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《工商管理硕士(MBA)系列教材•技术创新管理》系统介绍了企业技术创新管理的理论和方法。书中简要阐明了技术创新的理论，对企业技术创新战略、技术选择、研究与开发、新产品的生产和营销、技术转移与交易、技术信息与知识产权、技术创新能力建设和组织管理进行了全面介绍。《工商管理硕士(MBA)系列教材•技术创新管理》反映了国内外技术创新管理领域的最新理论进展，融入了作者的研究成果，内容新颖，富有启发性；理论结合实际、具有指导性和可操作性；理论阐述和案例分析结合，有很好的可读性。《工商管理硕士(MBA)系列教材•技术创新管理》适合作工商管理硕士研究生和其他管理类研究生的教材，也可用作工程类大专院校学生的辅助教材，并可供企业技术管理人员和高层管理者及从事技术创新管理研究的人士阅读。
《光影流转：二十世纪电影的视觉革命与叙事变迁》 内容简介 本书旨在深度剖析二十世纪电影艺术的演进轨迹，重点聚焦于视觉语言的创新以及叙事结构的深刻变革如何共同塑造了我们今日所认知的电影面貌。我们不探讨技术创新管理在电影产业中的应用，而是将目光投向电影本体——光影、剪辑、摄影机运动、布景设计以及声音的运用，如何从早期单纯记录现实的工具，蜕变为表达复杂人类情感与社会议题的强大媒介。 本书分为五大部分，力图构建一个清晰而详尽的二十世纪电影发展图谱： --- 第一部分：默片的黄金时代与形式的诞生（1900s - 1920s） 本部分着重考察电影作为一门全新艺术形式的早期探索阶段。在缺乏同步声音的约束下，早期电影人如何通过极端夸张的面部表演、快速的场面调度以及革命性的剪辑技术，建立起初步的叙事语法。 焦点议题： 1. 梅里爱与叙事魔术： 探讨乔治·梅里爱如何通过多重曝光、淡入淡出和快速剪辑，创造出奇幻的视觉效果，奠定了特效的基础。 2. 格里菲斯的史诗与蒙太奇理论： 深入分析D.W.格里菲斯在《国家的诞生》等作品中对平行剪辑、特写镜头和景深运用的精湛掌握，以及这些手法对建立现代叙事节奏的决定性影响。我们考察其如何通过镜头语言的并置，引导观众的情感倾向，即便在技术相对原始的年代。 3. 欧洲先锋派的视觉冲击： 详细阐述德国表现主义（如《卡里加里博士之 মন্ত্রিস》中的扭曲布景和非自然光影）和苏联蒙太奇学派（爱森斯坦的“吸引子碰撞理论”）如何将剪辑从衔接场景的工具，提升为思想和概念碰撞的哲学手段。这些探索为后世的艺术电影奠定了深刻的美学基调。 --- 第二部分：有声时代的冲击与好莱坞的定型（1930s - 1940s） 有声电影的引入是电影史上的一次断裂性变革。本部分关注电影制作如何迅速适应这一新媒介，以及随之而来的叙事风格和摄影技术上的调整。 焦点议题： 1. 声音的解放与束缚： 分析早期有声片在处理对白、音效和音乐时的技术挑战与美学妥协。探讨如何利用声音的立体感和空间定位来增强场景的真实感和戏剧张力，而非仅仅是对话的记录。 2. 经典好莱坞的“摄影机静止”： 考察在制片厂制度下，为了保证灯光和声音录制的效率，摄影机运动相对受限的时期，导演们如何通过复杂的布景设计（如深焦摄影的运用）和精密的灯光布局来构建视觉深度和心理空间。重点分析奥逊·威尔斯在《公民凯恩》中对深焦摄影和低角度镜头的革命性运用，如何打破了传统的好莱坞视觉规范。 3. 类型片的成熟与视觉符号： 分析黑色电影（Film Noir）在视觉上如何反映战后一代的焦虑与道德模糊。