新工笔动物画·虎 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:安徽美术

作者:宗万华编著

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2004-6

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787539812588

丛书系列:

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翰墨留芳：中国传统山水画精品赏析与技法精讲 作者： 知名画史研究者、资深国画教育家 联合编著 装帧： 精装，全彩印刷，特种艺术纸张，大幅面高清图版 定价： 人民币 480 元 --- 内容概要 《翰墨留芳：中国传统山水画精品赏析与技法精讲》并非专注于某个特定主题或物象的绘画指南，而是一部全面、深入、系统梳理中国传统山水画发展脉络、核心审美体系与实践技法的权威性著作。本书旨在为广大中国画爱好者、专业学习者以及艺术鉴赏者提供一个立体的、可操作的、具有学术深度的山水画知识体系。 全书内容横跨数千年历史，从魏晋的萌芽到宋元的鼎盛，再到明清的流派纷呈及近现代的革新探索，精选了近三百幅不同时代、不同流派的代表性作品进行深度剖析。 第一部分：溯源与定格——山水画的哲学基础与历史脉络 (约 400 页) 本部分着重于建立对中国山水画的宏观认知，探讨其作为独立画科的文化根基。 第一章：道法自然——山水画的哲学意蕴 天地之大美： 探讨儒释道思想对山水画“气韵生动”、“卧游”观念的影响。阐述中国山水画的核心追求并非纯粹的客观再现，而是“可行、可望、可游、可居”的意境营造。 笔墨的本体论： 细致分析“笔”与“墨”的物质性与精神性，区分干湿浓淡枯润的变化，如何通过线条的提按顿挫来表达物象的内在生命力，而非仅仅是造型工具。 “计白当黑”的东方智慧： 探讨留白在构图和意境表达中的关键作用，如何用虚空衬托实景，达到空灵幽远的艺术效果。 第二章：历史的坐标——山水画的演变与关键转折 魏晋的初醒： 分析顾恺之、宗炳等人的理论贡献，早期山水画作为人物画背景的过渡形态。 唐代的勃兴与定型： 重点剖析李思训（青绿山水）和王维（水墨淡墨）在技法和观念上的开创性，确立了院体和文人山水的两大源流。 宋代的巅峰： 细致解读“北宋五大家”（范宽、郭熙、李成、关仝、董源）的地域风格差异，分析巨碑式构图的结构逻辑，以及郭熙《早春图》等杰作的“全景式”观察方法。 元四家的精神高地： 深入研究黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙如何将书法入画，如何用“笔墨趣味”对抗院体的程式化，确立了元代文人山水的主导地位。 明清的分野与融合： 考察浙派的雄强、吴门的雅逸（沈周、文徵明），以及董其昌的“南北宗论”对后世的影响，直至清初“四王”的集大成与“石涛”、“八大山人”的个性化革新。 第二部：技法精粹——从点线到意境的转化实践 (约 550 页) 本部分是实践指导的核心，不再聚焦于某个物象的画法，而是系统讲解山水画中构成元素的所有基础技术。 