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出版者:The Museum of Modern Art, New York

作者:Eva Respini

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:20040401

价格:$34.95

装帧:

isbn号码:9780870700408

丛书系列:

图书标签:

• Photography
• fashion
• 时尚
• 摄影
• 帕森斯教材
• Photography
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• Fiction
• Contemporary Art
• Visual Culture
• Postmodernism
• Image-Making
• Representation
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• Cultural Studies

《重塑图像：20世纪以来时尚摄影的叙事转向》 作者： [此处可填入一个虚构的、符合学术风格的作者名，例如：伊丽莎白·卡特赖特 或 阿历克斯·陈] 出版社： [此处可填入一个虚构的、具有专业声誉的学术出版社，例如：牛津大学出版社 或 麻省理工学院出版社] 出版年份： 2024年 --- 内容提要 《重塑图像：20世纪以来时尚摄影的叙事转向》是一部深入剖析20世纪中期至今，时尚摄影如何从单纯的商品展示工具，演变为复杂、多层次的文化叙事载体的学术专著。本书聚焦于时尚影像美学、意识形态以及其与社会变迁之间的动态关系，探讨了在消费主义、全球化和数字技术三重驱动下，时尚摄影如何重塑了“理想身体”、“奢华定义”以及“视觉真实性”的边界。 本书拒绝将时尚摄影视为边缘化的商业艺术，而是将其置于当代视觉文化研究的核心位置，通过对一系列关键摄影师、标志性出版物和品牌运动的细致考察，揭示了时尚图像如何成为权力运作、身份建构和抵抗策略的交汇点。 --- 章节结构与核心论点 本书共分为六个主要部分，层层递进，构建了一个关于时尚摄影叙事演变的完整框架： 第一部分：根基与转型——从“纯粹功能”到“风格宣言” (1950s – 1970s) 本部分追溯了战后时尚摄影的黄金时代，重点分析了那些试图摆脱传统影楼布景，将时尚引入真实世界场景的先驱者。我们考察了杂志编辑（如康德·纳斯特和戴安娜·弗里兰）如何利用叙事驱动的图像来塑造读者对特定生活方式的渴望。核心论点在于，这一时期的摄影师开始意识到，照片本身的内容比被拍摄的服装更具持久的文化价值。 关键议题： 时尚摄影的“电影化”倾向；从纪实美学中汲取灵感；“梦想工厂”的构建与解构。 第二部分：反叛的镜头——后现代语境下的挪用与解构 (1980s) 1980年代是时尚摄影叙事开始剧烈自我批判的时期。在后现代思潮的冲击下，年轻一代的摄影师开始挑战上个十年建立起来的“完美”和“优雅”范式。