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出版者:浙江人民美术出版社

作者:李丽萍

出品人:

页数:132

译者:

出版时间:1995-10-1

价格:14.50

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787534006326

丛书系列:

图书标签:

• 景观
• 山水画
• 中国画
• 绘画技法
• 艺术
• 绘画教程
• 风景画
• 传统绘画
• 绘画
• 艺术设计
• 国画

《山水画谱》是一部详尽的艺术文献，专注于中国传统山水画的技法、构图与美学精神。本书并非简单地收录作品，而是深入剖析了山水画的演变历程，从早期对自然景象的写实描绘，到文人画阶段的精神寄托与意境营造，层层剥茧，揭示了不同时期画家们在笔墨、色彩、皴法上的创新与传承。 在技法层面，《山水画谱》系统地介绍了中国画特有的“笔墨”概念，细致讲解了点、线、面的运用，以及各种皴法如披麻皴、雨点皴、解索皴、斧劈皴等如何表现山石的不同肌理与质感。书中不仅提供了理论阐述，更辅以大量的示范性图例，由浅入深地引导读者掌握勾、皴、擦、染的顺序与技巧。特别之处在于，它并未止步于基础技法的罗列，而是深入探讨了如何通过笔墨的变化来传达情感，如何让墨色层次丰富，如何让笔触富有生命力。例如，在描绘瀑布时，会详细讲解如何运用飞白与湿墨的结合，表现水的动势与力量；在描绘云海时，则会着重阐释如何通过淡墨的晕染与留白，营造出缥缈空灵的意境。 构图是山水画的灵魂。《山水画谱》详细梳理了中国山水画构图的黄金法则，如“计白当黑”、“虚实相生”、“意在笔先”等。书中通过分析古代名家的经典构图，如全景式、高远式、深远式、平远式等，讲解了如何处理山势的起伏、水流的走向、树木的穿插、建筑的点缀，以及如何运用“S”形、“Z”形等构图线条来引导观者的视线，营造空间的纵深感与层次感。它还强调了“意境”在构图中的核心作用，即构图不仅仅是为了视觉上的美观，更是为了传达一种情怀，一种对自然的感悟和对人生的思考。书中对“透视”的理解，并非西方意义上的几何透视，而是通过“三远”（高远、深远、平远）来表现空间的远近和景物的层次，以及如何通过“移步换景”、“借景”等手法，将有限的画面空间拓展出无限的意境。 在美学精神上，《山水画谱》深入挖掘了中国山水画“天人合一”的哲学思想。它指出，山水画并非对自然景物的简单复制，而是画家将自己的情感、思想、品格融入景物之中，达到物我两忘的境界。书中探讨了“写意”在山水画中的重要性，强调了“笔墨”不仅是技巧，更是人格与精神的载体。画家通过笔墨的挥洒，传递的是对自然山川的热爱，对生命哲理的感悟，以及对理想人格的追求。它详细阐释了“气韵生动”作为中国画的最高境界，是如何通过笔墨的运用、构图的安排、意境的营造，最终达到形神兼备、气韵流畅的效果。书中通过对历代山水画大师的解读，例如王维的禅意山水、范宽的雄浑壮阔、董源的温润秀丽、黄公望的雅逸超凡，让读者能够深刻理解不同风格背后所蕴含的精神气质与艺术追求。 此外，《山水画谱》还包含了一些辅助性内容，如对中国山水画史上的重要流派和代表人物的简要介绍，以及一些常用的画材（如笔、墨、纸、砚）的选用与保养建议，都力求为读者提供一个全面而系统的学习平台。它不仅仅是一本技法教程，更是一部引导人们认识、理解和欣赏中国山水画独特魅力的文化读物。通过对书中内容的深入学习和实践，读者不仅能够掌握绘制山水画的基本技能，更能从中体会到中国传统文化的博大精深，以及艺术家在追求艺术过程中所体现出的对自然的敬畏与对生命的礼赞。它是一扇窗，让人们得以窥见中国山水画背后深厚的文化底蕴与独特的艺术哲学。

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这本《山水画谱》最让我感到实用且惊喜的部分，在于它对“材料与媒介”的精到论述。很多教程往往一笔带过纸张、笔毫、墨汁的选择，而这本书却用了相当大的篇幅来讲解这些基础要素如何影响最终的视觉效果。它详细对比了生宣和熟宣在洇化效果上的差异，以及不同类型狼毫、羊毫笔尖的弹性如何决定线条的力度与生命感。特别是关于自制墨汁的章节，作者分享了他多年实践积累下来的经验，比如如何通过增加特定的矿物材料来调整墨色的光泽度和厚度，这简直是市面上其他书籍无法提供的“独家秘笈”。阅读这些内容，让我对作画材料的认识提升到了一个新的层次，我开始意识到，工具的选择并非随机，而是创作意图的延伸。跟着书中的指导调整了我的笔墨配置后，我发现我过去总想达到的那种“润而不腻”的墨韵，终于有了实现的可能。这本书不仅教你如何“画”，更教你如何“准备”去画，这种全方位的指导，是真正有益于长期学习的。

