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出版者:三采

作者:三采文化

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004年01月27日

价格:NT$ 480

装帧:

isbn号码:9789867744692

丛书系列:

图书标签:

• 旅遊
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• 历史
• 建筑
• 民俗
• 摄影
• 江南
• 散文

敦煌石窟艺术探微 本书旨在深入剖析敦煌莫高窟的艺术成就、历史演变及其在世界文化遗产中的独特地位。它并非一部笼统的敦煌概览，而是聚焦于壁画、彩塑等核心艺术载体的风格流变、技法革新以及其背后所蕴含的宗教哲学思想。 第一部分：石窟的开凿与早期曙光 本部分追溯了敦煌石窟的肇始，详细考察了十六国时期至北魏早期的开窟动机与初期艺术特征。我们不探讨任何关于中国古镇的游览体验或地理考察，而是将目光完全锁定在莫高窟的物理空间与艺术表现上。 早期洞窟的形制与布局： 深入分析了第272窟、254窟等典型早期洞窟的建筑结构，探讨了覆斗顶、中心塔柱等形制如何适应早期佛教仪轨的需求。例如，对中心塔柱上佛像与壁画的布局关系进行细致的空间学解读。 源流与融合： 重点阐述了早期壁画中犍陀罗艺术、笈多艺术与中原汉地艺术的交融过程。通过对早期供养人形象、飞天造型的笔触和线条的细致比对，勾勒出这种跨文化融合的视觉轨迹。其中，对早期晕染法（如“凹凸法”）的运用，将如何模拟体积感和光影效果，进行专门的技法剖析。 第二部分：盛世气象——隋唐的辉煌定格 隋唐时期是敦煌艺术的巅峰，本书将通过对隋大兴善寺风格的过渡，重点剖析盛唐（尤指高宗、武周至盛唐初期）壁画艺术的成熟与定型。 初唐的“吴带当风”的再审视： 这一节将摒弃对“飘逸”一词的浪漫化描述，转而从线条的力度、转折的节奏感以及衣纹的结构性分析其对前代“秀骨清像”风格的继承与超越。通过对比永恒的飞天形象，探讨其身体结构如何从瘦削转向健硕、饱满。 盛唐“天下归心”的宇宙观： 集中分析了以第158窟、第362窟为代表的经变画的宏大叙事。探讨弥勒经变、法华经变中，如何通过空间层次的设置、人物密度的处理，构建出一个庄严、有序的佛教理想国。对盛唐佛本生故事中人物神态的刻画——从平静到激昂的情感张力——进行深入的心理学分析。 彩塑的“圆融”： 详述唐代塑像（如弥勒佛、观音像）的面相特征，如“满月形”的脸庞、微妙的嘴角弧度，以及其多层施彩（如“泥塑填彩”、“沥粉贴金”）的复杂工艺，揭示其宗教仪式功能与其美学表达的统一性。 第三部分：中晚唐的地域性与世俗化转向 安史之乱后，敦煌艺术开始显露出地域化和世俗化的倾向。本书将关注藩清时期和归义军时期（晚唐五代）的艺术变化。 “西域化”的影响： 探讨吐蕃统治时期壁画风格对敦煌的影响，主要体现在人物服饰的异域特征、色彩的趋于浓烈以及构图的扁平化趋势。分析了部分洞窟中出现的密宗题材及其在敦煌的本土化变异。 五代时期的家族图景： 详细梳理五代时期壁画中的供养人行列，不再是早期简单的布施者形象，而是开始具备更强的肖像画特征。分析这些画像如何通过服饰细节、排列方式反映了河西走廊地方势力的兴衰更迭。 第四部分：技法、颜料与保护 本部分完全脱离图像内容，专注于敦煌艺术的物质基础和科技保护研究。 矿物颜料的化学密码： 对壁画中使用的青金石（群青）、朱砂、孔雀石等矿物颜料的产地考证、研磨工艺及稳定性进行化学分析。探讨不同历史时期，画师对特定颜色的偏好如何影响整体色调的演变。 壁画的底层结构： 揭示敦煌壁画“草稿—灰层—底光—色层”的复合结构，特别是草稿的绘制技法（如“墨线勾勒”、“炭精粉印花”），以及如何通过X射线荧光光谱分析来识别不同层次的物质成分。 现代保护的挑战与成就： 探讨风化、盐碱化、微生物侵蚀对壁画的物理破坏机制，并详细介绍现代加固、病害治理（如“衬砌技术”、“可溶性盐转移技术”）的科学原理和实践案例。 结语：跨越千年的对话 本书的最终目的，是带领读者理解敦煌艺术并非一成不变的宗教符号集合，而是一部持续了千年、不断吸收外来元素、并进行本土化再创造的宏大视觉史诗。全书所有论述均围绕石窟艺术的内部逻辑展开，不涉及任何其他区域的文化或旅游活动。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，那种略带粗粝感的纸张触感，配上扉页上那幅手绘的古朴地图，瞬间就将人拉入了一个尘封已久的时空隧道。我尤其喜欢那种留白的处理，不像有些旅游指南那样恨不得把每个角落都塞满密密麻麻的文字和照片，它更像是一本老者的私人游记，只选取了那些真正触动心灵的瞬间进行描摹。比如对某一处石板路的描写，作者用了整整两页篇幅，细致到青苔的颜色、雨后水渍的形状，以及踩上去时那种特有的“咯吱”声，仿佛我真的能闻到空气中弥漫着的湿润泥土和陈年木料混合的味道。书中的插图并非那种高清晰度的数码照片，而是采用了一种类似水墨晕染的风格，色彩沉稳内敛，恰到好处地烘托出古镇那种历经沧桑后的静谧与安详。阅读过程中，我时常会停下来，合上书本，闭上眼睛，试图在脑海中构建出那个画面，那种沉浸式的体验是其他许多同类书籍难以提供的。它不仅仅是记录了“看”到的景色，更是记录了“感受”到的历史重量和生活气息，让人在快节奏的现代生活中，寻得一处可以慢下来的精神栖所。

