的是，它点燃了我内心深处的创作热情，让我对未来的音乐创作充满了期待。
评分我一直以为学习作曲是一件非常遥不可及的事情，尤其是在接触了《作曲技法（第2卷）》之前。这本书彻底颠覆了我对作曲的刻板印象，它将那些原本看似神秘莫测的作曲技法，用一种极其清晰、系统的方式呈现在我面前。作者的叙述语言非常生动，仿佛是在和我进行一次深入的交流，而不是单方面的知识灌输。书中对“旋律写作”的讲解就极具启发性。我之前总是觉得旋律的创作全凭灵感，但这本书让我了解到，好的旋律背后也蕴含着深刻的技巧和规律。作者分析了各种旋律的构成要素，比如音程关系、节奏变化、乐句的起伏等等，并通过大量实例，展示了如何运用这些技巧来创作出优美动听的旋律。我特别喜欢书中关于“音乐动机的展开”那一章，作者通过对莫扎特和贝多芬作品的深入剖析，生动地展示了作曲家如何从一个简单的音乐动机出发，通过各种变化和发展，最终构建出一首完整而富于逻辑性的作品。这种“由小见大”的写作方式，让我深刻体会到音乐创作的严谨与巧妙。而且，这本书还涉及了配器法的基础知识，这对于想要尝试为自己的作品配器的初学者来说，无疑是一份宝贵的礼物。作者用简洁的语言解释了不同乐器的音色特点以及它们在乐队中的作用，并结合具体的乐曲片段，展示了如何通过巧妙的配器来丰富音乐的层次感和表现力。总而言之，《作曲技法（第2卷）》是一本真正意义上的“实用指南”，它不仅为我提供了扎实的作曲理论基础，更重要的是，它激发了我作为一名普通听众的创作潜能，让我开始尝试用自己的方式去表达对音乐的热爱。
评分这本书，可以说是为我打开了音乐创作的“潘多拉魔盒”。在翻阅《作曲技法（第2卷）》之前，我总是觉得作曲是一项极其高深的艺术，似乎只有天赋异禀的人才能涉足。然而，这本书以其独特而深入的视角，将复杂的作曲技法变得触手可及。作者并非仅仅罗列条条框框，而是通过对音乐史上的杰出作品进行细致入微的剖析，展现了作曲家们是如何运用各种技巧来塑造音乐的。我尤其被书中关于“对位法”的讲解所吸引。我一直以为对位法只是简单的旋律叠加，但这本书通过对巴赫赋格作品的深入解读，让我看到了对位法所蕴含的丰富内涵和逻辑之美。作者详细阐述了不同声部之间的独立性与相互依存性，以及如何通过巧妙的旋律交织来营造出复杂而又和谐的音乐织体。这种“解构”式的分析，让我对音乐的理解上升到了一个新的高度。此外，书中对“曲式结构”的讲解也给我留下了深刻的印象。作者并没有将曲式简单地定义为固定模式，而是强调了曲式在音乐创作中的灵活性和发展性。他通过分析不同时期的奏鸣曲、变奏曲，展示了作曲家们如何在遵循基本曲式框架的同时，又融入自己独特的创作理念和个性化处理。这种“在规则中求自由”的讲解方式，让我对音乐的结构有了更深刻的认识。更值得一提的是，书中还涉及了一些关于“音乐形式”的探讨，这让我明白了音乐的结构不仅仅是技法的堆砌，更是一种思想和情感的载体。总而言之，《作曲技法（第2卷）》是一本能够真正引导你走进音乐创作殿堂的书籍，它不仅提供了扎实的理论基础，更重要的是，它点燃了我内心深处对于音乐创作的渴望，让我对未来的音乐探索充满了信心。
