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出版者:Actar

作者:Azua, Martin Ruiz de

出品人:

页数:180

译者:

出版时间:2001-08-15

价格:355.00元

装帧:Paperback

isbn号码:9788495273802

丛书系列:

图书标签:

• MVRDV
• 广告设计
• 平面设计
• 视觉传达
• 设计原理
• 创意
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• 色彩
• 构图
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• 营销

《浮光掠影：时代变迁下的影像叙事》 本书并非一本关于广告设计流程或理论的入门手册，亦非对某个特定广告作品进行深度剖析的案例集。相反，《浮光掠影》是一次关于“观看”的深刻探索，一场穿梭于光影变幻中的时代回响。它以一种旁观者的视角，审视了自二十世纪初至今，图像如何成为记录、塑造我们集体记忆与个体经验的强大载体，以及这些影像如何悄然无息地影响着我们的认知、情感与行为。 书名“浮光掠影”本身就暗示着一种易逝性与偶然性。那些在屏幕上、纸页间、街头巷尾闪现的画面，如同水面上的浮光，流转不定；又如掠过眼前的飞鸟，转瞬即逝。然而，正是这些看似碎片化、短暂的影像，汇聚成了我们理解世界、感知时代的重要线索。《浮光掠影》不着重于“如何制作”这些影像，而是更关心“影像如何观看我们”，以及“我们如何通过影像观看世界”。 全书围绕着几个核心主题展开。首先，它审视了媒介的演变与影像的转型。从最早的黑白摄影，到胶片电影的辉煌，再到电视的普及，以及如今数字媒体的海量信息，《浮光掠影》描绘了不同时代下，影像的生产、传播方式以及其所承载的叙事特征。它探讨了技术进步如何改变了影像的观看习惯，例如从静态的、需要专注的观看，到动态的、碎片化的、随时随地的观看。 其次，本书深入剖析了影像中的权力与意识形态。每一帧画面都不是真空的存在，它们往往蕴含着创作者的意图、时代的背景以及社会结构的影响。作者通过分析不同历史时期的代表性影像，揭示了影像如何在潜移默化中建构主流叙事，塑造公众舆论，甚至影响政治格局。它并非简单地批判，而是呈现影像作为一种“看见”的权力，如何被使用，又如何反作用于观看者。 再者，《浮光掠影》着力于情感的具象与共鸣。影像最强大的力量之一在于其捕捉和传递情感的能力。无论是描绘普通人的喜怒哀乐，还是记录重大历史事件的震撼瞬间，影像都能引发强烈的共鸣。《浮光掠影》不回避那些触动人心的画面，它探讨了影像如何成为情感的储存器，如何在不同个体之间建立起情感的桥梁，以及这些情感连接如何构成我们共同的文化 DNA。 此外，本书还将目光投向了日常影像的诗意与反思。在信息爆炸的时代，我们每天都在接触大量的影像，从社交媒体上的生活片段，到新闻报道中的事件现场，再到艺术展览中的观念表达。《浮光掠影》提醒我们，即使是最平凡的影像，也可能蕴含着独特的视角和深意。它鼓励读者放慢脚步，重新审视那些被我们忽略的“浮光掠影”，从中发现日常生活的诗意，以及对自身存在与社会现实的深刻反思。 《浮光掠影》的叙事并非线性的、教科书式的。它采用了一种散文式的、跨越时空的结构，将不同领域的影像案例巧妙地编织在一起。读者可能会在书中看到一张尘封的旧照片，一篇关于早期电影剪辑手法的讨论，一段对电视新闻画面演变的观察，以及对当下短视频文化现象的分析。这些看似不相关的元素，在作者的笔下，却共同指向了影像作为一种“观看”方式的普遍性与重要性。 这本书并非旨在提供一套解决广告设计问题的实用方法，它提供的更是一种观察世界的视角，一种理解影像的维度。它希望引导读者跳出“图像生成”的思维，进入“图像解读”的领域，学会如何在纷繁复杂的影像世界中，辨别真伪，洞察本质，感受时代脉搏，并最终形成属于自己的独立思考。 《浮光掠影》是一次关于“看见”的邀请，一次关于“被看见”的对话。它邀请你一同在光影流转中，捕捉时代变迁的痕迹，理解影像叙事的奥秘，感受情感的共鸣，并最终发现日常生活中隐藏的诗意与哲思。它是一本关于影像的影像，一本关于观看的书。

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这本《广告设计To Object》的厚重感首先就给我留下了深刻的印象，那种触手可及的纸张纹理，仿佛预示着里面承载的知识的扎实。我原本以为这会是一本纯粹的软件操作指南，毕竟“设计”这个词汇总是与Photoshop或Illustrator紧密相连。然而，翻开目录后，我发现它的视角更为宏大和深入。它并没有急于教我如何拉出完美的曲线，而是花了大篇幅去探讨“意图”的构建。书中大量的篇幅被用来分析经典广告案例背后的文化语境和社会心理学基础，甚至还穿插了哲学思辨，比如关于“符号学”在视觉传达中的隐秘作用。我记得有一章专门讨论了色彩心理学，但它不是简单地罗列“红色代表热情”，而是追溯了这种联想是如何在不同历史时期被媒体和商业反复强化的。阅读过程更像是在上一堂高阶的艺术史与市场营销交叉的研讨课，它迫使我停下来思考：我设计的“物”（Object）究竟想对观看者“说什么”，以及它在消费链条的哪个环节发挥作用。这本书的价值在于，它将设计从技术层面提升到了战略层面，教会我如何像一个策划人而非单纯的执行者那样去思考。对于那些渴望突破“美工”标签、真正想成为创意领导者的设计师来说，这绝对是一份醍醐灌顶的指引。

