芥子園畫譜－名家畫譜(5) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文堂

作者:摹古原本

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000年01月29日

价格:NT$ 160

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isbn号码:9789576006630

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《宋元名家山水畫技法探源》 一、引言：溯源與宏觀 《宋元名家山水畫技法探源》旨在深入剖析中國藝術史上兩座輝煌的里程碑——宋代與元代山水畫的藝術精髓、技法體系與哲學內涵。此書並不著重於對特定畫譜的逐頁解析，而是致力於從宏觀的歷史脈絡與微觀的筆墨構成兩方面，提煉出宋元兩代畫家在表現自然、抒發胸臆方面所達成的藝術高峰。全書以宋代院體畫的精細入微與文人畫的淡泊寫意為兩極，展開細緻的比較與論述，為當代繪畫學習者和研究者提供一套系統化、理論與實踐並重的參考指南。 二、宋代山水畫的時代精神與技法體系 宋代，特別是北宋，是中國山水畫發展的黃金時代。其核心精神在於“格物致知”的科學精神與對宇宙秩序的敬畏感。 1. 北宋巨碑式的全景山水： 本書首先聚焦於范寬、李成、郭熙等大家。我們將探討他們如何通過“雄偉壯闊”的構圖，營造出令人屏息的崇高感。 范寬的“雨點皴”與“密不透風”的結構： 深入分析范寬如何運用層次分明的皴法來塑造秦隴地區山體的厚重與堅實。特別會解析他處理山頂雲霧繚繞、結構嚴謹的獨特手法，這不僅是筆墨技巧，更是對北方山川生命力的捕捉。 李成的“側鋒”與“寒林”： 李成畫中的筆法蒼勁，樹木多呈“偃蓋頭、抑枝”之態，本書將詳述其如何用側鋒畫出枯木的遒勁與蕭瑟，營造出遼闊、清冷的氣氛。 郭熙的“卷雲皴”與“可行、可望、可游、可居”的空間哲學： 郭熙是空間處理的大師。我們將重點剖析他如何運用“三遠法”（高遠、深遠、平遠）來引導觀者的視線，並結合其《林衡》中的理論，闡釋宋人如何將觀畫視為一種精神漫遊的體驗。 2. 南宋院體畫的“意境”轉向： 進入南宋，隨著國勢轉衰，山水畫的氣氛從北宋的雄渾轉向了精緻與內斂。 馬夏的“邊角式”構圖： 馬遠、夏圭是“一角半邊”構圖的代表。本書將專門分析他們如何通過大片的留白（計白當黑），將視覺焦點集中於畫面的局部，以達到含蓄、深遠的意境，這與北宋的滿幅經營形成鮮明對比。 院體畫的用墨精微： 探討南宋畫院對墨法層次的極致追求，尤其是對水墨暈染和乾濕濃淡的精確控制，以表現江南煙雨迷濛的氣象。 三、元代山水畫的文人化轉向與筆墨革新 元代，隨著蒙古統治下的社會變遷，傳統的宮廷畫派逐漸式微，文人畫成為主流。這一時期的藝術核心從“寫實”轉向了“寫意”，強調個人學養與情感的投射。 1. 元四家（黃公望、吳鎮、倪瓚、王蒙）的風格譜系： 本書將以元四家為核心，系統梳理他們如何將書法融入繪畫，實現“以書入畫”的質的飛躍。 黃公望的“平淡天真”與“披麻皴”的提煉： 黃公望被譽為“畫聖”，他的技法貴在自然與簡約。我們將解析他如何將披麻皴運用得出神入化，使山石顯得溫潤圓潤，充滿士人的閒適之氣。 吳鎮的“墨戲”與“蟹爪樹”： 吳鎮的畫風雄健蒼勁，書卷氣濃厚。重點分析他如何將書法筆意融入樹法的描繪，如其標誌性的“蟹爪樹”，體現了內心激盪的情感力量。 倪瓚的“疏朗空靈”與“折帶皴”的簡化： 倪瓚是極簡主義的代表。探討他如何通過極少的筆墨，大膽地使用大面積留白，來體現其高潔的人格和對世俗的疏離感。其折帶皴的運用，已趨近符號化，強調筆墨本身的線條美。 王蒙的“密不透風”與復古情懷： 王蒙在技法上融匯了前輩的精華，尤其擅長營造繁密層疊的空間。本書會分析他如何運用多種皴法，表現出歷史悠久、煙雲繚繞的古老山川意象。 2. 時代精神的轉化：從院體到文人筆墨的演變 元代的技法革新實質上是藝術主體性的回歸。本書將深入探討宋代的“形似”與元代的“神似”之間，筆墨（皴法、點苔、樹法）如何承載了不同的文化期待。宋人的筆墨多為刻畫自然之形體，而元人的筆墨則高度凝練，直接表達畫家胸中的“丘壑”。 四、核心技法對比與系統化教學 在闡述完歷史背景後，本書最後部分將進行系統的技法比較，這部分內容對當代學習者極具操作價值。 1. 皴法系統的演化： 對比分析董源、巨然的披麻皴如何演化為黃公望的披麻皴，以及李成、范寬的皴法在元代的簡化與符號化。特別將宋代強調結構的皴法與元代強調書寫性的皴法進行圖解對比。 2. 點苔與樹法的對照： 宋人點苔多用於表現山石表面的紋理和濕氣，技法較為寫實。元代點苔則更趨向於隨意點染，與畫家的個人習氣緊密結合。樹法上，將對比宋代（如李成）的嚴謹樹骨與元代（如吳鎮）的狂放樹姿。 3. 墨法與留白哲學： 對比南宋院畫的“濃淡層次”與元代文人畫的“墨分五色”在虛實處理上的差異。分析元代如何運用大面積留白，使畫面產生猶如詩歌般的節奏感和呼吸感。 結語：對當代繪畫的啟示 《宋元名家山水畫技法探源》最終落腳於對古典經驗的繼承與創新。它強調，宋元的偉大不在於單一技法的優劣，而在於他們對“筆墨”這一載體所賦予的文化重量與個人情操。本書期望引導讀者超越單純的臨摹，真正領悟宋人對自然的敬畏，以及元人對個體精神的堅守，從而在當下的創作實踐中，找到屬於自己的筆墨語言。

