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出版者:石頭

作者:仲威

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005年06月01日

价格:NT$ 180

装帧:

isbn号码:9789579089562

丛书系列:

图书标签:

• 书画
• 书法
• 碑帖
• 艺术史
• 中国书法
• 赏析
• 书论
• 篆刻
• 金石学
• 传统艺术
• 文化遗产

书籍简介：翰墨丹青：中国传统绘画的审美与技法 引言：穿越时空的笔墨对话 本书旨在深入探讨中国传统绘画艺术的深厚底蕴、独特审美体系以及精湛的技法传承。不同于将绘画视为单纯的视觉再现，本书将中国画置于其独特的哲学、文化与历史语境中考察，力求为读者构建一个全面而立体的认知框架。我们聚焦于“写意”精神的内核，探究水墨如何超越色彩，抵达形神兼备的至高境界。本书不仅是技法指南，更是一部关于东方艺术精神的探索之旅。 第一部分：文脉溯源与哲学基础 一、中国画的“道”与“法” 中国传统绘画，自魏晋肇始，历经唐宋元明清的演变，其核心始终围绕着“以形写神”的哲学追求。本书首先追溯了中国画的起源，从壁画、墓室画到士人阶层的崛起，分析了绘画功能从宗教祭祀转向文人修养的根本性转变。 1. 阴阳五行与“气韵生动”： 我们详细阐述了中国古代朴素唯物主义哲学对绘画的影响。特别是“气韵生动”作为衡量一幅画作高下的最高标准，并非玄学空谈，而是对生命力、结构内在逻辑和精神状态的高度概括。书中引用了谢赫“六法”中的首要准则，并结合具体画例，分析如何通过笔墨的运用实现对“气”的捕捉与表达。 2. 书画同源的内在逻辑： 笔墨是媒介，更是思想的载体。本书深入探讨了中国书法对绘画的决定性影响。线条不再仅仅是轮廓，而是具有独立生命力的意象符号。从飞白到枯润，从中锋到侧锋，每一种用笔都蕴含着书写者的性情与学养。通过对比不同时代书法对山水、人物的造型影响，读者可以理解为何中国画的线条具有如此强大的表现力和叙事性。 二、文人画的兴起与美学转向 唐代以后，随着士大夫阶层的壮大，绘画逐渐脱离了宫廷院体的严格规范，转向追求个人情志的抒发。这一历史性的转折，奠定了后世中国画的主流审美方向。 1. 院体与文人的分野： 书中对比了宫廷画家（如北宋的徽宗、南宋的画院弟子）对形似与富丽的追求，与文人画家（如苏轼、米芾）对“不求形似，但求意似”的坚守。这种分野，本质上是审美价值取向的差异——是从“技”到“道”的回归。 2. 诗、书、画、印的“四绝”： 文人画的成熟标志着艺术的跨界融合。诗句的题跋不再是简单的注释，而是与画面内容形成互文关系，起到“以诗补画意”的作用。印章的选择与钤盖的位置，也成为画面构成中不可或缺的一环，共同构建了一个完整的艺术信息场。 第二部分：山水、花鸟、人物的技法精要与精神内涵 本书将中国画的题材分为山水、花鸟、人物三大门类，分别剖析其在技法和精神层面的发展脉络。 一、山水画的宇宙观 山水画是中国画中成就最高的领域，它承载了中国人“天人合一”的宇宙观。 1. 皴法的演变与地域性： 皴法是中国山水画表现山石的灵魂。本书系统梳理了披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、折带皴等主要皴法的源流，并将其与代表画家（如董源、李唐、黄公望）的地域风格紧密联系。例如，分析南派山水（江南水墨）如何以润笔表现温润的丘陵地貌，以及北派山水（雄伟山势）如何运用硬朗的皴法表现北方山脉的坚实感。 2. 墨分五色的运用： 与西方油画的色彩观念不同，中国山水画的核心是“墨法”。我们详细解析了焦、浓、重、淡、清五种墨色的层次变化及其在表现云雾、树木、远山时的不同效果。特别是“破墨法”和“泼墨法”如何打破墨色的单一性，创造出丰富的空间感和体积感。 二、花鸟画的生命赞歌 花鸟画是与士人生活最为贴近的题材，是寄托个人情怀的载体。 1. 工笔与写意的分野： 花鸟画的发展体现了极端的写实能力与极度的写意精神的并存。本书将工笔设色（如宋徽宗的院体画）的精细入微与写意水墨（如徐渭、八大山人）的率性洒脱进行对比，探讨两种技法在表现花卉生命力上的不同侧重。 2. 象征手法的解读： 梅兰竹菊“四君子”不仅是植物，更是君子品格的代称。书中逐一解读了不同花卉的文化密码——梅的傲骨、兰的幽雅、竹的虚心、菊的隐逸，帮助读者理解为何这些题材能成为中国传统艺术中经久不衰的主题。 三、人物画的“形神兼备” 人物画是中国画最早成熟的画科之一，承载了对历史、伦理和世俗生活的描摹。 1. 时代风格的更迭： 从顾恺之的“以形写神”到吴道子的“吴带当风”，再到明清的世俗化倾向，本书追踪了人物画线条表现力的演变。重点分析了白描（仅用线条勾勒）如何成为检验画家功力的试金石。 2. 传神写照的技法： 人物画的精髓在于“传神”。书中探讨了如何通过眼睛（点睛）、肢体动态（顾盼）和衣纹的走向来暗示人物的内心世界和精神状态，而非仅仅停留在外貌的描摹。 第三部分：现代视野下的继承与创新 一、清末民初的变革与“海派”冲击 晚清民国时期，西方艺术思潮的涌入对中国画形成了巨大挑战。本书分析了这一时期画家们如何应对“不变”与“变”的矛盾。 1. 传统文人画的坚守： 介绍以“四王”为代表的摹古派如何力图巩固传统，维持笔墨的纯粹性。 2. 创新力量的崛起： 重点分析“海派”画家如吴昌硕等人如何打破程式，将金石入画，引入民间艺术的粗犷趣味，使传统绘画获得了新的生命力。这种融合，体现了中国艺术在面对外来文化冲击时自我革新的强大能力。 二、当代语境中的笔墨语言 本书最后展望了当代中国画的发展趋势，强调在材料（如纸张、矿物颜料的新应用）和观念（当代审美介入）层面上的探索。核心观点是：当代中国画的创新，根基依然在于对传统笔墨精神的深刻理解和对当下生活的真诚感受。 结语：未尽的笔意 《翰墨丹青》试图以一种严谨而富有温度的笔触，带领读者进入中国传统绘画那片深邃而广袤的艺术领地。它不是终点，而是开启一场关于东方美学和生命哲学的长久对话的钥匙。阅读此书，读者将不仅学会“看”画，更学会“读”画，领略笔墨之间流淌出的千年文心。

