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出版者:

作者:王伟

出品人:

页数:184

译者:

出版时间:2003-10-1

价格:34.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787531430902

丛书系列:

图书标签:

• 设计原理
• 平面设计
• 构成基础
• 视觉传达
• 艺术设计
• 色彩理论
• 图形设计
• 设计入门
• 基础理论
• 版式设计

雕塑的物语：从古典到现代的造型演变 书籍简介 《雕塑的物语：从古典到现代的造型演变》是一部深入探讨雕塑艺术发展脉络的权威著作。本书摒弃了传统艺术史的年代线性叙事，转而聚焦于“形体塑造”这一核心概念，以雕塑家如何理解、处理和转化物质（如石头、金属、木材、粘土乃至新兴材料）的视角，勾勒出一部横跨数千年的造型哲学史。 第一章：石头的记忆与身体的诞生——史前至古希腊的物质觉醒 本章追溯了雕塑的起源，探讨了早期人类如何通过雕刻和塑形，赋予无生命物体以象征意义和生命力。我们不会停留在对“维纳斯”的简单介绍，而是深入分析史前文化中，材料的自然肌理如何影响了早期造型的抽象倾向。 随后，重点转向古埃及和美索不达米亚的纪念性雕塑。这里，雕塑不再是个体表达，而是权力与永恒的载体。我们详细解析了荷鲁斯之眼、方尖碑以及法老坐像中严格的“前视性”和“比例法则”，分析这些规则如何服务于宗教和政治的目的。重点分析了埃及人对“永恒存在”的材料选择与结构固化的执着。 古典希腊部分是本章的高潮。本书将雅典卫城的大理石雕塑视为一场对“理想人像”的科学探索。我们细致剖析了古典时期“黄金分割”在人体结构中的应用，以及如何通过湿衣褶皱（“湿衣法”）和“对立平衡”（Contrapposto）技术，在坚硬的大理石中营造出前所未有的动态感与生命呼吸。从菲狄亚斯到普拉克西特列斯，雕塑家如何逐步从僵硬的古风偶像中解放出来，赋予雕塑以情感的深度和叙事性，是本章核心的探讨内容。 第二章：帝国的张力与精神的褶皱——罗马与中世纪的叙事转向 罗马雕塑不再执着于希腊的“完美理想”，而是转向对“历史真实”和“个体肖像”的记录。本章着重分析了罗马皇帝纪念性雕塑（如奥古斯都的《元首胸像》）中，如何将政治宣传、神性光环与写实主义肖像精确地结合起来。我们深入研究了浮雕叙事艺术（如图拉真纪功柱）的编年体结构，探讨其如何将三维空间转化为二维的连续叙事。 进入中世纪，雕塑的主题与功能发生了根本性的转变。离开了世俗的广场和宫殿，雕塑回到了教堂的建筑语境中。本章探讨了罗马式和哥特式大教堂雕塑的演变。罗马式的“沉重感”和“象征性”如何被哥特式雕塑的“垂直拉伸”和“情感外露”所取代。我们特别关注哥特式立柱雕像如何逐渐脱离建筑表面的束缚，恢复了独立的人体形态，并开始表现出微妙的人性化悲悯与神圣的虔诚，例如沙特尔和兰斯大教堂中的人物造型。 第三章：人性的回归与物质的解放——文艺复兴至巴洛克的空间对话 文艺复兴时期是雕塑史上的一次革命性回归，核心在于对古典形式的重新发现与“人文主义”精神的注入。本章详细考察了多那太罗如何通过《大卫》（青铜与大理石版本）在同一主题上展现出对古典“赤裸体”的重新诠释——从英雄式的坚毅到青春期的脆弱。 随后，米开朗基罗的创作被视为对物质极限的挑战。