具体描述
Fischli and Weiss are highly prestigious, bluechip contemporary artists who work with sculpture, photography and video, positioned at the very cutting edges of new art. They represented Switzerland in the Venice Biennales of 1995 and 2003, and won the Leone d'Oro prize in the latter for their slideshow Will Happiness Find Me? The style of the work is extremely varied; what remains consistent throughout is an air of quiet unpredictability. The mood of the work ranges from the humorous (a clay figure group of 1981, for example, entitled Mick Jagger and Brian Jones Going Home Satisfied after Composing 'I Can't Get No Satisfaction'); to the banal (a photographic series devoted to Airports); and even the apparently invisible (their Untitled installation, simulating through minutely detailed polyurethane sculptures an unfinished exhibition site). Fischli & Weiss' work can be immune to the rules of gravity, for example in the Quiet Afternoon series, photographs of miraculously balanced objects. The pair's work also seems able to overcome the constraints of time and space, for example in their apparently endless journeys, resulting in the innumerable Visible World picture-postcard photographs of cities all over the world. With a truly unique body of work which is sometimes childishly thrown together, sometimes a virtuoso triumph of sculpture and moving image, this is the first book to draw together the mystery and contradiction of Fischli & Weiss. Fischli & Weiss have exhibited extensively worldwide. Their solo exhibitions include the Centre Georges Pompidou, Paris (1992), the Museum of Contemporary Art, Los Angeles (1988) and the Tate Modern, London (2005).
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阅读这本册子的过程，与其说是视觉欣赏，不如说是一场慢节奏的冥想练习。它对速度的抗拒是显而易见的。没有快速剪辑带来的刺激，没有炫技式的后期处理，一切都以一种缓慢、沉着的方式铺陈开来。这种节奏感对我这种平时信息摄入过快的人来说，是一种强迫性的“减速带”。我发现自己开始对作品中的每一个元素——一块水泥地上的裂缝、一个被忽视的警示标志、一堆即将坍塌的纸箱——给予远超寻常的关注。这种细致入微的观察，最终培养出一种心流状态。它不要求你得出任何明确的结论，它只是耐心地展示，然后让你自己去感受那种微妙的、介于荒谬与诗意之间的张力。这本书仿佛在低声耳语：慢下来，去看看你每天都走过的地方，去触摸那些你以为已经习惯的材质，你会发现，你所熟知的一切，其实都带着一丝陌生的光芒。这种体验是极其宁静且富有启发性的。
评分这本书给我的最大感受是那种跨越文化、跨越时代的“局外人”视角。它没有明显的地域特征，那些出现的物体和场景——无论是欧洲的工业遗址，还是某种全球共通的办公家具——都好像被抽离了具体的时空背景，成为一种纯粹的符号存在。这使得作品具有了一种惊人的普适性。作为一个读者，我不需要了解任何背景知识，就能立刻被那种疏离感和陌生感所吸引。这是一种非常高明的处理方式，它避开了文化解释的陷阱，直接触及了人类经验中最基本的一些母题：劳动、等待、物质的衰变、以及人与被创造物之间的关系。这种冷静的、近乎人类学观察员的视角，让我觉得自己正在阅读一份来自未来的考古记录，记录着二十世纪末至二十一世纪初人类文明留下的那些耐人寻味的“遗迹”。这本书的价值，在于它提供了一个独特的、非情感驱动的参照系，来审视我们自身所处的这个由人造物构筑的世界。
评分我是一个对“日常的异化”主题特别着迷的观察者，而这本作品集简直是为我量身定做的教科书。它不是那种用惊世骇俗的题材来吸引眼球的艺术，它的力量恰恰在于它对最平凡、最“无聊”事物的近乎偏执的关注。比如那些被遗弃在路边的塑料袋，在他们的镜头下，它们不再是垃圾，而更像是某种暂时的雕塑，被风塑形，被日光漂白，充满了存在的焦虑与哲思。还有那些固定不变的、重复性的工作场景——搬运、堆砌、等待——这些本来应该被快速遗忘的瞬间，被定格成了一种近乎永恒的循环。我感觉创作者似乎在用一种极其冷静、近乎科学测量般的态度，去解构我们习以为常的世界，然后将碎片以一种全新的逻辑重新组合。这种“非戏剧化”的处理方式，反而激发了我更深层次的联想，迫使我思考：我们到底错过了生活中的多少“非重点”？书中的每一个镜头都像是一个精心设计的陷阱，等你靠近，才发现陷阱里装的不是危险，而是深刻的反思。
评分从美学构图的角度来看，这本书展示了对极简主义和结构主义美学的极致运用。它很少依赖于复杂的故事性叙事，而是将重心放在了形式本身的纯粹性上。线条的垂直与水平对比、材质的冷硬与光影的柔和之间的微妙张力，构成了画面的骨架。我尤其欣赏他们对透视法近乎数学般严谨的运用，许多场景都利用了深远的景深，将观众的视线牢牢地锁定在画面深处的一个点上，那种被引导的感觉非常强烈，仿佛是走入了一个由几何学构建的迷宫。这种对秩序的追求，在一些看起来杂乱无章的场景中也得到了体现——即便是随机堆放的物品，在他们的镜头下，也仿佛遵循着某种未被言明的、潜在的物理或哲学法则。这让我想起早期的现代主义建筑设计，强调功能与形式的统一，而在这里，功能被替换成了“存在”本身，形式则通过光影和角度被提炼到了极致。每一次观看，都能从这些简洁的构图中发现新的平衡点和新的断裂处。
评分这本画册的装帧设计本身就是一场视觉的盛宴，硬壳封面那种沉甸甸的质感，配合着那种略带磨砂的触感，让人一上手就感觉到了艺术品的重量。内页纸张的选择也极其考究，那种微微偏暖的米白色调，让原本就极具个性的作品在光线下呈现出一种沉静而又富有生命力的光泽。我特别留意了色彩的还原度，很多日常生活中难以捕捉的微妙过渡，比如一滴水珠即将破碎的瞬间，或是工业材料表面那种独特的锈蚀纹理，都被精妙地捕捉并忠实地呈现了出来。翻阅的过程与其说是看书，不如说是一种沉浸式的体验，仿佛每一次翻页都是一次对时间、空间和物质性的重新审视。尤其是那些多页对开的大幅照片，它打破了传统画册的固定框架，强迫你的目光在作品的宏大叙事和细微肌理之间来回游走，那种体验是数字屏幕完全无法比拟的。摄影师对光线的掌控达到了近乎苛刻的精准，即便是最平凡的场景，也因为那道恰到好处的侧光，而获得了雕塑般的立体感和永恒的意味。这本书的排版也极为大胆，有些页面留白极多，反而将焦点更加集中地引向了画面本身；而另一些地方，文字信息被巧妙地融入到图像边缘，如同作品的低语，而非喧宾夺主。
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