服装艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:张竞琼

出品人:

页数:130

译者:

出版时间:2003-1

价格:11.50元

装帧:

isbn号码:9787539811079

丛书系列:

图书标签:

• 服装
• 时尚
• 文化研究
• myboss
• 700艺术与娱乐
• 服装设计
• 服装史
• 时尚艺术
• 服饰文化
• 艺术史
• 流行文化
• 服装插画
• 面料
• 服装搭配
• 服装工艺

远古的回响：一部关于人类早期文明的宏大叙事 内容提要： 本书并非一部聚焦于现代设计理论或具体服装技艺的著作，而是以人类文明的黎明为起点，深入探索史前至青铜时代早期，人类如何利用和改造自然材料，构建起最初的物质文化与社会秩序。我们追溯了最早的纤维、皮革的发现与应用，分析了装饰性符号如何在骨骼、岩壁和早期衣物上留下印记，并揭示了这些“原始”的穿戴行为如何成为早期社会身份、性别划分乃至宗教信仰的载体。本书旨在通过考古学、人类学和材料科学的交叉视角，重建那些消逝在时间长河中的，关于“生存”与“意义”的最初的衣物形态与文化意义。 --- 第一部分：冰与火的庇护——史前材料的基因密码 我们的旅程始于数万年前，那是一个资源极度匮乏，生存是唯一主题的时代。本书的第一部分将详尽考察人类早期如何从残酷的自然环境中汲取智慧，将看似无用的天然物质转化为抵御严寒、保护身体的必需品。 第一章：皮肤的记忆与火的驯化 大型哺乳动物的皮毛，是早期人类最直接、最可靠的“第二层皮肤”。本章将细致描摹旧石器时代晚期，狩猎成功的意义如何超越了食物本身，而扩展到对皮料的精细剥离、鞣制和缝合技术。我们不会讨论现代的鞣革工艺，而是聚焦于骨针、燧石刀具等早期工具对皮革形态的决定性影响。研究将侧重于西伯利亚和欧洲地区，通过对西蒙诺维奇遗址、拉斯科洞穴壁画中人物形象的分析，重建早期猎人“装束”的结构逻辑——重点是如何利用动物肌腱作为天然的线材，实现多片皮革的完美贴合，以达到最大的保暖效能。 第二章：植物的低语与纤维的萌芽 当气候逐渐温暖，人类的目光投向了更轻便、更具延展性的植物纤维。本章将深入探讨亚麻、荨麻、甚至早期麻类植物的茎皮纤维是如何被发现、分离和初加工的。我们对比了不同地理区域（如东亚的苎麻早期使用和地中海沿岸的亚麻前身）的独立发展路径。重点分析了早期“编织”与“编结”的区分，探讨了绳索技术向更精细的网状结构过渡的艰难历程。这些初期的植物纤维制品，往往是容器、渔网，但它们也悄然为后来的纺织技术奠定了基础。 第三章：染色的冲动——色彩与符号的起源 在解决了基本的覆盖需求后，人类开始寻求“不同”。本章将探究史前时期最早的着色剂来源：赭石（红）、锰（黑）、以及某些植物的根茎。我们分析了在哥贝克力石阵周边的早期聚落中发现的，用于涂抹身体或物件的矿物粉末，它们与现代意义上的“服装装饰”有何本质区别。这里的“色彩”，更多的是一种对生命力、对力量的渴望，是对死亡的对抗。我们将探讨这些原始的“涂装”如何具有仪式性、部落间识别性，甚至可能承载着早期的巫术意图。 第二部分：聚落的定型——社会结构在穿戴上的烙印 随着新石器时代的到来，定居生活促成了社会分工和等级的出现。本部分将探讨物质文化如何固化这些新兴的社会关系，并使服装成为一种不可逆转的“社会宣言”。 