中國古玉年代鑑別 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:商周出版

作者:劉如水

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004年05月06日

价格:NT$ 650

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isbn号码:9789861241739

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《汉风唐韵：中国古代艺术品鉴赏与收藏指南》 内容简介 本书并非专注于某一特定类别的中国古代艺术品，而是旨在为广大艺术爱好者、初入门的收藏家以及对中国历史文化有浓厚兴趣的读者，提供一个广阔而深入的鉴赏视野。我们试图搭建一座连接古代精湛工艺与当代审美品味的桥梁，通过对不同时期、不同门类艺术品的细致剖析，展现中华文明的博大精深与连绵不绝的艺术生命力。 本书的结构采取“主题串联，时代纵览”的方式，而非简单的按材质或年代罗列。全书共分为六个主要篇章，辅以大量的精美图片和严谨的学术考证，力求在普及知识的同时，保持学术的严谨性。 --- 第一篇：青铜的回响——礼器与世俗的交融 本篇将聚焦于中国古代金属艺术的辉煌成就——青铜器。我们将避开专注于玉石年代鉴别的叙事角度，转而探讨青铜器在不同历史阶段所承载的社会功能与审美变迁。 一、从二里头到周礼的奠基： 详细梳理夏商至西周时期青铜礼器的谱系，重点分析鼎、簋、爵等核心礼器的形制演变与纹饰的象征意义。探讨“天命”观念如何通过青铜器的铸造规格和组合方式体现出来。例如，剖析兽面纹（饕餮纹）在商代晚期由威慑向西周的礼制化过渡的过程。 二、春秋战国的变局与僭越： 这一时期是青铜艺术的转折点。我们将关注“礼崩乐坏”背景下，青铜器制作工艺的革新，如失蜡法的应用、金银错工艺的兴盛。重点分析楚文化中富有神话色彩的动物纹饰，以及中原地区诸侯国在器物铭文中追求个体功绩的倾向，展示青铜器如何从纯粹的宗庙用器转向世俗的宴乐陈设。 三、秦汉的实用化与典雅化： 探讨秦汉帝国统一后，青铜器生产的标准化和规模化。本章将侧重于铜镜、铜灯、铜带钩等生活用器的发展，分析这些器物上所反映的道家思想对艺术形态的影响，如云气纹和仙人瑞兽纹的流行。 --- 第二篇：陶土的诗篇——从彩绘到釉彩的演进 本篇将深入探讨以陶、瓷为代表的泥土艺术，着重于其装饰技法和文化内涵的转变。 一、彩陶的史前叙事： 回溯仰韶、马家窑等新石器时代文化，分析几何纹、人面鱼纹等早期陶器上的图案如何构筑早期人类的宇宙观和对生命力的赞颂。 二、汉唐的地面革命： 详述汉代低温铅釉陶的出现及其对后世瓷器的启发。重点分析唐三彩的烧制技术与色彩搭配，研究唐三彩在丝绸之路上作为外销品所体现的文化交流特征，而非仅仅关注其在墓葬中的功能。 三、宋元的瓷韵： 探讨宋代五大名窑（汝、官、哥、定、钧）各自的审美取向——汝窑的“天青”与文人雅士的“内敛”，钧窑的“入窑一色”与釉色的随机性。