阴影的运用、湿滑的街道、烟雾缭绕的室内场景，这些非自然的视觉符号如何与叙事中的宿命论和人物的疏离感紧密结合。 --- 第三部分：战后反思与作者论的兴起（1950s - 1960s） 随着二战结束，电影的叙事焦点开始转向对社会结构的反思，同时，国际电影界涌现出强调导演个人风格和哲学观点的“作者论”。 焦点议题： 1. 欧洲新浪潮的去中心化： 详述法国新浪潮（Nouvelle Vague）对好莱坞古典叙事规则的颠覆。跳切（Jump Cut）、即兴表演、手持摄影机以及在真实外景地的拍摄，如何赋予电影一种前所未有的即时感和不确定性。我们分析特吕弗和戈达尔如何利用这些手法，使电影主角更贴近日常生活的偶然性。 2. 意大利新现实主义的遗风： 探讨战后意大利电影如何通过关注普通民众的贫困与生存困境，使用非职业演员和自然光，创造出一种直抵人心的视觉真实感。这不仅是美学选择，更是对社会现实的直接介入。 3. 宽银幕时代的视觉扩张： 面对电视的竞争，电影业如何通过Cinerama、CinemaScope等宽银幕技术来重新确立影院的震撼力。分析这种技术进步对史诗片和西部片在构图和空间感处理上的深远影响。 --- 第四部分：新好莱坞与视觉的实验边界（1970s - 1980s） 这一时期，受欧洲艺术电影思潮影响的年轻一代美国导演，利用制片厂制度的松动，将高度个人化的视角和更晦涩的叙事引入主流。 焦点议题： 1. 叙事的破碎与反高潮： 探讨如科波拉、斯科塞斯等导演如何故意打破传统叙事的高潮设置，转而探索人物的道德败坏和内心的混乱。视觉上，他们偏爱阴暗、拥挤的城市景观，强调人物被环境吞噬的无力感。 2. 特效的飞跃与幻想世界的构建： 随着斯坦·温斯顿等特效大师的崛起，电影的视觉边界被拓展到前所未有的高度。本部分分析《星球大战》系列如何有效地融合了模型制作、微缩摄影与早期计算机图形的雏形，创造出影响一代人的太空歌剧视觉美学。 3. 电影语言的后现代反思： 研究那些开始质疑电影自身表现力的作品，它们通过自我指涉（Self-Referentiality）和挪用（Pastiche）经典电影的视觉元素，探讨媒介的本质和现实与虚构之间的模糊界限。 --- 第五部分：数字时代的开端与叙事的再定义（1990s） 本书的收尾部分聚焦于数字技术开始渗透电影制作流程的十年，以及由此带来的叙事节奏和视觉真实感的双重变化。 焦点议题： 1. 剪辑的加速与非线性叙事： 分析如昆汀·塔伦蒂诺等导演如何将非线性叙事结构推向极致，通过对经典电影台词和场景的戏仿（Homage），重塑叙事流畅性。同时，探讨数字剪辑工具如何使得“无限次尝试”成为可能，从而导致剪辑节奏的普遍加快。 2. 早期数字视觉效果的融合： 考察CGI（计算机生成图像）如何开始从单纯的辅助工具，转变为故事的核心驱动力。重点分析《侏罗纪公园》中生物动画的写实主义如何引发了观众对“屏幕上所见即为真实”的全新认知。 3. 去中心化的视觉美学： 探讨独立电影运动如何利用更廉价的数字或小型胶片设备，探索出一种更加粗粝、更少依赖传统灯光布景的“去电影化”视觉风格，从而为新世纪的电影多样性铺平了道路。 本书致力于提供一个宏大而细致的视角，理解二十世纪的电影艺术家们是如何在技术、哲学与社会思潮的交织中，不断地重塑我们观看世界和理解故事的方式。它是一部关于视觉语法、声音设计和叙事哲学的历史考察，而非关于商业运作或管理策略的论述。
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