第三章：笔墨的千变万化——线条与皴法的系统学习 基础用笔训练： 细致分解披麻皴、荷叶皴、斧劈皴、折带皴等主要皴法的结构、力度变化和适用对象。本书配有大量的局部放大图和动态示范，清晰展示毛笔触纸的瞬间状态。 点苔的韵律： 区分苔点（如介字点、横点、竖点）在表现不同季节、不同山石肌理中的应用，以及如何通过点苔丰富画面的层次感和生命力。 树木的造型与精神： 针对松、竹、梅、柳等常见树种，讲解其枝干的“S”形结构、双勾法与墨分五色的应用，以及如何通过树的姿态表达画家的情绪。 第四章：空间构建与气势营造——山水画的构图原理 “三远法”的精妙运用： 详细讲解高远、深远、平远这三种透视方法的理论依据与实际操作，以及如何在一幅作品中巧妙结合，制造视觉的深度。 主体与陪衬的协调： 探讨如何安排前景（界尺）、中景（主体山体）和远景（云雾）的关系，确保画面稳定而不拥挤。 “留白”的艺术化处理： 讲解云雾、瀑布、江河的处理技巧，如何用晕染法和干笔法来塑造虚化的空间，避免“填满”的弊病。 第五章：墨色的层次与光影——水墨与浅绛的探索 墨分五色的实践： 针对“一墨多变”的理论，提供详细的调墨配比和润度控制图表，指导学习者如何在一层墨色中显现出焦、浓、重、淡、清的细微差别。 浅绛山水的色彩运用： 重点剖析元代赵孟頫推广、后世发展起来的以赭石、花青为主的浅绛设色法。讲解赭石的铺染技巧，如何用矿物颜料表现山石的苍茫感，以及设色后对原有笔墨结构的保护。 罩染与提亮的技法： 讲解如何使用淡墨或淡色进行罩染以加深厚度，以及使用白粉（矿物白）在特定区域进行“提亮”的技巧，以增强画面的立体感和空间层次。 第三部分：文心与物化——专题研习与鉴赏指引 (约 350 页) 本部分提升读者的审美层次，将技术训练融入到文化理解和艺术鉴赏之中。 第六章：题材的象征意义与文化内涵 “高山仰止”： 专题研究泰山、庐山等名山在传统文化中的象征意义，以及画家如何将个人的道德情操寄寓于山体描绘之中。 “烟波浩渺”： 探讨江河湖海的描绘，如何通过水面的处理来表达哲思，如东晋对水流“逝者如斯夫”的感叹。 静谧的栖居： 分析“茅屋、舟楫、草堂”等元素的意涵，它们在山水画中并非简单的点缀，而是文人退隐情怀的载体。 第七章：名作的深度解读与临摹导向 本书精选了二十余幅不同时期、风格迥异的传世名作（如董源《夏山图》局部、巨然《秋林归远图》、王蒙《青卞隐居图》等），进行“自上而下”的拆解分析： 1. 背景介绍： 画家生平、时代背景与创作动机。 2. 结构分析： 整体构图的平衡点与视觉引导线。 3. 局部精讲： 重点针对树法、皴法、墨韵的特定处理方式进行技术性复盘。 4. 临摹建议： 针对该作品，提供一套从“打稿”到“完成”的步骤建议，并指出初学者应重点模仿的技法点。 总结与展望 《翰墨留芳》致力于架起理论与实践之间的桥梁，它不是一本速成手册，而是一本可供长期研习的工具书和思想指南。通过对中国山水画这一宏大体系的全面梳理，读者不仅能掌握描绘山川的技法，更能理解“笔墨当随时代”背后的文化坚守与艺术理想。本书期望激发读者对中国传统艺术更深层次的敬畏与探索精神。