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我作为一个在传统水墨领域摸爬滚打多年的“老手”，对于市面上那些泛泛而谈、徒有其表的画谱早就心生厌倦。然而，这本册子却展现出了一种令人信服的深度和专业度。它没有停留在简单的“像不像”的层面，而是深入剖析了各个画科中最为核心的“骨法用笔”和“立意取势”。我着重研究了其中关于山石皴法的不同变体，发现它对比了数种风格迥异的描绘方式，并清晰地指出了每种皴法在表现特定地貌时的优势与局限。这种严谨的学术态度，对于我们这些追求技进的画人来说，是极其宝贵的财富。更难得的是，它在讲解过程中，总能巧妙地将哲学思考融入笔墨技巧之中，让人明白，中国画的精髓从来不是单纯的模仿，而是心性的外化。读罢之后，我感觉自己对传统笔墨的理解又上了一个台阶，那种融会贯通的喜悦，是任何快速教程都无法给予的。

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这本书的装帧和内容选材，流露着一种高雅的品味，这在如今充斥着商业化快餐艺术的时代，显得尤为珍贵。我最欣赏的是，它似乎超越了单纯的“技法传授”，而更像是一部关于中国文人精神的图鉴。每一页的画作，都似乎在诉说着一个隐逸的故事，充满了“可游、可居、可赏”的意境。当我将它放在茶室的书架上时，它不仅仅是一本工具书，更像是一件陈设品，时刻提醒着我，艺术创作需要一种超脱尘世的淡泊心境。我特别喜欢书中某些留白大胆的章法处理，那种“计白当黑”的智慧，让人在有限的画面中体悟到无限的宇宙。这种对意境和气韵的强调，对于当下许多过于注重细节描摹而忽略整体神韵的年轻画家来说，无疑是一剂清醒剂。它教导我们，画画最终画的是胸襟和气度。

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这本画册的装帧设计实在让人眼前一亮，那种古典与现代交织的韵味，拿在手里就能感受到制作者的匠心。我特别喜欢它纸张的质感，既有传统宣纸的温润，又不失现代印刷的细腻，使得画作的墨韵和色彩层次都得到了很好的展现。初翻开来，那些线条的精妙之处便扑面而来，仿佛能直接感受到画家运笔时的呼吸和节奏。特别是对于初学者而言，这种直观的感受至关重要，它不仅仅是图样的集合，更像是一本手把手的入门指南，细致到每一笔的起承转合，都充满了学习的价值。我本来对某些传统绘画技法总是不得要领，但对照着书中的范例仔细揣摩后，那些曾经晦涩难懂的口诀仿佛一下子被点亮了，真正体会到了“形神兼备”的含义。这本书的排版布局也十分考究，留白恰到好处，让人在欣赏画作的同时，不会感到视觉疲劳，反而能在宁静中沉浸下来，细细品味其中的奥妙。光是欣赏这些大师的作品，就已经是一种心灵的洗涤了。

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坦白说，我购买这本书的初衷是想找一些可以快速模仿、用于应付一些公开展览的速成素材。但当我真正开始研习时，发现自己完全低估了它的“功力”。它没有提供那种“一笔出成品”的捷径，反而像一位严格的师父，要求你从最基础的结构入手，扎扎实实地打磨每一个细节。比如，书中对花卉的结构分解，不是简单地描摹花瓣的形状，而是追溯到植物的生长逻辑和气韵流动。我尝试按照书中的步骤去临摹一枝竹叶，发现即便是看似简单的几笔，背后也蕴含着关于平衡、动势和疏密关系的复杂考量。这迫使我必须放慢速度，去理解“为什么”要这么画，而不是仅仅满足于“如何”画。这种由浅入深、层层递进的编排方式，虽然在短期内无法带来“立竿见影”的效果，但从长远来看，它无疑是在为我的艺术生涯构建一个更加坚固的地基。

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从一个纯粹的收藏爱好者的角度来看，这本画册的收藏价值是毋庸置疑的。从纸张的选择到印刷的精密度，都体现了出版社对经典作品应有的尊重。我特别注意到了装订线的处理，它足够坚固，能够承受多次翻阅和临摹的磨损，这对于一本实用的画谱来说至关重要，毕竟好的工具书是需要经常使用的。而且，它的开本设计非常人性化，既方便在画案上平铺展开进行细致对比，又能在抱着阅读时保持舒适的持握感。虽然我本身可能不会像专业画家那样深入到每一个皴法细节的拆解中去，但仅仅是作为一种对传统美学的致敬和欣赏，这本书就已经值回票价了。它放在那里，本身就是一种视觉的享受和精神的滋养，代表着对中国传统艺术脉络的一种延续与珍视。

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