艺术摄影

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出版者:中国摄影出版社
作者:北京摄影函授学院教材编写组
出品人:
页数:200
译者:
出版时间:2005-5
价格:35.00元
装帧:
isbn号码:9787800078279
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

新编摄影教材是贴近实际的摄影教程,编排新颖、图文并茂,以较新的范例、较精的讲解引领读者进入精彩的摄影殿堂。

  全套教材分6册,各附光盘。

  分别为:休闲摄影、摄影基础、艺术摄影、新闻报道摄影、商业摄影、特殊摄影。

远古回响:文明的岩画与早期视觉表达 图书简介 这是一部深入探索人类早期视觉表达、追溯文明曙光中岩画艺术的深度研究专著。本书摒弃传统艺术史中对“美学”的片面关注,转而聚焦于史前人类如何通过符号、图腾和图像,构建其对宇宙、生存以及社会结构的最初理解。 第一部分:时间深处的凝视——史前艺术的考古学语境 本部分将读者带回数万年前,聚焦于那些被时间尘封的洞穴深处。我们首先探讨了岩画存在的考古学环境:它不仅仅是装饰,更是特定历史时期、特定族群生存策略和精神世界的物质载体。 1.1 洞穴的意义:圣地与公共空间 本书细致分析了世界各地重要史前洞穴遗址(如法国拉斯科、西班牙阿尔塔米拉、中国云南澄江)的选址逻辑。我们论证了洞穴内部的特定区域(如深处、狭窄空间或高处)如何被赋予宗教性、仪式性或社会性的功能。这些空间并非随意的作画场所,而是早期人类进行知识传递、集体记忆构建和身份认同塑造的“活态博物馆”。通过对不同遗址中颜料残留物和工具的分析,我们重构了早期艺术创作的物质条件与技术限制。 1.2 时间的刻度:年代测定与文化序列 我们系统梳理了当前主要的年代测定方法(如碳-14测年法、铀系法)在岩画研究中的应用与局限。通过对不同文化层中岩画风格的演变,本书构建了一个粗略但具有指导意义的视觉文化时间序列。重点分析了从具象的动物描绘(如旧石器时代晚期)向抽象符号过渡的关键时期,并探讨了气候变迁、动物群落变化对绘画主题选择的驱动作用。 第二部分:符号的低语——史前图像的语言学解析 不同于现代摄影或绘画对“再现”的追求,早期岩画的核心在于“意义的编码”。本部分致力于解读这些古老符号的潜在含义,尝试破译史前人类的“视觉语法”。 2.1 主题的谱系:狩猎、生命与转化 本书详细分类并剖析了岩画中最常见的题材:野牛、猛犸象、鹿等动物形象。不同于将它们简单视为狩猎记录,我们引入了人类学中的“巫术模仿论”、“精神图腾论”等多个解释框架。特别关注那些描绘“人与动物混合形态”的图像(如法国的“魔法师”形象),探讨其在性别角色、权力结构或萨满教仪式中的功能。我们引入了关于“生命力”(Dynamism)的概念,分析艺术家如何运用线条的动感和重复的结构来暗示能量的流动与循环。 2.2 几何与抽象:未被驯服的宇宙秩序 除了具象的动物,书中大量篇幅用于研究那些难以解释的几何图形——点阵、网格、蛇形纹、十字形标记等。这些抽象符号被认为是史前人类试图描绘不可见事物(如天气、疾病、时间、空间)的尝试。通过比较不同地理区域的符号系统,本书提出了一种可能性:这些抽象符号可能构成了某种早期的、非文字的“宇宙地图”或“社会契约”的视觉表达。 2.3 叙事的碎片:序列与空间布局 岩画往往不是孤立的单幅作品。本部分考察了图像在洞穴壁面上的布局规律,探讨是否存在某种连续的叙事结构。我们分析了主题之间的空间关系、大小比例差异,以及艺术家如何利用洞穴的自然纹理来增强图像的立体感或神秘感。这些布局可能暗示了部落历史事件的回溯、季节性的迁徙路线,或世代相传的教诲。 第三部分:物质的魔法——颜料、技术与传承 本部分关注岩画的“制作过程”本身,将其视为一种精密的工艺和知识传承体系。 3.1 地下的炼金术:颜料的采集与制备 本书详细介绍了史前艺术家使用的矿物颜料——赭石、锰黑、高岭土等。我们结合化学分析和实验考古学成果,还原了从矿石采集到研磨、调和(可能使用动物脂肪、血液或水作为媒介)的全过程。重点探讨了不同地区因地制宜的颜料选择,以及颜料的色彩选择背后是否蕴含着特定的象征意义(例如,红色与生命/血液,黑色与阴影/大地)。 3.2 工具与技法:从手指到气吹 我们细致对比了不同的绘画技法:用手指涂抹、用植物纤维刷、用木炭直接描绘,以及最精妙的气吹技术(通过中空的骨管将颜料喷射到墙面)。通过对残留指纹和工具痕迹的分析,尝试重建不同艺术家(甚至不同年龄段的创作者)在技法上的差异,揭示出早期艺术创作中可能存在的“师徒关系”和“技艺专精”。 3.3 声音与光影:仪式环境的构建 岩画的最终效果依赖于观看的条件。本书研究了早期照明技术(如油灯)如何影响了图像在昏暗洞穴中的视觉体验。此外,我们探讨了音乐、歌唱或吟诵在观看岩画仪式中的作用。图像、光线和声音的结合,共同构成了一个多感官的沉浸式体验,这种体验是理解其精神内涵不可或缺的一部分。 结论:未完成的对话 《远古回响》总结了史前岩画作为人类最早的“知识存储系统”和“身份建构工具”的地位。这些图像并非僵死的遗迹,而是人类试图超越当下、与自然和神灵对话的永恒努力。本书的最终目的是激发读者对视觉文化起源的敬畏,认识到每一道刻痕、每一抹色彩,都是我们追溯自身文明谱系的宝贵线索。 本书适合考古学、人类学、艺术史及文化研究领域的学者与爱好者阅读。它提供了一个超越传统美学范畴的、扎实的、跨学科的视角,来理解人类最早的创造性冲动。

