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出版者:上海辞书出版社

作者:岳宏

出品人:

页数:140

译者:

出版时间:2005-2

价格:288.00元

装帧:

isbn号码:9787532617296

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瀚海拾贝：中国古代文人画的流变与精神 (A Collection of Essays on Chinese Literati Painting) 图书简介 一、引言：笔墨的哲学——探寻中国文人画的独特精神内核 《瀚海拾贝：中国古代文人画的流变与精神》并非一部单纯的画作汇编，而是对中国文人画（士人画）这一独特艺术门类的深度剖析与历史梳理。本书以时间为轴，以精神为纲，旨在揭示自魏晋至近现代，中国知识分子如何通过笔墨这一媒介，构建其超越功利、寄托性灵的文化宇宙。 文人画，在中国艺术史中占据着至高无上的地位，它区别于工匠之作的“技”，而重在“道”的体现。它不仅仅是描绘自然景物，更是画家内心世界的“胸中丘壑”的外化。本书将从哲学基础、审美范式、历史节点、地域流派等多个维度，对这一复杂的文化现象进行系统阐释。 二、历史的纵深：从“风流不羁”到“以画言志”的演进 本书第一部分着重于文人画的历史源流考证，力求还原其从萌芽到成熟的每一个关键环节： 1. 魏晋风度与“画为心声”的滥觞： 探讨“竹林七贤”与士大夫阶层的关系，重点分析谢赫的“六法”中“骨法用笔”如何被赋予超脱的个人情怀，而非仅仅是技法要求。我们将深入探讨顾恺之的“传神写照”理论在山水画领域被如何继承和转化。 2. 唐代转折：青绿山水与水墨先声： 尽管唐代山水画尚未完全独立，但李思训的富丽堂皇与王维的“诗中有画、画中有诗”构成了鲜明的对比。本书将细致分析王维开创的水墨淡雅一派，如何初步确立了士人以“逸”为尚的审美取向，并探讨其受禅宗思想的影响。 3. 五代宋初的典范确立——荆关与董巨： 重点分析荆浩、关仝、董源、巨然等人在北方与江南地区对山水母题的开创性贡献。他们构建了中国山水画的两种基本笔墨体系——“斧劈皴”与“披麻皴”，并使山水画的哲学意涵彻底深化，成为表达宇宙秩序与个体安顿的载体。 4. 宋代文人画的审美自觉：苏轼与“论画”的理论基石： 苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫不殊；论画以神似，则入于妙道”，是文人画理论的里程碑。本书将详述苏轼、黄庭坚等人在理论上如何将绘画提升至与诗词同等的地位，彻底将画家群体从宫廷画师与匠人中分离出来。 三、精神的内向：文人画的核心审美范畴解析 本书的精髓在于对文人画所追求的“意境”进行细致的解剖，这部分内容侧重于美学分析： 1. “逸”与“雅”：品格高于技巧的价值判断： 阐释“逸品”作为文人画的最高追求，它意味着一种脱离世俗、洒脱不羁的人格展现。我们将对比“逸品”与“神品”、“妙品”，说明文人画评价体系的内在逻辑——人格（德）的投射。 2. 笔墨语言的象征意义： 详细考察“皴法”、“点苔”、“用墨”等技法元素如何被赋予象征意义。例如，松针象征坚贞，竹子象征虚心有节。墨色的浓淡干湿，不再是单纯的物理现象，而是情绪波动的直接体现。 3. “虚实相生”的哲学：留白的空间叙事： 探讨中国画中“留白”（计白当黑）的独特艺术处理。这种处理不仅是构图的需要，更是道家“无为”思想在视觉艺术中的体现，是邀请观者共同完成创作意境的空白地带。 4. “四君子”的文化密码：梅兰竹菊的永恒主题： 作为文人画中最常出现的题材，本书将分别考证梅（傲霜）、兰（幽香）、竹（中空有节）、菊（隐逸）的文化符号学意义，及其在不同朝代被借用来表达士人的政治抱负与隐退情怀。 四、地域的差异与流派的纷呈 本书将梳理不同地域文人画群体的风格差异，避免将“文人画”视为铁板一块： 1. 湖州与“元四家”的革新： 重点分析赵孟頫提出“书画同源”后，元代如何将书法入画推向极致。探究黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家，如何通过简练的笔墨语言，表达对宋代遗民的复杂情感，及其对后世写意画的奠基作用。 2. 吴门画派的世俗化与精致化： 分析沈周、文徵明等吴门画派代表人物，在明代中后期，如何将文人画的趣味性与市场的需求相结合，使绘画在保持文人气息的同时，更具装饰性和可赏性。 3. 董其昌的“南北宗论”及其深远影响： 深入剖析董其昌的理论体系，特别是其“南北宗”划分对后世文人画发展的双重影响——一方面确立了“以书入画”的理论正统，另一方面也为后来的创新者设置了挑战的靶子。 五、结语：传统与现代的对话 本书最后部分聚焦于近现代文人画的困境与转型。探讨在西方艺术思潮冲击下，如“四王”的守旧与“新安画派”的探索，以及二十世纪初期如齐白石、吴昌硕等大家如何吸收民间力量与金石入画，对传统文人画进行“现代化”的呼吸。 《瀚海拾贝》力求以严谨的学术态度，结合流畅的叙事风格，为读者构建一个清晰、立体的中国古代文人画精神图谱。阅读本书，便是与千年前的智者进行一场关于生命、自然与艺术的深刻对话。它提供的不是“看图识画”的指南，而是“知其所以然”的洞察力。