分析元代青花瓷的诞生，将其置于蒙古帝国全球贸易体系下理解，突出其题材的多元化和钴料来源的国际性。 --- 第三篇：丝绸上的画卷——纺织品与服饰的流变 本篇将关注那些易于损毁、却能最直观反映时代风尚的艺术载体——纺织品和服饰。 一、先秦的织机与图腾： 介绍提花技术在商周时期的应用，以及早期服饰上所用色彩和纹样（如龙凤、蟠螭）所代表的等级制度。 二、魏晋风度的飘逸： 分析魏晋时期“褒衣博带”的审美倾向与玄学思潮的关系，探讨服饰剪裁如何体现士人对自然和个性的追求。 三、明清的繁复与工笔： 重点研究明清宫廷服饰的刺绣工艺，如堆绫、缉线、平绣等复杂技法的成熟。分析“补子”制度中禽鸟、走兽图案所严格限定的官阶体系，并探讨民间刺绣（如苏绣、湘绣）在题材上对世俗生活和民间故事的描绘。 --- 第四篇：丹青的境界——山水、花鸟与人物画的审美范式 本篇聚焦于中国传统绘画艺术，将其视为哲学思想与物象观察的结合体。 一、人物画的写实与象征： 从顾恺之的“传神论”到阎立本的《步辇图》，分析人物造型的演变，及其如何服务于政治教化和历史叙事。 二、山水画的胸襟与笔墨： 探讨“外师造化，中得心源”的理念如何指导山水画创作。着重分析董源、巨然的“披麻皴”与北方画家（如李成、范宽）的“雨点皴”在地域风格上的差异，以及元四家如何将山水画推向抒发个人性情的高度。 三、花鸟画的意趣： 区分院体画的工谨细腻与文人画的写意洒脱。分析“梅兰竹菊”四君子所蕴含的文人操守，以及明清时期，如陈淳、徐渭、八大山人等大家如何通过花鸟题材寄托对时局的感慨。 --- 第五篇：文房的清趣——书斋用具与案头艺术 本篇将镜头对准文人案头，探讨书、画、篆刻、焚香、插花等一系列文人雅好所衍生的实用艺术品。 一、篆刻的刀石语言： 介绍秦汉印章的质朴风格，以及明清“吴门派”、“浙派”的流派之争。分析文人篆刻如何从实用性（印信）转向纯粹的艺术创作，及其与书法之间的互文关系。 二、竹木的雕琢与转译： 重点探讨明清时期竹刻、木雕的精湛技艺。分析竹刻文人如何将书画意境通过浅刻、深雕等手法微缩于案头把玩之物上，体现对细节的极致追求。 三、漆器的髹饰之美： 区分戗金、描金、堆漆、剔红等主要工艺，着重分析剔红工艺（如明代永乐、清代康熙）的繁复周期与皇家气派，以及民间漆器在色彩和图案上的自由奔放。 --- 第六篇：收藏的视野——审美品鉴与跨界关联 本篇旨在为读者提供一个更宏观的收藏视角，强调艺术品间的相互影响与跨文化交流。 一、工艺的互动与借鉴： 分析不同艺术门类之间的相互渗透，例如青铜器上的纹饰如何被移植到漆器和织物上；书法的用笔如何影响山水画的皴法。 二、海外遗珍与流传路径： 探讨古代艺术品在历史长河中的重要流失与回流事件，分析不同国家和文化背景下的收藏体系对艺术品价值的再定义。 三、当代视野下的传承： 引导读者思考如何用现代的眼光去理解和保护这些古代艺术的精髓，强调其作为“活历史”的不可替代性。 本书通过对青铜、陶瓷、纺织品、绘画、文房用具等多个维度的细致梳理，旨在全面展现中国古代艺术体系的宏大结构，而非聚焦于某一特定材料的年代断代学研究，为读者提供一次充实而多元的艺术之旅。