作者简介

目录信息

第一章 什么是艺术摄影 一、什么是艺术摄影 二、艺术摄影的历史脉络  (一)摄影术的发明与写实主义摄影  (二)绘画主义摄影  (三)纯粹派摄影与新即物主义摄影  (四)超现实主义摄影  (五)抽象主义和主观主义摄影 三、艺术摄影的主要题材  (一)人像摄影  (二)风光摄影  (三)静物摄影  思考题第二章 艺术摄影的构成 一、技术完整的图片 二、运用视觉语言进行艺术表达,强化审美取向 三、能够引起观众的共鸣 四、艺术的生命是创新 思考题第三章 人像艺术摄影 一、人像艺术摄影的器材选择  (一)相机的选择  (二)镜头的选择  (三)胶片的选择  (四)影室灯与闪光灯  (五)人像摄影的其他相关器材 二、室内人像摄影的布光技巧  (一)影室布光的5种基本光位  (二)伦勃朗布光法  (三)蝶形布光法 三、拍摄角度与人摄影的姿态选择与调整  (一)确定拍摄的角度  (二)人像摄影的基本面  (三)人像摄影的基本姿态 四、户外人像拍摄技巧  (一)户外摄影的场景选择  (二)户外光线运用  (三)如何调动人物的情绪营造摄影画面的意境 五、人像摄影作品的肖像权问题  (一)什么是肖像权  (二)如何解决人像摄影的肖像权问题 六、人像艺术摄影精彩作品赏析第四章 风光艺术摄影 一、风光艺术摄影的器材选择  (一)相机的选择  (二)镜头的选择  (三)胶片的选择  (四)各种滤色镜  (五)风光摄影的其他相关器材 二、风光艺术摄影的题材选择 三、风光摄影的测光与曝光控制  (一)测光  (二)曝光控制  (三)曝光补偿与包围光法 四、广角镜头与长焦镜头在风光摄影中的应用  (一)广角镜头  (二)长焦距镜头 五、风光摄影的构图技巧 (一)画幅的选择 (二)画面的地平线的处理 (三)构图的几种常见形式 六、不同气象条件下的风光摄影 七、风光艺术摄影精彩作品赏析 思考题第五章 静物艺术摄影 一、静物艺术摄影的特点 二、静物艺术摄影的器材选择 (一)照相机的选择 (二)镜头的选择 (三)近摄装置 (四)胶片的选择 (五)静物摄影的其他相关器材 三、静物艺术摄影的技巧 (一)静物艺术摄影构图的基本要求 (二)静物艺术摄影构图 (三)静物艺术摄影的背景选择 (四)静物艺术摄影拍摄角度的选择 (五)静物艺术摄影中的光线运用 (六)静物艺术摄影中的影调与色调处理 四、静物艺术摄影精彩作品赏析思考题
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读后感

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用户评价

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我通常对那些关于“时间管理”或“效率提升”的自助类书籍敬而远之,总觉得它们过于功利和肤浅。然而,这本探讨“注意力经济下认知负荷管理”的书,却让我刮目相看。它没有给出任何“每天早起五点半”的口号,而是从神经科学和信息处理的角度,剖析了我们大脑在面对海量信息输入时是如何“宕机”的。作者深入浅出地讲解了“选择的悖论”以及“持续分心”对长期记忆和创造力产生的累积性损害。书中提出的“心智沙盒”概念尤其具有启发性,它建议我们主动为思维创造“无输入”的时段,以促进深层思考和模式识别。阅读这本书的过程,与其说是学习技巧,不如说是在进行一次彻底的自我认知修复。它提供了一种更具人文关怀的视角来看待现代生活的节奏,让我明白,真正的效率,来自于对“不重要之事”的坚定拒绝,而不是对“重要之事”的过度压缩。