本部分深入研究了对现存时尚符号的戏仿、拼贴与颠覆。 案例分析： 探讨了如何通过引入“丑陋”（Ugliness）的美学——粗粝的灯光、非传统模特、场景中的社会边缘元素——来反讽中产阶级化的消费神话。关注点在于，时尚摄影如何学会运用讽刺来达到更深层次的吸引力。 第三部分：权力的肖像——时尚、名人与身份的商品化 (1990s 初期) 本部分关注时尚摄影与名人文化的融合，以及这种融合如何重塑了公众对“真实性”的认知。当名人不再仅仅是服装的展示架，而是成为叙事的中心驱动力时，时尚图像的效力达到了一个新的高度。 聚焦： 对“超模”现象的剖析——她们是如何从被拍摄者转变为具有强大品牌影响力的视觉主体？分析了通过特定摄影师和造型师的合作，如何构建出具有强烈个人风格，却又服务于商业目的的“偶像肖像”。 第四部分：全球化景观与异域情调的生产 (1990s 中期 – 2000s 初期) 随着时尚产业进入全球化扩张阶段，时尚摄影的取景地也随之扩张。本部分探讨了在异域风情（Exoticism）的呈现中，摄影师如何无意或有意地参与了对非西方文化的视觉简化和浪漫化。 批判性视角： 分析了“旅行”主题在时尚杂志中的叙事功能——它不仅是关于服装的，更是关于一种可供消费的、地理上被驯服的冒险主义。书中细致辨析了当代摄影师如何在利用异域元素的同时，努力避免落入殖民主义的刻板印象陷阱。 第五部分：数字革命与后图像时代的形变 (2000s 中期 – 2010s) 数字技术的普及，特别是图像编辑软件的普及，对时尚摄影的“真实性”基础构成了根本性的挑战。本部分探讨了这种技术变革如何催生了对“完美无瑕”的极端追求，以及随之而来的审美疲劳和反思。 核心研究： “数字化修饰”的伦理边界；“Photoshop式美学”的兴起与批评；以及新兴的、强调“不完美”和“未完成状态”的摄影风格，作为对过度精修的反动。这一时期的叙事，开始更多地关注视觉加工本身的故事。 第六部分：媒介融合与体验经济中的时尚叙事 (2010s 至今的早期趋势) 最后一部分展望了时尚摄影在社交媒体、沉浸式体验和跨平台传播背景下的新形态。当静态的杂志页面不再是唯一的发布渠道，时尚叙事必须适应短视频、直播和即时反馈的节奏。 未来展望： 分析了时尚影像如何从线性的、编辑驱动的叙事，转变为碎片化、互动性和用户生成内容（UGC）交织的复杂网络。探讨了在这一新媒介环境中，摄影师如何重新定义“原创性”和“持久性”的价值。 --- 写作风格与学术贡献 本书的写作风格严谨而富有洞察力，避免了浮夸的行业术语，而是采用清晰的、基于视觉理论和文化研究的分析框架。作者娴熟地运用了结构主义、符号学和后殖民批评的工具，对大量视觉案例进行深入的文本化解读。 《重塑图像》的独特贡献在于，它系统地展示了时尚摄影的叙事策略是如何与更宏大的社会政治议题（如性别流动性、种族表述、消费资本主义的内在矛盾）紧密交织的。它不仅仅是一本关于“如何拍摄”的书，更是一部关于“我们如何通过时尚图像来理解世界”的深度研究，为艺术史、媒体研究和时尚理论领域提供了关键的交叉视角。本书旨在引导读者超越服装本身，去解析光影、构图和编辑选择背后所蕴含的复杂文化密码。