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我是一位对国画接触已久的人，坦白说，很多技法书籍对我已经失去了新鲜感。但《山水画谱》中对于“意境营造”的探讨，达到了一个令人震撼的高度。它不像其他书只是告诉你“皴法要多变”，而是深入到中国传统美学中“虚实相生”的哲学层面。书中举例分析了如何通过墨色的浓淡变化，来表达时间和空间上的远近感，尤其是在描绘雨后初晴或夕阳西下时的那种特定氛围时，作者的讲解细致入微，让我仿佛置身于画家所描绘的场景之中。更让我印象深刻的是，书中提到了如何运用“声、光、气”来丰富静态的画面。比如，如何通过树木的疏密和水流的形态，让人“听见”风声和水声。这种多感官的调动，极大地提升了画面的感染力。对于有一定基础的爱好者来说，这本书无疑是一剂强心针，它能帮助我们突破技术瓶颈，真正触及到山水画的灵魂——即“以形写神”的至高境界。

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这本《山水画谱》实在是让人眼前一亮，完全颠覆了我对传统绘画教程的刻板印象。我一直以为山水画的学习需要枯燥地临摹无数古代名家的作品，但在阅读这本书的过程中，我发现作者的切入点非常新颖。他没有直接堆砌复杂的笔墨技法，而是从“气韵生动”这个核心概念入手，探讨如何捕捉自然界中瞬息万变的光影和氛围。书中有大量的篇幅是关于如何观察山峦的结构、水流的动态以及云雾的变幻。比如，书中有一章专门分析了不同季节下山体的色调变化，这种细腻的观察力是教科书里很少提及的。我尝试着跟着书中的引导去户外写生，效果立竿见影，我开始不再只是“画”一座山，而是去“理解”这座山是如何形成的。作者的文笔既有文人的雅致，又不失科学的严谨，读起来毫不费力，像是与一位经验丰富的山水画家在进行一对一的私塾教学。尤其对初学者而言，这种由宏观到微观，由意境到笔法的渐进式引导，避免了许多人因早期受挫而放弃的遗憾。它更像是一本关于如何与自然建立深度连接的哲学思考录，而不仅仅是一本绘画技巧手册。

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说实话，我拿到这本《山水画谱》的时候，内心是抱着一丝怀疑的，因为市面上关于国画的书籍汗牛充栋，大多只是将古人图谱简单复制粘贴，缺乏个人见解。然而，这本书的独到之处在于其对“笔墨语言的现代化转换”的深刻探讨。作者没有故步自封于传统的“披麻皴”、“斧劈皴”的僵化套用，而是提出了一套如何将现代视觉语言融入传统山水框架的思路。书中对于墨色的层次感处理，尤其是浓、淡、干、湿四种墨法在同一画面中的交织与过渡，简直是教科书级别的示范。我尤其欣赏其中关于“留白”哲学的解读，它不仅仅是画布上的空白区域，更是画家留给观者想象力的空间，是气流和声音的载体。书中配有大量作者自己创作的、风格迥异的范例，从气势磅礴的北方山水到灵动秀美的江南园林，每幅作品旁都有详尽的“创作心路”剖析。这使得读者可以清晰地看到理论是如何转化为实践的，而不是空泛的口号。这种深度解析，使得这本书的价值远超一般的技法书，更像是一部山水画的“创作者心法”。

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这本书的装帧设计本身就充满了艺术气息，但更吸引我的是它对不同画派精髓的“解构与重组”能力。我过去常被不同流派的风格差异搞得头晕脑胀，例如董源的浑厚与李唐的雄强之间似乎隔着一道鸿沟。但《山水画谱》巧妙地搭建了一座桥梁，它并没有强迫读者选择某一家，而是提炼出每家最核心的“DNA”——比如对山石结构的处理、对水体运动的捕捉——然后教导读者如何根据自己想表达的主题，自由地汲取和融合。例如，它会分析一幅作品中，如何在保持文人画的松散意趣的同时，融入了院体画对细节的精准刻画。这种“取法多家，自成一家”的指导思想，极大地解放了我的创作思维。我过去总觉得要先成为谁的“徒弟”，才能谈“创新”，而这本书告诉我，成为自然的“学生”才是第一位的，技巧只是工具。这种理念上的启迪，比任何具体的运笔技巧都更为宝贵，它让学画成了一件充满探索乐趣的事情。

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