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对于一个业余的自然科学爱好者来说,这本关于深海生物多样性的科普读物,简直是一场视觉与知识的盛宴。我原以为深海世界就是一片漆黑和寂静,但作者通过详尽的文字描述和极其罕见的影像资料(书中的插图质量高得惊人),将那个幽闭的生态系统描绘得活灵活现。最让我震撼的是,它不仅介绍了那些奇形怪状的生物,更深入探讨了它们为了适应极端高压、无光和低温环境所进化出的那些匪夷所思的生存策略。比如,关于某些生物如何利用化学能而非光合作用维持食物链的解释,逻辑严密又充满想象力。作者的文风非常具有感染力,他没有采用那种高高在上的专家腔调,而是像一个兴奋的探险家,急切地想与读者分享他的发现。读完后,我对地球上生命力的韧性和创造性有了全新的敬畏感,感觉自己好像刚刚进行了一次对未知领域的史诗级探索。

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这本关于古典文学巨著的选本简直是为我这种刚入门的爱好者量身定做的!它的编排方式非常贴心,不像有些选本那样堆砌难懂的原文,而是巧妙地挑选了那些最能体现作家风格和时代精神的片段。我特别喜欢它在导读部分的处理,那种深入浅出、娓娓道来的叙述腔调,让我感觉不是在啃一本学术著作,而是在听一位博学的长者分享他与这些文字相伴一生的心得。比如,对某位诗人复杂心境的剖析,作者没有简单地给出结论,而是通过对比他不同时期的作品,展现了那种微妙的心理波动,读完后我仿佛对那个时代知识分子的纠结有了更直观的理解。而且,注释的质量也令人称赞,那些看似不起眼的典故或地方方言,被解释得清晰透彻,极大地降低了阅读的门槛。我常常在阅读过程中,忍不住停下来查阅那些背景资料,而这本书提供的背景信息总是恰到好处,既丰富了理解,又不会喧宾夺主,让阅读的流畅性大打折扣。总而言之,这是一本能让人从心底里感到愉悦和收获的文学入门指南。

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说实话,我买这本关于全球历史变迁的通识读物,主要是为了应付一个研讨会。起初,我担心它会过于宏大叙事,导致细节缺失,变成一部枯燥的年表。但出乎意料的是,作者在处理跨越数千年的历史进程时,展现了令人惊叹的叙事控制力。它没有采用传统的“朝代更迭”模式,而是巧妙地选择了几个关键的“转折点”——比如某项农业技术的扩散、某种贸易路线的开辟——作为章节的核心,然后围绕这些核心点,辐射性地探讨了周边文化和社会结构受到的影响。这种网状的、非线性的梳理方式,让我第一次清晰地看到了不同文明之间看似无关的事件是如何相互牵动、最终导致历史转向的。我特别喜欢其中关于“信息流动速度”如何影响帝国兴衰的论述,它将历史分析提升到了一个更具普适性的层面。这本书的价值在于,它不是让你记住多少日期和人名,而是让你理解历史发展的内在逻辑和驱动力。

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我必须承认,我对这本关于现代建筑美学的专著最初抱有很大的怀疑。市面上关于“美学”的书籍太多了,大多是空泛的理论堆砌,让人抓不住重点。然而,这本书的切入点非常犀利且独特——它聚焦于“光影与结构在非对称空间中的对话”。作者似乎有一种魔力,能把那些冰冷坚硬的钢筋水泥,描绘成拥有生命的、呼吸着的实体。书中对某个具体案例的分析尤其精彩,它没有停留在表面的线条和色彩,而是深入探讨了建筑师在面对特定地理限制和功能需求时,如何通过光线的折射和阴影的交错来“雕刻”空间感知。我尤其欣赏它那种近乎哲学的思辨,它迫使我重新审视自己对“平衡”和“和谐”的固有认知。阅读过程中,我常常需要放慢速度,甚至对照着书中的草图反复揣摩,才能完全领会作者想要传达的那种张力与释放的微妙平衡。这本书不是提供标准答案,而是提供了一套全新的观察世界的方法论,对于任何一个对空间艺术有追求的人来说,都是一次思想上的洗礼。

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这本书前半部分的确是拓宽了对于艺术摄影的认知,但是后半部分的知识点讲解对于有基础的摄影人来说的确可有可无。 总体来说,是一本值得看的入门艺术摄影书籍。

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