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这本书的装帧设计体现了一种内敛的奢华感，它不是那种色彩斑斓、哗众取宠的画册，而更像是一件精心打磨的艺术品。整体色调偏向于沉稳的米白和墨黑，留白的处理极其考究，使得每一幅作品都能在视觉上得到充分的呼吸空间。我特别注意到了书中对历史脉络的梳理，它并没有孤立地展示技法，而是将这些精湛的描绘技巧置于中国古代绘画史的宏大背景下进行考察，简要回顾了从宋元以来的工笔发展脉络，这为理解当前创作的创新点提供了必要的历史参照系。这种扎实的文献基础和清晰的时代定位，让这本书不仅仅是一本技法指导，更是一部浓缩的中国工笔艺术史的入门读物。通过阅读，我不仅学到了如何描绘特定对象，更理解了这些描绘手法背后所承载的文化符号和审美变迁。它给人一种非常踏实的感觉，仿佛手里握着的是一部经过时间沉淀的经典之作，其价值是经得起推敲的。

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我是在一个关于传统水墨复兴的论坛上偶然看到有人推荐这本书的，当时抱着试试看的心态购入，结果发现它的内容深度远超出了我预期的“技法书”范畴。这本书的叙事结构非常巧妙，它没有采用那种枯燥的步骤分解，而是将每幅作品的创作背景和文化意涵融入到对技法的讲解之中。让我印象最深的是其中对于“气韵生动”这一中国画核心理念在当代工笔实践中的继承与创新。作者似乎在用一种近乎哲学思辨的方式来探讨如何用最精微的线条去捕捉最宏大的生命主题。书中收录的一些草稿和不同阶段的设色小样，尤其具有启发性，它们揭示了从写生到定稿，画家是如何层层剥茧、提炼神韵的过程。这对于正在尝试突破传统工笔瓶颈的创作者来说，简直是一本及时的“清醒剂”。它不是简单地告诉你“怎么画”，而是告诉你“为什么要这样画”，引导你去思考线条背后的情感重量和文化重量。阅读这本书的过程，与其说是在学习技巧，不如说是在进行一场关于艺术本质的深度对话，让人对“工笔”二字有了全新的认识。

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说实话，刚拿到手时，我有点担心内容会过于沉闷，毕竟是探讨传统绘画的深度专著。然而，这本书的文字风格出奇地流畅且富有画面感，读起来完全没有晦涩难懂的术语堆砌。作者的文笔如同他笔下的画作一样，既有大家风范，又不失亲和力。我尤其欣赏其中关于“动态捕捉”的论述。他没有停留在静态的描摹，而是深入探讨了如何通过结构线的细微变化来暗示运动中的力量与平衡，比如描绘奔跑中的野兽，如何通过前肢的拉伸和躯干的扭转，营造出即将破纸而出的张力感。这种对瞬间美学的捕捉，使得整本书的阅读体验充满了节奏感和戏剧性。每读完一个章节，我都会忍不住拿起笔在速写本上快速勾勒几笔，试图去理解那种“形神兼备”的境界。这本书成功地将高深的艺术理论“翻译”成了人人可理解的视觉语言，让专业人士得到启发，也让初学者找到了清晰的路径。

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这本书的实用性是毋庸置疑的，但更让我惊喜的是它对于材料学和工具应用的细致考察。很多市面上的绘画书籍往往一笔带过，但这本书却花费了大量篇幅来讲解不同皮纸、绢本在吸墨性、着色深度上的差异，以及如何根据不同的描绘对象选择最合适的毛笔——从狼毫的弹性到兼毫的柔韧，都有详尽的对比和使用心得。特别是关于矿物颜料的研磨和调配部分，简直是教科书级别的详尽指导。我按照书中的方法尝试研磨了一些朱砂和石青，那种亲手制作出具有生命力的颜料的过程，本身就是一种艺术体验。它强调了“工欲善其事，必先利其器”，但又不拘泥于古法，还结合了现代稳定剂的使用，使得这种传统技艺能够更好地服务于现代的创作需求。这种对“匠人精神”的尊重与传承，在如今这个追求效率的时代显得尤为珍贵。对于希望将工笔画真正“做实”的爱好者来说，这本书提供的工具知识足以让你少走很多弯路。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面选用的那种略带粗砺感的纸张，触感非常舒服，和它所描绘的主题——那些充满力量感的猛兽——形成了奇妙的和谐。我原本以为工笔画这种题材会显得过于细腻和拘谨，但这本书完全打破了我的刻板印象。内页的印刷质量高得惊人，色彩的过渡极其平滑，即便是最细微的毛发纹理，也能清晰可见，仿佛能感受到画中动物皮毛的真实触感。尤其是对光影的处理，简直达到了出神入化的地步，每一笔都凝聚着画家对形态的精准把握和对生命力的深刻理解。我特别欣赏它在细节上的考究，比如描绘眼神时，那种穿透人心的锐利感和野性未驯的傲慢，通过极小的点睛之笔被完美地捕捉了下来。这本书不仅仅是一本绘画技法的展示，更像是一部关于自然界顶级掠食者的视觉人类学记录，让人在欣赏艺术的同时，也被那种原始的生命张力深深震撼。翻阅时，我甚至能想象出画家们为了捕捉那些转瞬即逝的动态瞬间，付出了多少心血与耐心。这无疑是一本值得反复摩挲、细细品味的艺术精品，无论你是资深的艺术爱好者，还是仅仅对自然和美学有追求的普通读者，都会被它所蕴含的匠心精神所折服。

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