我们不仅分析《大卫》的完美解剖结构和“紧张的静默”，更深入研究他未完成的“囚徒系列”，这些作品如何揭示了雕塑家与大理石材料之间“解放”与“束缚”的永恒斗争，体现了柏拉图式的“形体寓于石头之中”的哲学观。 巴洛克艺术则将雕塑推向了戏剧性的高潮。贝尼尼成为本章的中心人物。通过《圣特蕾莎的狂喜》和《阿波罗与达芙妮》，我们解析了巴洛克雕塑如何利用复杂的曲线、光影的捕捉以及对瞬间动作的凝固，打破了雕塑与观看者之间的“第四堵墙”。材料的运用达到了炉火纯青的地步：柔软的云彩、坚硬的肌肉、流动的布料，仿佛都被赋予了不同的触感，实现了叙事与情感的极致张力。 第四章：理性、碎片与工业的形塑——新古典主义、浪漫主义及19世纪的变革 19世纪是雕塑从服务宗教与政治，转向探索个体情感与社会批判的过渡期。新古典主义（如康诺瓦）试图用冰冷的理性与纯净的形式重述古典主题，是对巴洛克过度情感化的反动。 然而，浪漫主义的兴起，尤其是罗丹的出现，标志着现代雕塑的真正开端。罗丹拒绝了传统雕塑对“完成度”的苛求。本章重点分析罗丹对“未完成状态”（Non Finito）的运用，如《地狱之门》的局部和《巴尔扎克》的探索性阶段。罗丹如何通过粗粝的表面肌理和扭曲的动态来表达人类内在的挣扎、欲望与精神痛苦，而非仅仅关注外在的完美形体。他的作品预示着雕塑将从对“外部可见世界”的模仿，转向对“内部精神世界”的挖掘。 第五章：空间的重构与物质的颠覆——20世纪的抽象与解构 进入20世纪，随着摄影术的成熟和工业材料的普及，雕塑彻底摆脱了对具象的依赖。本章系统梳理了现代雕塑的关键转向： 1. 立体主义与拼装（Assemblage）： 分析立体派雕塑家如何将物体分解、重组，引入空间中的“负形”概念，挑战了雕塑的实体性。 2. 至上主义与构成主义： 考察马列维奇、塔特林等艺术家如何用几何形体和工业材料（钢铁、玻璃）来表达对纯粹结构和未来社会的愿景，雕塑开始具有了动态和开放的结构。 3. 达达主义与现成品（Readymade）： 杜尚的介入是颠覆性的。本章详细讨论了《喷泉》如何将“制作”的概念转化为“选择”的概念，将艺术的焦点从“手的技艺”转移到“观念的阐释”上，为后世的装置艺术铺平了道路。 4. 抽象雕塑的崛起： 聚焦于布朗库西的极简主义。通过分析他对材料本质的尊重（如《空中之鸟》中抛光金属对光线的捕捉），探讨如何用最少的形体来表达最深远的概念，实现“形式即是意义”。 第六章：体验、互动与环境的融合——后现代雕塑的边界消解 本书的最后一部分关注20世纪下半叶至今，雕塑如何进一步模糊了自身与其他艺术形式的界限。 动态雕塑与光影的介入： 研究卡尔德的动态雕塑如何引入随机性与时间维度，使雕塑成为一种“事件”而非“物体”。 大地艺术（Land Art）： 分析史密森的《螺旋防波堤》等作品，探讨雕塑如何超越博物馆的界限，与自然环境进行宏大而暂时的对话，并反思人类对物质的改造欲望。 极简主义的物性回归： 审视唐纳德·贾德等艺术家如何坚持使用工业材料（如铝板、有机玻璃），强调作品的“特定物”（Specific Object）属性，拒绝任何隐喻和情感附加，回归材料本身的面貌和空间关系。 《雕塑的物语》最终的结论是：雕塑艺术的历史，本质上是人类认识物质、表达精神，并不断尝试打破现有“形体”定义的过程。它是一部关于“三维空间中的思想实践”的编年史。本书的丰富图例和深入的材料分析，将带领读者体验从一抔粘土到一座纪念碑所蕴含的全部历史张力与哲学深度。

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