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当我开始阅读《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》时，我并未预料到它会如此深刻地改变我对时尚摄影的看法。这本书的核心在于它阐述了自1990年以来，时尚摄影如何逐渐脱离了单纯的商业属性，演变成一种能够构建和讲述故事的艺术形式。作者的论证逻辑严谨，通过大量的实例分析，展示了摄影师如何通过镜头语言，将静态的服装和人物转化为流动的叙事。我特别被书中关于“意象构建”的部分所吸引，摄影师如何利用象征性的元素、隐喻性的表达，在画面中埋下故事的伏笔，引发观者的联想。这些图像不仅仅是美丽的展示，更是充满了故事的线索，等待着被我们细细品味。书中还探讨了时尚摄影与当代艺术思潮的紧密联系，许多作品都充满了实验性和观念性，它们试图通过视觉化的方式，来探讨社会、文化、身份等更为宏大的议题。我从书中看到了时尚摄影在观念表达上的巨大潜力，它不再仅仅是迎合潮流，而是能够引领思考，甚至挑战既定的观念。这本书的价值在于，它不仅是一本关于摄影的书，更是一本关于如何用图像进行深度沟通的书，它为我理解当代艺术和文化提供了一个全新的视角。

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《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》这本书，如同一场精心策划的视觉盛宴，将我们带入了一个由1990年至今的时尚摄影构筑的虚构世界。我翻阅这本书时，最先被吸引的是其对细节的极致追求。作者并非泛泛而谈，而是选取了极具代表性的作品，逐帧、逐景地解读其叙事内涵。例如，书中对某位摄影师如何利用阴影来烘托人物的孤独感，以及如何通过场景中的道具来暗示一段关系的起始或终结，都进行了极为细致的描述。这种“显微镜式”的分析，让我能够真正理解摄影师在创作过程中所付出的心血和匠心。我尤其欣赏书中对于“虚构”这一概念的深入探讨。它解释了时尚摄影如何通过精心设计的场景、服装以及模特表现，来构建出超乎现实的叙事，从而激发观者的想象力，让他们在观看图像的同时，也在脑海中构建属于自己的故事。书中引用了许多评论家的观点，以及摄影师自身的创作理念，这使得整本书的论述更加丰富多元，也更具说服力。读完这本书，我感觉自己仿佛拥有了一双能够“读懂”时尚摄影的眼睛，能够看到那些隐藏在华丽影像背后的深层含义和情感表达。这本书的出版，无疑为研究和欣赏当代时尚摄影提供了一个宝贵的范本，其学术价值和艺术价值并存，绝对值得反复品读。

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我最近有幸读到了一本名为《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》的书，这本书以一种非常独特且引人入胜的方式，深入探讨了自1990年以来，时尚摄影如何演变为一种叙事艺术，甚至可以说是创作虚构故事的媒介。作者在开篇就旗帜鲜明地指出，如今的时尚摄影早已超越了单纯的服装展示，它已经成为了一种强有力的视觉语言，能够构建出完整的情节、塑造鲜活的角色，并引发观者的情感共鸣。书中对众多摄影师的作品进行了细致入微的分析，从他们如何运用光影、色彩、构图来营造特定的氛围，到如何通过模特的姿态、表情以及场景的选择来暗示故事的走向，都进行了深入的剖析。我尤其印象深刻的是其中对一些摄影师将经典文学作品、电影场景乃至神话传说融入到时尚摄影中的案例研究。这些案例不仅展示了摄影师的创造力，也揭示了时尚摄影在跨界艺术领域的巨大潜力。这本书的结构安排也非常合理，它并非简单地罗列作品，而是试图梳理出1990年以来时尚摄影在叙事性上的发展脉络，勾勒出不同时期、不同流派的艺术特征。我从中学到了很多关于视觉叙事和图像解读的知识，这对我理解当代艺术和文化产生了深远的影响。这本书绝对是所有对时尚、摄影、艺术以及叙事学感兴趣的读者不容错过的佳作。它不仅仅是一本关于摄影的书，更是一本关于如何用图像讲故事的书，它打开了我对视觉表达的全新认知。

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当我翻开《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》这本书时，我仿佛打开了一扇通往1990年至今的时尚摄影秘密花园的窗户，窥见了它在构建虚构叙事方面所展现出的惊人创造力。书中对摄影师如何运用镜头语言，将服装和模特转化为故事的载体，进行了深入的剖析。我尤其被书中关于“象征意义”的解读所吸引，摄影师如何在画面中巧妙地融入具有象征意义的元素，从而为作品增添更多的解读层次，让观者在观看的同时，也在进行一场有趣的“解谜”游戏。书中对一些“概念摄影”的深入探讨，让我认识到时尚摄影已经不再局限于美学的范畴，而是能够通过图像化的方式，来表达更为复杂的观念和思想。我从书中看到了时尚摄影在社会批判和文化反思方面的潜力，它不再仅仅是反映现实，而是能够通过虚构的叙事，来挑战和重塑我们对世界的认知。这本书的独特之处在于，它将时尚摄影置于更广阔的艺术史和文化史的语境下进行考察，揭示了其在当代文化中所扮演的关键角色。这本书的价值，在于它不仅是一本关于摄影的书，更是一本关于如何用图像讲故事，以及如何解读图像背后丰富含义的书。