评分我一直以为，学习作曲就是死记硬背乐理知识，然后凭空想象出旋律。然而，《作曲技法（第2卷）》这本书，彻底颠覆了我陈旧的认知。它就像一位经验丰富的导师，耐心地带领我一步步走进作曲的奥秘。作者的写作风格非常亲切，没有生涩难懂的专业术语，而是用通俗易懂的语言，结合大量的音乐实例，将复杂的作曲技法解释得淋漓尽致。我尤其对书中关于“动机的生成与发展”的章节印象深刻。我之前总是觉得音乐的灵感转瞬即逝，难以捕捉，但这本书让我明白，每一个伟大的乐章，都可以从一个看似微不足道的音乐动机开始，然后通过一系列巧妙的技法，将其不断发展、变形，最终演变成一首气势恢宏的作品。作者以巴赫的一段赋格为例，详细剖析了音乐动机是如何被巧妙地运用到不同的声部，如何通过节奏、音程的改变来丰富其表现力。这种“化繁为简”的教学方式，让我对音乐创作的逻辑性有了更深的理解。此外，书中对“和声的运用”也有独到的见解。我之前总是觉得和声就是几个和弦的简单组合，但这本书让我看到了和声在音乐中的巨大能量。作者分析了不同和弦的色彩和功能，以及如何通过和声的色彩变化来烘托音乐的情感，营造出不同的音乐氛围。我特别喜欢书中对德彪西作品的和声分析，那种对“印象派”和声的精准解读，让我仿佛置身于一个色彩斑斓的音乐世界。总而言之，《作曲技法（第2卷）》是一本非常实用且极具启发性的作曲指导书，它不仅提升了我的音乐理论素养，更重要的是，它点燃了我内心深处创作的火花，让我开始尝试着用自己的双手去谱写属于自己的音乐。
评分作为一名对古典音乐情有独钟的爱好者，《作曲技法（第2卷）》这本书，为我打开了另一扇了解音乐的窗户。在接触这本书之前，我总是沉浸在音乐的旋律和情感中，对于其背后精妙的结构和技法知之甚少。这本书以其详实的内容和严谨的分析，让我对音乐创作有了全新的认识。作者在书中对“曲式结构”的讲解尤其让我印象深刻。我之前总以为曲式结构只是死板的模板，但这本书通过对海顿、莫扎特、贝多芬等作曲家作品的深入剖析，让我看到了曲式在音乐创作中的灵活性和发展性。作者详细阐述了奏鸣曲式、变奏曲式等经典曲式的构成要素，以及作曲家们如何在遵循基本框架的同时，又融入自己独特的创意和情感表达。这种“在规则中求创新”的讲解方式，让我对音乐的逻辑性和层次感有了更深的理解。此外，书中对“和声色彩”的运用也给我留下了深刻的印象。我之前总是将和声视为一种背景支持，但这本书让我看到了和声在音乐中扮演的重要角色。作者通过对德彪西、拉威尔等作曲家作品的和声分析，展示了如何通过巧妙的和声运用，来营造出丰富多变的音乐色彩和情感氛围。这种对“印象派”和声的精准解读，让我感受到了和声在音乐中的无限可能性。总而言之，《作曲技法（第2卷）》是一本非常优秀的音乐创作指导书，它不仅提升了我的音乐理论素养，更重要的是，它点燃了我内心深处对于音乐创作的浓厚兴趣，让我开始勇敢地迈出创作的第一步。
评分我一直以为，学习作曲就是背诵乐理知识，然后凭空想象旋律。直到我翻阅了《作曲技法（第2卷）》，我才真正明白，作曲是一门严谨而又充满创意的艺术。《作曲技法（第2卷）》这本书，凭借其清晰的逻辑、丰富的实例以及作者深入浅出的讲解，彻底颠覆了我以往对作曲的认知。作者在书中不仅罗列了各种作曲技法，更重要的是，他通过对大量经典音乐作品的细致剖析，向我们展示了这些技法是如何在实际创作中发挥作用的。我尤其对书中关于“音乐主题的发展”的讲解印象深刻。我之前总是觉得，一个好的旋律就是灵感的产物，但这本书让我明白，一个优秀的音乐主题，可以经过无数次的变形、发展，最终演变成一首完整而富于逻辑性的作品。作者以贝多芬的《命运交响曲》为例，详细剖析了那个著名的“命运动机”是如何贯穿整部作品，又是如何通过不同的节奏、音高变化来呈现出不同的情感色彩。这种“化零为整”的教学方式，让我深刻体会到音乐创作的严谨与巧妙。此外，书中对“音乐配器”的讲解也让我获益匪浅。我之前对不同乐器的音色特点和性能了解不多，但这本书用简洁明了的语言，介绍了各种乐器的音域、音色特点以及它们在合奏中的作用。通过对不同乐曲片段的配器分析，我学会了如何根据音乐的情感需求，选择合适的乐器组合来营造丰富的音乐层次和表现力。总而言之，《作曲技法（第2卷）》是一本非常实用的作曲指导书，它不仅提升了我的理论知识，更重要的是，它点燃了我内心深处创作的热情，让我开始尝试用自己的双手去谱写属于自己的音乐。