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这本书的行文风格，实在是带着一种老派学者的沉稳与克制，读起来让人感觉非常踏实。作者似乎对“一锤定音”式的断代抱有某种程度的保留，这一点我很欣赏。与其给出容易被挑战的绝对年代，不如深入剖析器物的物质性与工艺关联。我尤其喜欢它对玉料来源的探讨部分，虽然没有使用现代的地球化学分析手段，但通过对不同玉石质地、光泽和皮壳特征的传统描述，比如“羊脂白玉的温润内敛”与“青玉的森严古朴”之间的微妙差别，勾勒出了古代矿脉分布与文化圈的联系。这使得整个鉴赏过程不再是纯粹的形态学对比，而是融入了地理、冶金乃至社会学的人文视角。阅读过程中，我发现它在论述上非常注重逻辑的推演，从器物的形制、纹饰的象征意义，再到可能的礼制功能，层层递进，构建了一个完整的文化场景。这种叙事方式，让读者在学习如何“看”玉器的同时，也学会了如何“想”玉器，思考它们在当时的社会结构中扮演的角色，极大地丰富了对古代文明的理解深度，这比单纯的年代划分要耐人寻味得多。

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坦率地说，初翻这本书时，我有些许困惑，因为它似乎刻意避开了当代学术界一些热门的、已经形成定论的观点。它更像是一位资深行家闭门苦修多年后，提炼出的个人经验集锦，带着强烈的个人色彩和独到见解。书中对于某些常见器物如玉璧、玉琮的“功能再定义”部分，观点颇为新颖，甚至有些颠覆传统认知。例如，作者对于某些玉璧上繁缛的“乳钉纹”的排列密度与天文观测之间的可能关联，提出了一套基于几何学和声学的复杂推测，虽然缺乏直接的考古证据佐证，但其严谨的论证过程和丰富的类比，无疑为我们打开了研究古代哲学思维的新窗口。对于那些已经读过大量标准教科书的资深藏家而言，这本书的价值恰恰在于它的“非主流”视角，它挑战了你既有的知识结构，迫使你去重新审视那些耳熟能详的器物，去追问“为什么会是这样？”而不是满足于“它就是这样”。它更像一本激发思考的“反教科书”。

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这部新近出版的玉器鉴赏图录，简直是为我们这些痴迷于古代工艺的藏家们准备的饕餮盛宴。它的装帧精美绝伦，光是捧在手里，那种厚重而典雅的质感就已经让人心生敬畏。内页的印刷技术实在是一绝，那些玉器的高清彩图，纹理的细腻程度、沁色的过渡变化，都展现得淋漓尽致，即便是隔着纸面，仿佛都能感受到千年寒玉的冰凉触感。尤其值得称赞的是，它对于玉器断代和地域风格的探讨，虽然没有直接给出明确的年代标尺，但它通过大量不同历史时期典型器物造型的对比分析，构建了一个非常直观的视觉学习体系。比如，对于红山文化玉猪龙的几种主要形态演变，它罗列的实例之丰富，远超我之前所见过的任何一本专业书籍。通过这种海量的实物对比，一个有经验的鉴赏者自然能在脑海中建立起一套初步的、基于视觉信息的年代判断框架。这本书更像是高水平的“视觉训练手册”，强迫你的眼睛去适应和分辨那些细微的雕刻语言和时代特征，而非简单地提供一个结论性的表格。对于希望提升实战眼力的爱好者来说，光是临摹和研究图版中的细节，都足以耗费数月光阴，收获颇丰。

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我最欣赏这本书的地方在于，它将“年代鉴别”的讨论提升到了一个更高的、更哲学的层面，即探讨“风格的生命周期”。作者并没有提供一个清晰的、可直接套用的年代坐标系，而是通过对不同时期玉器雕刻工具痕迹的细致入微的描述，展现了不同历史阶段的工匠技术极限与审美偏好的迭代。例如，书中对商代晚期至西周早期玉器上“双勾线”和“隐起线”处理手法的对比分析，非常精妙地揭示了工具打磨精度如何随着青铜铸造技术的发展而进步。这种“技术考古”的视角，让原本抽象的年代感变得具象化。你阅读的不是简单的“这是哪个朝代的”，而是“这个时期的工具只能做到这个精度，因此它属于这个阶段”。这种基于工艺细节的推论，即使在没有更多实物佐证的情况下，也具有很强的说服力，因为它回归到了最本质的——玉器是如何被创造出来的——这个核心问题上。这本书无疑是为那些追求工艺本源的深度爱好者准备的，它让你学会用“工匠的眼睛”去看待历史。

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这本书的排版设计简直是一场灾难与辉煌并存的体验。一方面，它的图文混排非常大胆，有时为了突出某件器物的局部细节，文字会绕着图片进行非常规的布局，这在视觉上带来了极强的冲击力和艺术感，充分展现了出版方对古玉美学的追求，确实达到了博物馆图录的水准。但另一方面，对于习惯于线性阅读的读者来说，这种跳跃性极强的编排，使得快速定位信息变得异常困难。你必须放慢速度，像解谜一样去追踪作者的思路。这种阅读体验非常“慢”，要求读者有足够的耐心沉浸其中，不适合快速查阅。然而，这种挑战性的阅读过程，反而促使我更加深入地去体会每件器物与文字之间的内在联系。它仿佛在用一种极具挑战性的方式告诉读者：鉴赏古玉，从来就不是一个可以被快速速成的过程，你必须投入时间和心力去“磨合”你的认知。这种仪式感的阅读体验，本身就是对古代匠人心血的一种致敬。

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工艺鉴别和纹饰鉴别的差异在哪里？！

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