评分☆☆☆☆☆

《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》这本书，简直就像一位经验丰富的向导，带领我深入探寻1990年至今时尚摄影的奥秘，尤其是它如何巧妙地融入了虚构叙事的力量。书中的每一页都充满了启发，它不仅仅是关于摄影技巧的展示，更是对图像叙事艺术的深刻洞察。作者通过对众多摄影大师作品的解构，清晰地揭示了他们如何在静态的画面中注入动态的故事感。我尤其对书中关于“场景构建”的分析赞不绝口，摄影师如何通过对环境、道具、色彩的精准把握，来营造出特定的氛围，进而引导观者进入一个虚构的情境。那些看似随意的摆设，实则都蕴含着叙事的信息，等待着被我们解读。书中还探讨了时尚摄影如何借鉴了电影的蒙太奇手法，通过一系列具有逻辑联系的图像，来完成故事的讲述，这让我对图像的组合和序列有了更深的理解。我从书中了解到，优秀的时尚摄影作品，能够让观者在欣赏服装的同时，也沉浸在一段引人入胜的故事之中，获得超越物质层面的情感体验。这本书的价值在于，它不仅为我们提供了丰富的视觉案例，更重要的是，它教会我们如何去“阅读”这些图像，理解其中蕴含的叙事逻辑和艺术匠心。

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《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》这本书，犹如一幅精心绘制的艺术地图，为我指引了1990年至今时尚摄影领域中，关于“虚构叙事”的壮丽景观。我必须说，这本书的深度和广度都令人印象深刻。作者不仅仅停留在表面，而是通过对大量摄影作品的细致解构，揭示了摄影师如何将静态的图像转化为动态的故事。我特别赞赏书中关于“氛围营造”的分析，摄影师如何通过光影、色彩、景深等元素，巧妙地构建出特定的情绪和场景，从而将观者带入一个虚构的世界。书中对一些“超现实主义”风格的时尚摄影的解读更是让我大开眼界，这些作品挑战了现实的边界，以独特的视觉语言讲述着充满想象力的故事。我从书中看到了时尚摄影在艺术表达上的无限可能，它不再仅仅是追逐潮流，而是能够通过视觉化的方式，来探讨深刻的哲学命题和人类情感。这本书的价值在于，它不仅梳理了时尚摄影在叙事性上的发展脉络，更重要的是，它提供了一种理解和欣赏当代艺术的新视角，让我能够更深刻地理解图像背后的意义和价值。

评分☆☆☆☆☆

《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》这本书，如同一位睿智的向导，带领我深入探索1990年以来，时尚摄影是如何将自身塑造成一个强大的叙事引擎，构建出无数引人入胜的虚构故事。书中对摄影师如何通过“视觉隐喻”来传达复杂情感和思想的分析，给我留下了深刻的印象。我曾以为时尚摄影只是关于服装的美丽，但这本书让我认识到，每一件服装、每一个道具、每一个场景，都可能是一个叙事的起点。书中对一些“电影化”摄影的解读尤为精彩，摄影师如何运用类似电影的拍摄手法，营造出强烈的戏剧张力和视觉冲击力，让观者仿佛置身于一个正在上演的故事之中。我从书中看到了时尚摄影在叙事上的多种可能性，它可以是浪漫的、神秘的、超现实的，甚至是具有社会批判性的。这本书的价值在于，它不仅为我们提供了丰富的视觉案例，更重要的是，它提供了一套理解和欣赏时尚摄影叙事性的理论框架，让我能够更深刻地理解图像的语言和力量。读完这本书，我感觉自己仿佛拥有了一双能够“阅读”图像的眼睛，能够从中发现隐藏的意义和动人的故事。