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我必须说，这本书的选材眼光极为独到，它的多样性和广度着实令人惊喜。从早期的仿古习作到成熟期的个人风格确立，再到晚期回归淳朴的写意探索，读者可以清晰地追踪到一位艺术家的成长轨迹和心路历程。这种时间维度上的跨度和风格上的变化，使得全书的阅读体验充满了层次感和立体感。尤其欣赏它对主题的深度挖掘，比如几组关于“松与竹”的系列作品，每一幅都有其独特的韵味，或刚劲有力，或清雅脱俗，绝无雷同之感。作者对于题材的驾驭能力达到了炉火纯青的地步，即便是最常见的题材，也能被赋予全新的生命和视角。这本书为我们提供了一个绝佳的样本，展示了如何通过持续的艺术实践，不断超越自我，实现从“技”到“道”的升华。对于想深入了解某一地域或某一画派发展脉络的爱好者而言，这是一本极具参考价值的重量级作品。

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这本书的整体编排和叙事节奏，给我带来了耳目一新的感受。它不是那种堆砌作品的图册，而更像是一部充满思考和哲理的图文集。不同于许多强调技巧的画册，这里更侧重于探讨艺术创作背后的心境与哲学思辨。那些穿插在画作之间的文字，如同涓涓细流，不急不躁地阐述着画家对于“道法自然”的理解，对于“笔墨当随时代”的实践。特别是对几幅重要作品的深度解析，剖析得入木三分，让我明白了看似随意的几笔，背后蕴含着怎样的取舍与取意。阅读过程更像是一场与智者之间的对话，它引导着我跳出“看热闹”的层面，去领悟艺术形式下更深层次的文化内涵。这本书的价值，绝不仅仅在于展示了多少精美的画作，更在于它为我们提供了一套理解和欣赏中国传统艺术的全新思维框架，非常值得反复研读和体会。

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这本书的装帧和印刷工艺堪称一绝，简直是艺术品的典范。要知道，在数字化时代，能够将水墨艺术的微妙层次和宣纸的肌理感完美复刻到纸面上，是一项极大的挑战。然而，这本画集出色地完成了任务。尤其是那些大尺幅的复制品，即便是最细微的飞白和墨色的渐变，都被精准地捕捉和再现，几乎能感受到原作的呼吸。这种对细节的极致追求，体现了出版团队对原作艺术精神的尊重。此外，书中的留白处理也极为高明，恰到好处的边距和页码设计，没有让任何一页显得拥挤或单调，使得每一幅作品都有足够的空间来展现其气势和意境。可以说，这本书本身就是一件经过精心设计的艺术品，它不仅内容丰富，其作为实物的美感和触感，也极大地提升了阅读和欣赏的体验，让人爱不释手，愿意珍藏多年。

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翻开这本书，仿佛置身于一场跨越时空的艺术之旅。作者的笔触细腻而富有张力，无论是工笔的精致描摹，还是写意的洒脱挥洒，都展现出深厚的功底和独到的审美视角。尤其是那些描绘自然风光的篇章，墨色浓淡干湿之间，山川河流仿佛触手可及，那种对光影、对气韵的精准把握，让人不禁拍案叫绝。读着读着，我常常会停下来，细细揣摩那些线条的起承转合，体会画家如何在方寸之间构建出一方天地，如何用最简洁的语言表达最丰富的情感。这不仅仅是技法的展示，更是一种生命力的流淌，让人在沉静中感受到艺术的磅礴力量。这本书的装帧设计也十分考究，纸张的质感、色彩的还原度，都体现了出版者对艺术的敬畏之心。对于任何一位热爱传统艺术，渴望从经典中汲取灵感的读者来说，这无疑是一份珍贵的精神食粮，让人在快节奏的生活中，找到一处可以安放心灵的角落。

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说实话，刚拿到这本书的时候，我还有些许保留，担心内容过于学院派或晦涩难懂。然而，事实证明我的担忧是多余的。这本书的叙述语言保持了一种难得的平衡——既有专业人士所需的严谨和准确性，又充满了平易近人的温度和感染力。它没有故作高深的术语堆砌，而是用一种近乎白描的方式，将复杂的艺术理论和创作心得娓娓道来。特别是在解读那些被后人奉为经典的章节时，作者的解读角度新颖，总能从意想不到的地方切入，让人茅塞顿开。这使得即便是初次接触此类艺术理论的读者，也能轻松跟上节奏，并从中获得乐趣。这种将深奥知识“普及化”而不失其“深刻性”的能力，是这本书最成功的地方之一。它成功地搭建了一座桥梁，连接了艺术的殿堂与广大的艺术爱好者，让高雅的艺术变得触手可及，充满了活力。

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他画的秋水栖禽总有种奸诈提防的神情，文革遗风吧。。。不过画的花儿是美的。怒潮壮观那幅我喜欢，画鹰才好看。

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