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从排版和印刷质量来看，这本书无疑是豪华的，但它的价值绝非仅在于物质的精美。这本书的结构非常巧妙，它没有采用传统的地域划分，而是以“光影”、“声响”、“气味”和“触感”这四种感官维度来组织内容。这种感官导向的叙事方式，彻底颠覆了我以往阅读旅游文学的体验。我从来没有想过，可以仅凭对“气味”的描述，就能清晰地分辨出不同时节古镇的差异——春日里新磨的米粉带着清甜的淀粉香，夏夜里老井边茉莉花的浓郁，秋日黄昏时远方柴火饭的烟火气。特别是关于“声响”的章节，作者记录了古镇一天从黎明到深夜的所有声音：鸡鸣、更夫的梆子、木船划破水面的声音、孩童的嬉闹，甚至包括了寂静本身发出的低沉嗡鸣。这种全方位的感官调动，让读者不再是被动地“看”景点，而是主动地“活”在了那个环境中，沉浸感无与伦比。

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这本书的独特之处还在于它对“失落”的关注。很多描绘古镇的书籍热衷于展示翻修一新的街道和商业化成功的店铺，但这本书却将目光投向了那些正在消亡的角落——那些被拆除的旧屋基、无人问津的后巷、被遗忘在角落里的老物件。作者像一个考古学家，小心翼翼地揭开这些“被遗忘”的碎片，并赋予它们重新讲述故事的权利。他详细记录了一个即将搬迁的老木匠的工具箱，里面的每一把凿子、刨刀都刻着使用者的名字和年限，每一个磨损的痕迹都在诉说着一段被时代抛弃的技艺传承。这种对“消逝之美”的深情回望和挽歌式的记录，使得全书笼罩着一层淡淡的忧伤，但这种忧伤并非消极，而是激发了读者对保护文化记忆的责任感。读完后，我感到一种强烈的冲动，想要立刻去探访那些尚未被过度开发的角落，在它们彻底消失之前，感受那份难得的真实与原味。

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我必须承认，初翻这本书时，我对它的期待值其实是比较低的，毕竟市面上关于“古镇”的主题书籍多如牛毛，大多流于表面，无非是些必去景点和标准化的餐饮推荐。然而，深入阅读后，我发现作者的视角极其刁钻且深刻，他似乎对那些宏大叙事不感兴趣，反而对那些被时间轻易抹去的小人物的生活细节情有独钟。他花了好大力气去追溯某个老铁匠铺的家族传承，记录了他们祖辈在铸造一块门环时所倾注的心血，甚至连铁匠铺里炉火的温度变化和敲打声的韵律都被细致地捕捉下来。这种“微观史学”的写法，让原本冰冷的建筑和街道获得了鲜活的灵魂。我读到一处关于古镇戏台的故事，不是讲台上名角多么风光，而是聚焦于幕后服装师如何一丝不苟地缝补戏服，以及她在缝补过程中对逝去光阴的喃喃自语。这些片段极其琐碎，却又无比真实，它们共同编织出了一张饱满而有层次的古代生活网络，远比导游的讲解来得震撼人心。

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这本书的文字功力达到了令人咋舌的境界，简直像是一坛陈年的老酒，初闻平淡无奇，细品之下，后劲十足，回味悠长。作者的遣词造句充满了古典的韵味，但他又巧妙地避开了那种矫揉造作的仿古腔调，使得文字既典雅又不失亲切感。比如，他描述清晨薄雾笼罩下的河流时，用到了“水气如帛，轻笼石桥，天光微泄其间，万物皆隐若仙”这样的句子，寥寥数字，画面感便扑面而来，那份朦胧的美感仿佛能穿透纸页。更难得的是，作者在叙事中嵌入了大量的个人哲思，这些思考并非突兀的议论，而是水到渠成的感悟，是对时间流逝、人生无常的深沉反思。读到某处残破的城墙时，他联想到的不是军事防御，而是墙砖上苔藓的生命力与人类文明的短暂性，这种将自然哲学与人文历史相结合的笔法，极大地提升了阅读的深度和广度，让人在行走古镇的想象中，同时完成了一次精神的洗礼。

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