第四章：陶土上的印记——从功能到阶层 农业的兴起意味着财富的积累与剩余。本书将利用考古学中的陶器、石器等非衣物类文物，来侧面推断早期社群中“身份”的复杂化。例如，在美索不达米亚的早期村落中，发现的具有复杂几何图案或动物造型的饰品（可能是用于佩戴的粘土吊坠），其稀有程度和工艺复杂度，直接与墓葬中主人的社会地位挂钩。我们详细考察了如何通过墓葬中陪葬品的多寡，来判断个体在社群中的“穿戴权”——谁有资格佩戴稀有材料、谁的衣物需要更精细的修补和保养。 第五章：工具的演进：从石器到青铜的过渡 本章关注技术革新对衣物制作效率和复杂性的影响。重点不在于青铜冶炼本身，而在于青铜工具（如早期剪刀状工具、打孔器、更坚固的缝合工具）如何解放了前代的双手，使衣物制作从纯粹的体力劳动，向更具设计性的领域发展。我们对比了不同时期制作一件标准披风所需的时间和技巧，展示了技术进步如何使得更精美的、非必需的装饰性元素得以集成到日常穿戴中。 第六章：装饰的语言学——图案的复述与传承 早期装饰图案并非随意的审美表达，它们是活着的历史和律法。本章系统梳理了早期文明中重复出现的图案主题：螺旋纹、S形曲线、人首兽身等。我们将它们置于特定的文化背景中进行解读，例如，在早期河姆渡文化中对鸟类和船只图案的偏爱，可能反映了他们对水域的依赖性；而在安纳托利亚高原上，早期太阳或山脉的抽象符号，则可能代表了对自然神力的敬畏。这些图案，在没有文字的时代，成为了一种视觉化的族谱、契约和信仰的宣告。 第三部分：跨越边界——贸易与文化的影响力 青铜时代的成熟伴随着早期贸易网络的形成。本部分将探讨跨区域的物品交流如何影响了各地原生的穿戴习惯，以及稀有材料如何成为权力的新标志。 第七章：远方的材料——海贝、玉石与盐路的秘密 真正的“奢侈品”概念始于材料的不可得性。本书详细追踪了远距离贸易路线（如早期的琥珀之路、玉石之路）的走向，以及这些路线如何将异域的装饰物——无论是地中海的海螺、阿富汗的青金石，还是内陆的黑曜石——引入到原本自给自足的社会。这些外来材料的佩戴，迅速成为身份炫耀的工具，标志着佩戴者拥有了超越地域限制的资源调动能力。 第八章：仪式中的“超越”——祭司与王者的着装代码 在早期文明中，与神灵沟通的媒介往往需要最独特、最不“世俗”的装束。本章专注于分析早期祭祀场景（如发掘出的塑像和壁画）中，祭司或部落首领的服饰特征。这些服饰往往结合了最稀有的材料、最复杂的结构，以及最具有象征意义的图案。例如，某些地区仅在特定天文事件时使用的、覆盖全身的、由特定动物毛发制成的长袍，其制作和穿着本身就是一场仪式，目的在于使穿戴者在精神层面“超越”普通人。 总结：未被记录的织物 本书在最后，对那些我们无法通过考古实物直接获取的、最脆弱的纺织品和皮革制品进行了合理的“想象性重构”。我们承认，那些由草编织成的、最基础的草席或蓑衣，它们构成了绝大多数人的生存底色。它们是人类历史中产量最大、但消亡最快的物质遗存。通过对现有工具痕迹、土壤有机物残留以及早期艺术描绘的综合分析，我们试图勾勒出一部关于“活着”的、尚未被文字记录的早期服饰的历史。它是一个关于适应、创造与社会建构的宏大开端。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