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这本书《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》彻底颠覆了我过去对时尚摄影的认知。我一直以为时尚摄影只是为了展示服装的美感，但这本书让我看到了它更深层次的艺术维度。它深入剖析了自1990年以来，时尚摄影是如何从单纯的商品推广，演变成了一种强大的叙事工具。作者通过对大量经典作品的解读，生动地展示了摄影师如何运用镜头语言，构建出引人入胜的故事。我特别喜欢书中对“角色扮演”的探讨，摄影师如何将模特转化为故事中的人物，赋予他们不同的性格、情感和命运，这一切都通过服装、妆容、造型以及场景的精心设计来完成。书中还讨论了时尚摄影与电影、文学之间的跨界联系，许多作品都充满了电影般的戏剧张力，或者借鉴了经典文学的叙事手法。这种多维度的解读方式，让我在欣赏作品的同时，也能从中汲取创作的灵感。我印象最深刻的是书中对某一组作品的分析，摄影师通过一系列看似独立的图像，却成功地讲述了一个关于爱情、失落与重生的完整故事，这让我惊叹于时尚摄影在叙事上的无限可能。这本书不仅拓宽了我的视野，也让我对艺术的理解上升到了一个新的高度。

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当我捧读《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》这本书时，我仿佛置身于一个由1990年至今的无数张照片构成的宏大叙事空间。这本书以一种极其细腻且富有洞察力的方式，揭示了时尚摄影如何从一个侧重于商品展示的领域，蜕变为一个能够构建和讲述复杂虚构故事的强大艺术媒介。作者并非仅仅呈现作品，而是深入挖掘每一幅图像背后的叙事结构和文化语境。我尤其着迷于书中对“角色塑造”的分析，摄影师如何通过服装、造型、妆容以及模特的肢体语言，赋予照片中的人物生命，让他们仿佛拥有了自己的故事和情感。书中对一些“系列摄影”的解读更是点睛之笔，这些精心编排的图像序列，共同构建出一个完整的故事弧，如同观看一部无声的电影。我从书中认识到，优秀的时尚摄影作品，能够超越单纯的视觉美感，引发观者的思考，触动他们的内心深处。这本书的独特之处在于，它将时尚摄影置于更广阔的艺术和文化框架下进行审视，揭示了其在当代社会中扮演的多元角色。这本书的价值，在于它不仅提供了丰富的视觉材料，更重要的是，它提供了一套解读和欣赏时尚摄影叙事性的方法论，让我对这个领域有了全新的认识。

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《Fashioning Fiction In Photography Since 1990》这本书，如同一扇通往当代时尚摄影隐秘花园的大门，让我得以一窥其自1990年以来在叙事性上所发生的翻天覆地的变化。书中并非简单罗列名家作品，而是致力于揭示这些作品背后的叙事逻辑和创作意图。我最欣赏的是作者对“情感渲染”的深入分析。摄影师如何通过对光线、色彩、构图的精妙运用，以及对模特情绪的精准捕捉，来唤起观者的某种情感体验，进而将他们带入一个虚构的故事之中。书中对一些“情境式”摄影的解读尤为精彩，摄影师如何搭建一个完整的场景，让服装成为故事的一部分，而非仅仅是主角。我从书中认识到，好的时尚摄影，能够让观者在短时间内产生丰富的想象，仿佛亲身经历了一段跌宕起伏的旅程。此外，书中还对时尚摄影的“类型化”进行了探讨，分析了如“超现实主义”、“哥特风格”、“怀旧风”等不同类型作品所承载的独特叙事模式。这种对不同风格的梳理，让我对时尚摄影的丰富性和多样性有了更深刻的认识。这本书不仅仅是一本摄影集，更是一本关于视觉故事学的入门读物，它让我看到了时尚摄影艺术化的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

MoMA第一为时尚摄影拍的展览，选了12位摄影师的作品：Tina Barney, Cedric Buchet, Philip-lorca DiCorcia, Nan Goldin, Simon Leigh, Glen Luchford, Steven Meisel, Cindy Sherman, Mario Sorrenti, Larry Sultan, Juergen Teller, Ellen Von Unwerth

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MoMA第一为时尚摄影拍的展览，选了12位摄影师的作品：Tina Barney, Cedric Buchet, Philip-lorca DiCorcia, Nan Goldin, Simon Leigh, Glen Luchford, Steven Meisel, Cindy Sherman, Mario Sorrenti, Larry Sultan, Juergen Teller, Ellen Von Unwerth

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