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出版者:第1版 (2001年10月1日)

作者:林应荣

出品人:

页数:168

译者:

出版时间:2002-10-1

价格:25.0

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787806672341

丛书系列:

图书标签:

• 大提琴
• 古典音乐
• 乐谱
• 器乐
• 音乐
• 外国音乐
• 选集
• 演奏
• 练习
• 艺术

《西方古典音乐之旅：从巴洛克到浪漫主义》 导言：穿越时空的音乐画卷 本书旨在带领读者进行一次深入而广阔的西方古典音乐探索之旅，时间跨度从巴洛克时期（约1600年）的庄严与精巧，横跨古典主义的明晰与平衡，直抵浪漫主义的激情与个性解放。我们聚焦于那些奠定西方音乐史基石的作曲家、关键的音乐形式演变，以及特定历史时期下音乐的社会功能与审美取向。本书并非一部单纯的曲目赏析手册，而是力求构建一个理解音乐如何随着时代思潮、技术进步和社会变迁而不断演进的宏大叙事框架。 我们将详细剖析不同乐器在特定时期的地位变迁，探讨和声语言的发展脉络，并以若干标志性作品为例，揭示作曲家们如何运用音乐语言来表达复杂的情感、描绘宏大的叙事或纯粹的结构美学。 --- 第一部分：巴洛克的回响：秩序、装饰与对位 (1600–1750) 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满活力和极端对比的时代。在这个时期，音乐的驱动力源于对精细结构、强烈情感表达（Affektenlehre，情感理论）以及炫技性的追求。 1. 歌剧的诞生与早期发展 我们将从意大利的佛罗伦萨和威尼斯开始，探究“歌剧”这一戏剧性音乐形式是如何从文艺复兴晚期的尝试中脱胎而出，并迅速成为欧洲宫廷和市民阶层最喜爱的艺术形式。重点分析早期歌剧的结构——咏叹调（Aria）与宣叙调（Recitative）的区分与功能，以及蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）在《奥尔费奥》中对戏剧冲突与音乐表现力的融合所做的开创性贡献。 2. 器乐的独立与声部的交织 巴洛克时期是器乐真正独立于声乐并确立其自身规范的关键阶段。 协奏曲的形成： 详细考察大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲（Solo Concerto）的结构差异。以维瓦尔第的《四季》为例，解析“托纳利奥”（Ritornello）结构的运作机制，以及如何通过快速与慢速乐章的交替来制造戏剧张力。 赋格与对位艺术的巅峰： 巴赫（Johann Sebastian Bach）是这一领域的集大成者。我们将深入剖析《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》，解释复调音乐中“主题”、“应答”、“呈示部”、“展开部”和“再现部”的复杂逻辑。重点阐述对位法如何构建出既严谨又充满生命力的音乐结构，而非仅仅是技巧的炫耀。 3. 键盘音乐的革新 巴赫和亨德尔（George Frideric Handel）对键盘乐器（大键琴和管风琴）的探索达到了前所未有的深度。我们将讨论巴赫如何通过精湛的键盘技巧和对和声的深刻理解，将不同调性的音乐作品系统化，为后世的和声实践奠定了基础。此外，对亨德尔晚期清唱剧（Oratorio）的分析，将展示巴洛克音乐如何转向更宏大、更具公共性的叙事舞台。 --- 第二部分：古典主义的曙光：清晰、平衡与形式的完善 (1750–1820) 启蒙运动的精神——理性、秩序和普世性——深刻影响了古典主义音乐。作曲家们摒弃了巴洛克时期的复杂装饰，追求旋律的清晰、句法的平衡以及结构形式的标准化。 