与其他一些流行的“时尚潮流指南”相比，《服装艺术》显然站在了一个更高的维度上审视这个行业。它不太关注“明年流行什么颜色”，而是聚焦于服装如何作为一种非语言的交流工具，在人类社会中扮演的角色。书中有一章专门探讨了“制服”的力量，分析了军装、校服乃至特定职业制服在塑造群体认同感和等级制度上的强大作用。这种社会学层面的剖析，让我对那些看似单调的服装产生了敬畏之心。此外，作者对可持续性和伦理设计也有独到的见解，但它处理得非常高明，没有采用说教式的口吻，而是通过对比传统手工技艺与大规模工业化生产对环境和工人的影响，引导读者自然而然地产生反思。这本书的论述既有理论深度，又不失实践指导性，它教给我的不是如何去“追逐”时尚，而是如何去“理解”时尚的本质。读完此书，我发觉自己对“穿着”这件事的态度都变得更为审慎和富有责任感了。它是一本可以放在案头，随时翻阅并获得启发的心灵导师。

评分☆☆☆☆☆

我对时尚史一直抱有浓厚的兴趣，但市面上很多书籍要么过于侧重宏观的历史事件，要么就是堆砌了大量生僻的专业名词，让人望而却步。《服装艺术》的出现，简直是教科书级别的颠覆。它的厉害之处在于，它提供了一种“解构”服饰的方法论。作者似乎拥有一种魔力，能将一件复杂的礼服，拆解成最基本的线条、体积和表面处理。我特别欣赏它对“结构性创新”的分析。书中花费了很大篇幅介绍了几位在面料技术上做出革命性贡献的设计师，他们是如何通过改变纤维的物理特性来重塑服装的“骨骼”。例如，对早期人造纤维的引入如何打破了天然材料的限制，使得设计师能够实现过去只敢在想象中存在的夸张轮廓。更让我感到实用的是，书中附带的那些关于“比例学”的图示。它清晰地展示了黄金分割在服装设计中的应用，通过简单的几何图形，就解释了为什么某些款式的服装会让人看起来更协调、更具有视觉冲击力。这本书的阅读体验，就像是上了一堂高阶的建筑学课程，只不过这次的主体是柔软的布料，而不是坚硬的水泥。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本《服装艺术》的时候，是抱着一种“碰运气”的心态。我一直觉得，谈论“艺术”这个词总是显得有点高深莫测，担心这本书会充斥着晦涩难懂的理论和故作高深的术语。但出乎意料的是，这本书的叙事方式极其流畅自然，简直像是在听一位资深设计师娓娓道来他几十年的心路历程。我印象最深的是它关于“动态美学”的探讨。作者没有局限于静态的平面展示，而是着重分析了人体运动与服装结构之间的相互作用。比如，当模特走动时，裙摆的垂坠感如何变化，袖子的弧度如何随着手臂的抬升而产生美感，这些细节在其他大多数书籍中都是被忽略的。我记得有一段文字描述了日本传统和服的“留白”艺术，那种看似松弛却蕴含着极高张力的空间哲学，被作者用非常诗意的语言描绘出来，读着让人仿佛能闻到空气中淡淡的木质香气。这本书的结构安排也非常巧妙，它不是线性地从古至今介绍，而是以“主题”为导向，将不同时期、不同地域的案例进行穿插对比，这种跳跃性的思维反而激发了我更多的联想。我给它打满分，因为它真正做到了将技术层面的知识与人文情怀完美融合。

评分☆☆☆☆☆

这本《服装艺术》的封面设计实在太抓人眼球了，那种流光溢彩的质感，让人忍不住想一探究竟。我最初是冲着那些精美的插图来的，毕竟，光是翻阅那些不同时代、不同地域的服饰照片，本身就是一种视觉享受。刚拿到手的时候，我小心翼翼地翻开了第一页，心想，这下可得好好学学那些所谓的“艺术”了。然而，这本书给我的惊喜远不止于此。它不仅仅罗列了各种华丽的服饰图片，更深入地探讨了服装背后的文化意涵和社会背景。比如，它详细分析了巴洛克时期服装的繁复与权力象征之间的关系，以及上世纪六十年代迷你裙如何成为女性解放思潮的缩影。作者的笔触非常细腻，无论是对面料肌理的描述，还是对剪裁廓形的剖析，都达到了令人赞叹的专业水准。我尤其喜欢它对色彩运用的章节，那种将色彩心理学与纺织技术巧妙结合的论述，让我对“红”这个颜色有了全新的认识，不再仅仅是视觉上的冲击，更是一种情绪和态度的表达。读完这本书，我感觉自己对衣橱里的每一件衣服都有了更深层次的理解，不再是简单的“好看”与“不好看”，而是承载着历史和情感的载体。这本书无疑为我对时尚和美的认知打开了一扇新的大门。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和印刷质量简直无可挑剔，这对于一本视觉导向的读物来说至关重要。纸张的选择非常考究，那种微微哑光的质感，使得那些深色调的摄影作品在展现立体感的同时，避免了过度反光带来的视觉疲劳。我是一个非常注重细节的人，常常因为一本书的排版问题而放弃阅读，但《服装艺术》完全没有这个问题。它的版式设计体现了一种克制的美学，大量的留白处理不仅让文字和图片得到了充分的呼吸空间，也恰当地烘托了服装本身的艺术气息。最让我惊喜的是，它收录了大量鲜为人知的档案照片和设计师手稿。这些手稿，有的线条潦草却充满灵动，有的则工整得如同建筑蓝图，它们比最终的成品更能体现设计师最初的构思和挣扎。阅读这些原生态的草图，我仿佛能感受到创作时的心跳和呼吸，这种“在场感”是其他任何平面设计书籍都难以比拟的。这本书读起来，不仅仅是知识的吸收，更像是一种对美学生产过程的深度参与。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