评分这本书简直是作曲的“黑魔法”入门指南，让我彻底颠覆了以往对和声、曲式枯燥乏味的认知。作者在《作曲技法（第2卷）》中，仿佛一位经验丰富的向导，带领我深入探索了那些隐藏在伟大作品背后的精妙结构与逻辑。我一直以为学习作曲就是死记硬背各种规则，但这本书让我看到了这些规则背后更深层的原理和无限的可能性。例如，书中对不同音乐时期和风格的分析，不是简单地罗列，而是通过剖析具体的乐曲片段，深入浅出地讲解了作曲家是如何运用特定技法的。我记得其中一段关于赋格的讲解，作者并没有直接给出赋格的定义和写作步骤，而是从巴赫的《平均律钢琴曲集》中选取了一段典型的赋格，然后一步步地剖析了主题的呈现、对位的运用、以及如何通过不同的声部交织出复杂而又统一的织体。这种“从实践中学习”的方式，让我对赋格的理解不再是理论上的概念，而是有了更加生动、直观的感受。更让我惊喜的是，书中还涉及了一些现代作曲技法，比如序列音乐和十二音技法，这让我看到了作曲技法发展演变的历史脉络，也为我打开了通往更广阔音乐世界的大门。我尤其喜欢书中关于“动机发展”的章节，作者详细阐述了如何从一个简单的音乐动机出发，通过变形、模进、倒影等多种手法，将其发展成一首完整的乐曲。这种精巧的构思和严谨的逻辑，让我不禁感叹音乐的魅力所在。总而言之，《作曲技法（第2卷）》不仅仅是一本技术手册，更是一本激发创作灵感的源泉，它让我对音乐有了更深层次的理解，也更加坚定了我在作曲道路上继续探索的决心。
评分这本书，绝对是我近年来在音乐学习领域遇到的最棒的“干货”之一。在翻阅《作曲技法（第2卷）》之前，我总以为作曲是一门需要天赋和灵感的艺术，但这本书的出现，彻底打破了我的固有观念。作者以其深厚的功底和独到的见解，将作曲技法这一复杂而深奥的领域，阐释得既系统又易于理解。我尤其欣赏书中对“旋律写作”的深入剖析。我之前总是纠结于如何创作出“好听”的旋律，但这本书让我认识到，好的旋律并非偶然，而是遵循着一定的逻辑和规律。作者通过分析巴赫、莫扎特等作曲家的作品，详细讲解了旋律的构成要素，如音程关系、节奏变化、乐句的构建等，并展示了如何通过这些技巧来创作出富于表现力和感染力的旋律。这种“解码”式的讲解，让我从“凭感觉”的创作转向了“有依据”的创作。更让我惊喜的是，书中还涉及了“复调音乐”的写作技巧。我之前对复调音乐一直感到望而却步，觉得它太过复杂。但作者通过对不同复调作品的详细分析，清晰地阐述了对位、模仿等基本技法，并展示了如何通过不同声部的巧妙组合来营造出丰富而又和谐的音乐织体。这种“化繁为简”的教学方式，让我对复调音乐的理解不再停留在表面，而是能够深入到其内在的逻辑和美感。总而言之，《作曲技法（第2卷）》是一本集理论性、实践性和启发性于一体的优秀著作。它不仅让我掌握了扎实的作曲技法，更重要的是，它点燃了我内心深处的创作热情，让我对未来的音乐创作充满了无限的憧憬和期待。
评分《作曲技法（第2卷）》这本书，就像一把钥匙，为我打开了通往音乐创作殿堂的大门。在遇到这本书之前，我一直觉得作曲是一项遥不可及的艺术，是少数天才的专属领域。然而，作者以其深入浅出的讲解方式，将那些原本晦涩难懂的作曲技法，变得如此清晰和易于掌握。我尤其被书中关于“和声进行”的章节所吸引。我之前总是觉得和声的运用非常随意，但这本书让我认识到，每一个和弦的出现，每一个和声的转折，都蕴含着深刻的逻辑和情感表达。作者通过对大量古典音乐作品的分析，详细阐述了各种基本和声进行的功能和色彩，以及如何通过巧妙的和声运用，来增强音乐的表现力和感染力。