1. 奏鸣曲式的确立与主导地位 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义时期音乐的“骨架”。我们将用详尽的图解和听觉分析，解释呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）三大部分是如何通过主题的对比、调性的冲突与解决，来体现一种理性的戏剧冲突和最终的和解。重点分析海顿（Joseph Haydn）如何系统性地确立这一形式，并将其应用于交响曲、奏鸣曲和室内乐中。 2. 交响曲与室内乐的黄金时代 海顿被称为“交响曲之父”，他将交响曲从早期较为松散的四乐章结构规范化。莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）则在海顿的框架之上，注入了无与伦比的旋律天赋和情感深度，尤其是在他的晚期作品中，完美地平衡了结构严谨性与抒情性。我们将探讨四重奏（String Quartet）作为“音乐的对话”如何在这一时期成为知识分子交流思想的媒介。 3. 贝多芬的桥梁作用 贝多芬（Ludwig van Beethoven）是古典主义走向浪漫主义的关键人物。他的早期作品遵循莫扎特和海顿的规范，但随着他创作生涯的推进，他开始打破这些规范——拉长展开部，引入更强的动态对比，并在主题发展中注入强烈的个人意志和英雄主义色彩。我们将分析《第三号“英雄”交响曲》和《第五号命运交响曲》如何重新定义了交响乐的篇幅和情感承载力，预示着浪漫主义的到来。 --- 第三部分：浪漫主义的激情：主观表达与个体解放 (1820–1900) 浪漫主义音乐是对启蒙运动理性的一次有力反拨，强调情感、想象力、自然崇拜、民族主义以及对个体内在世界的深入挖掘。音乐的“意义”从服务于上帝或宫廷，转变为表达作曲家自身的独特体验。 1. 抒情性与个人化的发展 艺术歌曲（Lied）的兴盛： 以舒伯特（Franz Schubert）为例，深入探讨钢琴与声乐如何共同构建一个完整的情感世界。艺术歌曲不再是简单的歌唱配上伴奏，而是钢琴用音符“描绘”诗歌的意境。 钢琴的独奏时代： 钢琴的机械性能在这一时期得到极大提升，使得炫技与内省表达成为可能。肖邦（Frédéric Chopin）的作品几乎完全专注于钢琴，通过玛祖卡、圆舞曲、夜曲和叙事曲，展示了对波兰民族精神和细腻个人情感的深刻描绘。 2. 标题音乐与叙事性 与古典主义的“纯音乐”（Absolute Music）相对，浪漫主义大量涌现标题音乐（Program Music），即音乐直接描述一个故事、一幅画或一种情绪。李斯特（Franz Liszt）的交响诗（Symphonic Poem）是这一形式的代表，它打破了传统交响曲的乐章限制，用音乐自由地叙述故事。 3. 民族乐派的崛起与晚期交响乐 19世纪中后期，欧洲各地涌现出强调本土文化和民间音乐元素的民族乐派。我们将考察俄国“五人组”（如穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫）如何从俄罗斯民间传说和历史中汲取灵感，与德国的瓦格纳（Richard Wagner）所代表的宏大德奥传统形成鲜明对比。 最后，我们将聚焦于勃拉姆斯（Johannes Brahms）如何试图在浪漫主义的表达热情中，坚守古典主义的结构严谨性，以及马勒（Gustav Mahler）的后期交响曲如何将浪漫主义的情感张力推向近乎瓦解的边缘，为20世纪的音乐变革埋下伏笔。 --- 结论：音乐的语言与永恒的对话 本书的最终目标是培养读者一种“有声的理解力”。我们希望读者在聆听这些作品时，不仅能识别出它们的美妙旋律，更能理解这些旋律是如何在特定的历史、哲学和社会背景下被创造出来的。西方古典音乐是一部跨越四个世纪的宏伟对话，而理解其发展脉络，就是理解人类情感表达的复杂性和音乐艺术的永恒魅力。