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拿到这本大部头时，我最先关注的是它的内容广度。不得不说，作者在梳理这一领域脉络上的功力非常深厚，他似乎没有放过任何一个重要的历史节点，从早期的篆隶发展到魏晋风骨的形成，再到唐楷的规范与宋代的尚意，每一步都论述得井然有序，逻辑性极强。我尤其欣赏其中对于不同流派风格形成背后社会文化背景的深入剖析。比如，书中对颜真卿“雄浑博大”的书风如何植根于安史之乱后的时代精神的探讨，就让我对他的作品有了更深一层的理解，不再是简单的技术模仿，而是与时代精神的对话。文字叙述中那种行云流水的叙事节奏，让读者在知识海洋中遨游时，不会感到疲惫或迷失方向，而是被一种清晰的引导力带着向前。这绝非一本简单的作品赏析集，它更像是一部微缩的历史教科书，将艺术史的宏大叙事融入了对具体技法的精妙解读之中。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种淡淡的墨香和纸张的质感，一下子就把人带回了古朴的书房氛围。内页的排版也处理得非常巧妙，留白恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又凸显了文字本身的艺术性。我特别喜欢它在字体选择上的考量，那种宋体的端庄与行书的灵动交织在一起，仿佛每一页都在无声地讲述着历史的韵味。虽然我不是科班出身，但光是翻阅的过程，就已经能感受到一种沉静的力量。书中的图文比例拿捏得极好，那些历史典故和书法家的生平事迹，配上精美的插图，使得原本可能枯燥的学术内容变得生动有趣，让人忍不住想一页一页地往下看，去探寻那些尘封已久的文化瑰宝。这本书的印刷质量也无可挑剔，油墨的浓淡、线条的清晰度，都展现了出版方对品质的坚持，拿在手里沉甸甸的，很有分量感。

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我是一个非常注重实践操作的爱好者，所以对于工具书的要求往往很高，这本书在实用性上的表现，超出了我的预期。它不仅仅停留在理论层面，而是非常细致地拆解了古代书家在运笔、结字、章法上的具体技巧。书中针对几种主要的书体，提供了非常清晰的步骤图解和要点提示，甚至连笔锋的提按顿挫都描述得惟妙惟肖。我尝试按照书中的指导练习了几次，惊喜地发现，一些困扰我很久的技法难题，通过这种详尽的文字指导，竟然得到了有效的突破。这种“授人以渔”的理念贯穿全书，使得这本书成为我案头必备的工具书，而不是束之高阁的摆设。它就像一位耐心的老师，时刻准备着在你需要的时候提供最精准的指导，无论是对初学者还是有一定基础的人来说，都极具参考价值。

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从一个纯粹的艺术鉴赏者的角度来看，这本书的眼光和格局非常高远。作者似乎对“美”的定义有着自己独特的见解，他不仅仅是罗列了那些公认的“名碑名帖”，而是挖掘了许多在主流叙事中相对边缘，但艺术价值同样不可忽视的作品。书中对一些地方性书风、民间书法的探讨，为我打开了一个全新的视野。那些看似粗犷、不拘一格的作品，在作者的解读下，展现出一种直击人心的生命力，让我对书法艺术的包容性和多元性有了更深的体悟。这种不拘一格的选材和独到的见解，让阅读过程充满了惊喜，总能让你在不经意间发现新的“宝藏”。它引导读者跳出对“标准范本”的盲目崇拜，转而追求作品本身的情感张力和历史温度，非常值得细细品味。

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阅读这本书的过程，更像是一场跨越时空的深度对话。作者的文笔非常具有感染力，他善于运用富有画面感的语言，将那些遥远的墨迹仿佛带到了眼前。读到关于某位书法家生平的片段时，那种身临其境的感觉非常强烈，仿佛能感受到他握笔时的心境和落笔时的力量。尤其是一些关于书法作品背后的个人情感叙事的描写，细腻而真挚，让人在为艺术的精妙而赞叹的同时，也被蕴含其中的人文关怀所打动。这本书不仅仅是在讲解“怎么写”，更是在探讨“为什么写”，它成功地将冰冷的笔法与鲜活的人性连接起来，使书法不再仅仅是一种技能，而成为一种深刻的生命表达。这种温度感，是很多技术手册所缺乏的，也是这本书最宝贵的地方之一。

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