我特别喜欢书中对“印象派”和声的分析，那种对模糊、朦胧和声色彩的精准解读，让我感受到了和声在音乐中的无限可能性。此外，书中对“曲式结构”的讲解也给我留下了深刻的印象。作者并没有将曲式简单地定义为固定的模式，而是强调了曲式在音乐创作中的灵活性和发展性。他通过对不同时期、不同作曲家的作品进行比较分析，展示了作曲家们如何在遵循基本曲式框架的同时，又融入自己独特的创作理念和个性化处理。这种“在规则中求自由”的讲解方式，让我对音乐的结构有了更深刻的认识。总而言之，《作曲技法（第2卷）》是一本非常优秀的音乐创作指导书，它不仅提升了我的理论知识，更重要的是，它点燃了我内心深处创作的火花，让我开始尝试着用自己的方式去表达对音乐的热爱。
评分作为一个对音乐充满热情的听众，我一直以来都对那些能够创作出动人旋律和宏大乐章的作曲家们充满敬意。但在接触《作曲技法（第2卷）》之前，我总觉得作曲是一项神秘而遥不可及的技艺。《作曲技法（第2卷）》这本书，无疑是我音乐探索道路上的一个重要里程碑。作者以其渊博的学识和清晰的逻辑，为我揭开了作曲技法的神秘面纱。我印象最深刻的是书中关于“曲式结构”的讲解，它不像其他书籍那样枯燥地列举定义，而是通过对海顿、莫扎特、贝多芬等大师作品的深入分析，生动地展示了奏鸣曲式、变奏曲式等经典曲式的构成要素以及它们在不同作品中的灵活运用。作者详细阐述了乐句、乐段如何构成完整的乐章，以及作曲家如何通过主题的呈现、发展、再现来构建音乐的逻辑性和戏剧性。这种“从范例中学习”的方式，让我对曲式有了更加直观和深刻的理解。此外，书中对“配器法”的讲解也让我受益匪浅。我之前总是对不同乐器的音色和性能知之甚少，而这本书则用简洁明了的语言，介绍了各种乐器的音域、音色特点以及它们在合奏中的作用。通过对不同乐曲片段的配器分析，我学会了如何根据音乐的情感需求，选择合适的乐器组合来营造丰富的音乐层次和表现力。这种“理论与实践相结合”的教学方式，让我在理解作曲技法的同时，也学会了如何将这些技法运用到自己的创作实践中。总而言之，《作曲技法（第2卷）》是一本真正意义上的“作曲入门指南”，它不仅为我提供了扎实的作曲理论基础，更重要的是，它激发了我对音乐创作的浓厚兴趣，让我开始勇敢地迈出创作的第一步。
评分我觉得这是欣德米特三本书里最好的一本了。这本是一本很好的复调写作的练习指导。如果之前看过毛子的那些，可以跳过第一本直接看这一本。另外说是“两声部写作练习”，其实里面教的东西完全可以扩展到更多的声部的写作。本来，第三本三声部写作练习就是这本书之后好多年后才出的补充，这本书几乎就包括了所有需要的东西了。
评分第二卷主要是二声部写作基本功训练。
评分我觉得这是欣德米特三本书里最好的一本了。这本是一本很好的复调写作的练习指导。如果之前看过毛子的那些，可以跳过第一本直接看这一本。另外说是“两声部写作练习”，其实里面教的东西完全可以扩展到更多的声部的写作。本来，第三本三声部写作练习就是这本书之后好多年后才出的补充，这本书几乎就包括了所有需要的东西了。
评分我觉得这是欣德米特三本书里最好的一本了。这本是一本很好的复调写作的练习指导。如果之前看过毛子的那些，可以跳过第一本直接看这一本。另外说是“两声部写作练习”，其实里面教的东西完全可以扩展到更多的声部的写作。本来，第三本三声部写作练习就是这本书之后好多年后才出的补充，这本书几乎就包括了所有需要的东西了。
评分第二卷主要是二声部写作基本功训练。
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