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这本书的装帧质量实在令人赞叹，厚实的纸张，连书页的切口都处理得一丝不苟，拿在手里沉甸甸的，有一种物有所值的满足感。我原以为这样的高规格制作，里面的内容会是针对专业音乐学院学生的，会充斥着大量的德语或法语专业术语，需要频繁查阅字典才能理解。出乎意料的是，作者的行文风格非常平易近人，即便是像我这样半路出家、乐理知识相对薄弱的爱好者，也能轻松跟上其思路。他擅长用生活化的比喻来解释复杂的音乐概念，比如将复调结构的层次比作建筑的不同楼层，将对位法的张力比作一场精彩的辩论，这种叙事方式极大地降低了欣赏门槛。我特别欣赏其中对于音乐家个人传记的穿插叙述，这些小故事让原本抽象的音乐变得立体而生动，比如关于某位作曲家在创作某段旋律时经历的磨难与顿悟，读起来让人仿佛身临其境。如果说有什么可以改进的地方，那就是配图略显单调，如果能在关键的乐谱示例旁边，能附上一些历史演奏场景的黑白照片，想必能进一步增强阅读的沉浸感。

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这本书的封面设计得非常典雅，深邃的蓝色调配上烫金的书名，一下子就抓住了我的眼球。我本以为这是一本专注于古典音乐理论或者演奏技巧的学术专著，毕竟“选”这个字通常暗示着某种精选和系统的整理。然而，当我翻开目录时，发现里面收录的篇目非常具有年代感和地域特色，很多曲目都是我只在老唱片里依稀听闻过的，这让我感到非常惊喜。比如，其中一篇关于巴赫无伴奏大提琴组曲的导读，文字的运用极其考究，仿佛作者本人就是一位深谙历史脉络的音乐考古学家。他不仅仅是罗列曲目和作曲家信息，而是深入挖掘了每一首作品创作背后的社会环境和演奏传统。特别是他对演奏记号的解读，细致入微，甚至涉及到不同历史时期弓法和指法的微妙差异，读来令人大开眼界。虽然我期待的是更侧重于实际演奏指导的内容，但这种宏大叙事的历史梳理，反而让我对所演奏的作品有了更深层次的理解和敬畏，也激发了我去探索更多早期录音版本的冲动。这本书的排版也十分人性化，字体大小适中，行间距合理，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳，这对于需要反复研读乐谱注释的演奏者来说，绝对是一个加分项。

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我对这本书的期望值其实是基于它“选”这个字所暗示的广泛性和包容性，希望能够一览世界各地大提琴音乐的精华，哪怕是当代前卫的作品也能有所涉猎。然而，阅读体验让我感觉，这本书的选材范围似乎更加集中于特定的时期和流派，比如十九世纪浪漫主义时期的一些大型奏鸣曲和协奏曲选段的分析，占据了相当大的篇幅。这些经典作品的解析自然是无可挑剔的，作者对拉赫玛尼诺夫或德沃夏克作品的感情色彩把握得极为精准，文字充满了画面感和激情。但是，对于二十世纪中后期那些尝试打破传统结构、探索新音色和新技法的作品，比如一些爵士元素融合的片段或者极简主义风格的探索，这本书几乎没有提及，这多少让我感到有些遗憾。我本来很期待能看到一些关于如何处理非传统演奏技法（如使用增音器或特殊拨弦方式）的讨论。不过，从另一个角度看，这本书的优势在于其对“核心曲目”的深度挖掘，它更像是一本为严肃音乐爱好者精心制作的“必备曲目精读本”，而非一本包罗万象的曲目百科全书。如果你是初学者或者想巩固对德奥传统曲目的理解，这本书的价值是毋庸置疑的。

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这本书的装订和纸质给人的感觉是为图书馆或珍藏而准备的，印刷质量堪称顶级，即便是放大镜下看，墨迹也清晰锐利。我原本对这本书的期待是能涵盖更多跨界合作或者现代电子音乐与大提琴结合的创新性探索。毕竟，作为一门历史悠久的乐器，大提琴在当代的活力如何，一直是令我好奇的话题。然而，这本书的内容似乎更像是精心打磨的一份“古典遗产清单”，对巴洛克到浪漫主义晚期的作品进行了全景式的梳理和赞颂。每篇解析都充满了对传统美学的尊重和推崇，文字优美，引经据典，读起来赏心悦目，充满了古典的韵味。但对于当代作曲家如何拓展大提琴的音域、如何运用新的录音技术来构建听觉体验的讨论，则几乎是空白。这使得这本书在展现大提琴艺术的“过去”时光芒万丈，但在描绘其“现在”与“未来”时，则显得略微保守和留白了。它成功地巩固了我对古典曲目的认知，但未能点燃我对前沿实验的兴趣。

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我购买这本书的主要目的是想寻找一些关于大提琴不同时期演奏流派风格演变的对比分析，特别是横跨不同文化背景下的演奏差异，比如东欧学派的深沉与法国学派的灵动之间的分野。这本书确实在这一点上提供了不少信息，但这些信息往往分散在对具体曲目分析的零星段落中，缺乏一个清晰的、系统性的比较框架。作者更倾向于“个案研究”，即针对某一首作品，深入剖析其在不同时代大师手中的演绎差异。例如，他花了很大篇幅去比较两位不同世纪的大提琴家对同一首奏鸣曲中慢乐章的诠释，从揉弦的快慢到气息的控制，分析得鞭辟入里。这种微观层面的对比研究非常精彩，但从宏观上建立一个清晰的“风格地图”的意图似乎没有完全实现。对于希望快速掌握流派特征的读者来说，可能需要自己动手整理归纳。总的来说，它更像是一位资深演奏家多年沉淀下来的“悟道笔记”，而不是一本标准化的“流派教科书”。

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