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这本书的装帧和排版本身就是一次精彩的设计案例，这让我对“形式服务于内容”有了更深一层的理解。它没有采用那种常见的、大开本的、色彩饱和度极高的设计书籍模式，反而采用了接近精装书的紧凑布局，大量的留白和极简的色彩运用，成功地将读者的注意力锁定在文字的逻辑和配图的逻辑关系上。最令我惊喜的是，书中收录的案例分析，没有过多渲染最终的“高光时刻”，而是聚焦于设计过程中的“关键转折点”。它详细记录了某个项目从最初的草图到最终定稿，设计师在哪个环节被客户的反馈卡住，以及他们如何运用书中所提的方法论打破僵局。这种“去美化”的记录方式，极大地降低了阅读的距离感，让我感觉就像是直接参与了一场高水平的设计复盘会议。它坦诚地展示了创意工作中的挣扎、妥协与最终的胜利，这比那些只展示完美结果的范本更有教育意义。阅读它，如同得到了一位经验丰富导师的私密指导，教会你如何优雅而有效地处理设计工作流中的各种“意外”。

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我是在一个充斥着浮躁气息的行业背景下接触到《广告设计To Object》的，环境里大家都在追逐下一个“爆款”的视觉噱头。所以，当这本书以一种近乎“反潮流”的姿态出现时，我感到了一种久违的踏实感。它的可贵之处在于，它毫不避讳地将“商业目的”与“艺术形式”放在天平的两端进行拷问。书中有一段论述，关于广告设计最终的“Object”——那个被创造出来的产品或信息，必须具备极强的“生命力”和“可复制性”，否则便无法在市场洪流中存活。这并非空谈，书中随后用一系列案例展示了如何通过结构化的设计语言，确保一个视觉形象可以在从户外大牌到移动端App图标的任何介质上保持一致的辨识度和冲击力。它教导的不是如何“美化”，而是如何“固化”和“标准化”创意的核心价值，让它能够抵抗媒介的稀释。对于那些在大型品牌体系中工作、需要管理跨平台视觉资产的设计师来说，这本书提供的系统性思维远比单个设计技巧来得珍贵。

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这本书的叙事风格和内容深度，完全超出了我对一本“设计工具书”的固有认知，更像是一本关于“沟通效率与人性弱点”的社会学观察手册。它很少直接谈论软件界面，而是将重点放在了“目标受众的认知偏差”上。例如，书中花了很长一章来探讨“认知负荷理论”如何影响平面广告的阅读时间，以及如何在信息爆炸的时代通过降低用户的决策成本来提高点击率。这部分内容对于我这个常年与转化率打交道的市场人员来说，简直是宝藏。作者巧妙地将复杂的行为科学模型，转化成了可以在设计稿中直观应用的原则。我甚至开始怀疑，作者的背景是心理学研究员而非纯粹的设计师。书中对“信任元素”的构建分析尤为精妙，它探讨了为什么某些字体和布局会不自觉地被大脑标记为“权威”，而另一些则被归类为“垃圾信息”。这种对“潜意识接收”的深入剖析，让我对自己过去那些基于“感觉”进行的设计决策产生了强烈的质疑，迫使我必须用数据和人脑科学来武装我的每一个设计决策。

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我得承认，我最初购买这本书是带着一种功利的目的——想找到一些能立即提升我作品集视觉冲击力的技巧。毕竟，市面上充斥着大量速成手册，我期待的是那种“看完立刻就能做出高逼格设计”的捷径。然而，《广告设计To Object》完全没有满足我的这种期待，反而给我上了一堂深刻的“反捷径”教育课。书中大量篇幅详细拆解了“视觉结构”的底层逻辑，它不是教你如何使用特定的滤镜，而是深入到网格系统、黄金分割在非对称构图中的“破坏性”运用。我印象最深的是关于“负空间”的章节，作者用近乎建筑学的严谨态度，分析了画面中“未被占据的区域”如何成为引导视线和传递情绪的主导力量。这种对形式的执着，让我开始重新审视我过去那些自以为“满”的、堆砌元素的拙劣设计。它没有给我现成的模板，而是给我了一套拆解和重构任何既有视觉系统的思维框架。读完后，我并没有立刻做出一个惊艳的作品，但我开始懂得为什么某些看似简单的设计能经久不衰，那是因为它们骨子里有着严密而优雅的理性支撑。这本书的阅读体验是缓慢而充满挑战的，它要求你不仅要看懂文字，更要用设计家的眼睛去“解码”书中的每一个图示。

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