台灣近現代水墨畫大系傅狷夫 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:藝術家

作者:黃光男

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004年06月01日

价格:NT$ 600

装帧:

isbn号码:9789867957894

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图书标签:

• 傅狷夫
• 台灣水墨畫
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• 水墨
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• 繪畫技法

台灣近現代水墨畫大系——傅狷夫 【藝術史脈絡中的獨特光譜】 本書旨在深入探討二十世紀以來，臺灣水墨畫發展的歷史軌跡、美學轉向與藝術家的群像。不同於傳統單一畫家的傳記式梳理，本書採取宏觀的、結構性的視角，試圖描繪出一個多層次、充滿張力的藝術生態系統。從日治時期對傳統中國繪畫的繼承與革新，到戰後「去中國化」與「本土化」的拉扯，再到當代水墨藝術的多元實驗，本書完整呈現了臺灣水墨畫如何在全球化與在地文化脈絡中，確立其獨特的藝術地位。 本書的結構圍繞幾個核心議題展開：首先，是對戰前臺灣畫壇的考察，特別是那些在不同文化衝擊下尋求轉型的早期畫家；接著，焦點轉向戰後大陸移入畫家與本土畫家之間的互動、衝突與融合，探討「筆墨」在臺灣這片新土地上如何被重新詮釋；第三部分則聚焦於藝術教育體系對水墨傳承的影響，以及不同畫派（如強調抽象表現的「五月畫會」、繼承傳統筆墨的「新生代」等）的興衰與對話；最後，本書將展望當代水墨藝術的邊界拓展，討論其在當代藝術語境下的新可能性。 --- 第一部：時代的底色與筆墨的萌芽（戰前至戰後初期） 在探討臺灣水墨的發展時，不能忽視其特殊的歷史背景。日治時期（1895-1945）為臺灣帶來了現代化的衝擊，但也同時確立了嚴格的文化體制，這使得傳統中國繪畫的傳承顯得複雜而曲折。 一、殖民地下的繪畫教育與傳承： 本章分析了臺灣早期受教育的畫家群體。他們或透過私塾接受傳統基礎訓練，或在公學校接觸到日本的寫生教育。這種雙重訓練，一方面保有了筆墨的基本功，另一方面也植入了西方的造型觀念。探討當時臺灣畫壇的「士人畫」傳統如何與新興的「學院派」產生摩擦。我們將考察如陳英士、林玉山等人在確立地方畫派風格上的貢獻與其面臨的困境。 二、戰後光譜的重組： 1945年後，大量大陸畫家隨國民政府遷臺，帶來了他們在中國大陸深厚的傳統修為與學院經驗。這股力量迅速成為戰後臺灣水墨畫的主流聲音。本書將細緻分析這些「南渡」畫家如何將他們在上海、南京等地的師承體系，在臺灣重新紮根。他們的到來，一方面極大地提升了水墨的技法層次，另一方面，也使得本土畫家面臨巨大的「正統性」挑戰。這段時期，水墨畫的表現主題，從早期的山水花鳥，逐漸帶入對臺灣社會的關懷，即便在風格上仍以「正統」為依歸。 --- 第二部：美學的轉向與現代性的叩問（1950s – 1970s） 戰後的政治與社會氛圍，要求藝術必須回應時代的巨變。水墨畫不再能僅僅是傳統的再現，它必須證明自身具備「現代性」。 一、外來文化的衝擊與自我確立： 在西方現代藝術浪潮的席捲下，臺灣的藝術界開始質疑傳統水墨的封閉性。本書將深入研究戰後藝術圈對「抽象藝術」的探索。這不僅是風格的改變，更是對水墨媒介本質的重新認識。水墨不再是描繪具象世界的工具，而是表達內心感受的媒介。 二、五月畫會的興起與論戰： 「五月畫會」的成立是臺灣水墨現代化進程中的關鍵節點。他們大膽將水墨語言與西方抽象表現主義相結合，試圖打破筆墨的既有限制。本書將分析其創始成員（如劉國松、李仲生等人的影響）的創作理念，特別是他們如何透過「水墨的變革」來達成「現代性的轉化」。這包括對傳統筆墨技法（如皴法、渲染）的解構與重組，以及對紙、墨、水媒材本身的實驗。 三、中西交融的具體實踐： 與激進的抽象派並行發展的，是尋求在傳統中尋求現代性出口的藝術家群體。他們堅信水墨的「精神性」不能丟失，但表現方式需要革新。這部分將考察如何透過拓展水墨的載體（如使用宣紙以外的材料）、改變構圖的空間感，以及融入臺灣在地景觀元素，來使水墨具有當代視角下的生命力。 --- 第三部：本土意識的勃發與多元格局的形成（1980s 至今） 隨著社會環境的開放，臺灣本土意識抬頭，藝術表達也隨之走向多元化與地域性。 一、從「筆墨」到「水墨」的語言確立： 到了八〇年代，學界與畫壇開始更清晰地界定「水墨」與「國畫」之間的差異。水墨被視為一種獨立的藝術語言，擺脫了依附於「中國傳統」的歷史包袱。這時期出現了對「筆墨精神」的再詮釋，不再拘泥於古人筆法，而是強調藝術家個人「性情」與「氣韻」的直接流露。 二、臺灣山水精神的重新捕捉： 許多畫家開始將目光轉向自己成長的土地——臺灣。本書將分析不同畫家如何捕捉臺灣的亞熱帶氣候、多變的地形（如霧氣瀰漫的山脈、強烈的季風影響）來形塑其水墨風格。這不再是傳統文人筆下的「胸中山水」，而是對生活環境的直接感應。 三、當代水墨的邊界拓展： 近年來，水墨藝術持續向外探索。本書將探討水墨如何介入裝置藝術、複合媒材，以及數位媒介的討論中。藝術家們如何利用水墨的「滲透性」與「流動性」，來探討諸如身份認同、記憶殘留、自然環境變遷等當代議題。這標誌著水墨藝術已完全融入全球當代藝術的語境，成為臺灣藝術光譜中不可或缺的一環。 總結： 本書透過對臺灣近現代水墨畫發展脈絡的細膩梳理，展現了這門古老藝術如何在一個不斷變遷的社會、文化與政治環境中，展現出驚人的生命力與適應性。它是一部關於傳承、挑戰、創新與自我發現的繪畫史，記錄了臺灣藝術家如何以筆墨為媒介，書寫屬於自己時代的視覺宣言。

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这本书的装帧实在令人惊艳，从拿到手的那一刻起，就能感受到它沉甸甸的分量和对艺术的尊重。纸张的选择非常考究，那种微微泛着柔和光泽的质感，与水墨画的意境完美契合。印刷的精度也无可挑剔，即便是最细腻的笔触和墨色的晕染，都能清晰地呈现出来，仿佛原作就悬挂在眼前。我特别喜欢它在细节处理上的用心，比如扉页的设计，那种留白的处理，简直就是一门无声的教学。每一次翻阅，都像是一次与古人对话的仪式感，让人不自觉地放慢呼吸，去感受那份穿越时空的宁静。外壳的设计简洁中带着力量，既能很好地保护内容，本身也成为了一件值得收藏的艺术品。对于一个热爱实体书触感的读者来说，这本书的物理呈现本身就是一种享受，远非电子扫描版可以比拟。它成功地将艺术作品的精髓，通过高品质的物质载体，传递给了读者，这点上，出版方绝对是下了大功夫的。

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我一直以为，要真正理解一位画家的艺术脉络，需要阅读大量的学术论述，但这本书通过其精妙的选篇和编排，提供了一种完全不同的、更为直观的路径。它就像一位默不作声的向导，带着读者走过艺术家创作生涯中的关键转折点。你不需要急着去阅读任何辅助文字，光是看着这些画作的演变——从早期的细腻工整，到中期的笔墨解放，再到晚期的苍劲洒脱——那种风格的迭代和心境的升华，就自然而然地在你眼前铺展开来。这种按照时间线索和风格特征进行组织的方式，比生硬的理论灌输要有效得多。它培养的是一种“眼力”，一种能够直接从作品本体中读取信息和情感的能力。对于渴望建立自己审美框架的年轻一辈来说，这种“以图证史”的叙事方式，无疑是提供了最坚实的基础。

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这本书在内容的选择上，体现了一种对艺术史重要性的深刻洞察力。它不仅仅收录了那些广为人知、流传甚广的“名作”，更难能可贵的是，它将一些可能在小范围展览中出现，但对理解艺术家创作理念至关重要的作品也一并纳入。这种平衡感非常到位，既有教科书式的经典地位的保障，又有学者研究的深度挖掘。每幅画作旁边的简短说明文字，虽然篇幅有限，但用词精准，切中要害，有效地勾勒出该作品在艺术家创作谱系中的位置和其技法上的创新点，绝无冗余的赞美之词。这种克制而有力的文字处理，恰到好处地衬托了画作本身的主体地位，使得整本书的学术价值得到了极大的提升，让人感受到的是一种严肃的、不浮夸的艺术精神。

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这本书带来的，与其说是一次知识的获取，不如说是一次精神上的“洗礼”。它仿佛在喧嚣的都市中开辟了一个专门用来沉思的场域。当我置身于这些水墨构建的世界里时，外界的纷扰仿佛都被那浓淡干湿的墨痕隔绝在外。那种“计白当黑”的哲学思考，那种对自然万物内在精神的捕捉，通过这种大开本的呈现，产生了令人震撼的共鸣。我从中学习到的，更多的是一种生活态度和对“道”的体悟，而不是单纯的技法分析。它教会你如何在有限的笔墨中，去展现无限的空间和情感张力，这种东方美学的精髓，通过这本书的阅读体验被放大和强调。合上书卷的那一刻，总会有一种意犹未尽的感觉，并激发着我拿起笔，去尝试捕捉生活中那些稍纵即逝的美好瞬间。

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这本书的排版布局简直是一场视觉的盛宴，它绝不仅仅是简单地把画作罗列在一起，而是融入了非常深厚的编辑智慧。每一幅画作的尺寸和位置都经过了精心的权衡，它们在跨页上的展开方式，极大地增强了作品的气势和细节的可读性。你很少看到将一幅巨幅作品切割得如此自然流畅，既保证了整体的视觉冲击力，又能在局部放大时，依然保持着画家笔下的那种气韵生动。尤其值得称赞的是，在色彩还原度上，它达到了一个极高的水准，那些微妙的焦墨、淡墨与干笔皴擦的层次感，被精准地捕捉了下来，这对于研究水墨语言的读者来说，简直是莫大的福音。这种对“观看体验”的极致追求，使得阅读过程本身变成了一种沉浸式的艺术鉴赏体验，让人能够真正沉浸到创作者构建的世界里去体会那份“一墨千山”的意境。

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