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出版者:中国铁道出版社

作者:沈添

出品人:

页数:279

译者:

出版时间:2003-9

价格:26.0

装帧:平装

isbn号码:9787113053369

丛书系列:

图书标签:

• 计算机绘图软件
• Photoshop
• 图像处理
• 图像编辑
• 设计
• 图形设计
• 数码艺术
• 后期制作
• 教程
• 软件技巧
• Photoshop技巧

探秘数字艺术的无限可能：《创意视觉设计与排版实战指南》 书籍定位： 本书旨在为所有对视觉传达、创意构思与高效设计流程感兴趣的读者提供一套系统、实战性强的指导。它侧重于设计理论的深度理解、跨软件协同工作的策略，以及如何将抽象的创意概念转化为具有冲击力的视觉成品。本书聚焦于设计思维的建立、信息层级的优化以及跨媒体发布的最佳实践，而非特定软件的操作技巧。 目标读者群： 视觉传达初学者、希望提升设计思维的在职设计师、市场营销人员、需要进行内容创作的自媒体从业者，以及对创意设计抱有浓厚兴趣的业余爱好者。 内容深度概述： 本书共分为六大部分，系统性地覆盖了从概念萌芽到最终输出的全流程。 第一部分：设计思维的基石与创意原点（约 300 字） 本部分深入探讨了“设计是什么”这一根本问题，将设计从单纯的“美化”提升到“解决问题”的层面。 核心内容点： 1. 设计心理学基础： 介绍格式塔原理、色彩心理学在信息传递中的作用，以及用户对视觉元素的本能反应机制。如何利用视觉错觉引导观众的注意力流向。 2. 需求分析与用户画像构建： 强调设计项目启动前的调研工作，如何通过有效的提问界定设计目标、受众群体及其核心需求。我们将探讨“同理心地图”在创意发想中的应用。 3. 概念提炼与视觉化路径： 讲解如何将抽象的文字信息或商业目标，转化为初步的视觉骨架（Wireframing 或 Storyboarding）。重点介绍思维导图、联想矩阵等工具在早期创意激发中的运用。 4. 信息层级与叙事结构： 探讨如何通过大小、对比度、留白等非语言元素，构建清晰、流畅的信息阅读路径，确保复杂信息也能被高效吸收。 第二部分：版式布局的科学与艺术（约 350 字） 本部分将传统的网格系统与现代动态布局相结合，提供一套适用于任何设计项目的灵活排版框架。 核心内容点： 1. 网格系统的进化论： 详细解析标准化的栏栅系统（如 12 列网格、8 列网格）及其在平衡性与灵活性上的取舍。介绍模块化设计概念，确保设计元素间的对齐与一致性。 2. 动态平衡与负空间的应用： 深入剖析“负空间”（留白）如何影响作品的呼吸感和专业度。通过案例分析，展示如何利用不对称布局实现视觉的动态张力，而非僵硬的中心对称。 3. 字体排印学的精密控制： 超越字体的选择，本章关注字体在实际应用中的技术细节。包括字距（Kerning）、行距（Leading）、字偶间距（Tracking）的精确调整，以及如何利用衬线体和非衬线体的组合来区分内容的权重和风格。 4. 多平台响应式思维： 讲解在固定尺寸和流式布局之间进行权衡的原则，确保设计方案在从印刷品到移动设备屏幕上的可读性和美观度。 第三部分：色彩策略与情感渲染（约 250 字） 本部分将色彩理论与品牌识别、情感营销深度结合，指导读者制定有策略的色彩方案。 核心内容点： 1. 品牌色彩体系构建： 如何为品牌或项目确立主色、辅助色和强调色的科学配比，确保色彩体系的延展性和一致性。 2. 光线、材质与色彩的交互作用： 探讨在数字屏幕与印刷介质中，色彩感知差异的原因（RGB vs. CMYK），以及如何预估和控制这些差异。介绍色彩映射（Color Mapping）技术。 3. 情绪板（Mood Board）的色彩解码： 学习如何从抽象的情绪词汇中提取出对应的色彩光谱，并将这些光谱应用到实际设计元素中。 第四部分：跨媒介内容生产与交付（约 300 字） 在数字时代，设计成品需要应对复杂的交付要求。本章侧重于效率和兼容性。 核心内容点： 1. 矢量与位图的职能划分： 明确何时使用可缩放的矢量图形（用于图标、Logo、插图）和何时使用像素位图（用于照片处理、复杂纹理）。讲解矢量化思维对设计文件管理的重要性。 2. 高效的资产管理与命名规范： 建立一套清晰、可追溯的文件和图层命名系统，极大地提高团队协作和后期维护的效率。介绍版本控制的基本概念。 3. 印刷预设与数字输出的终极检查清单： 详细列出针对不同输出媒介（如高质量画册、网站横幅、社交媒体配图）所需调整的关键参数，包括分辨率、色彩模式、出血设置（Bleed）和叠印（Overprint）的处理。 4. 自动化与批处理思维： 介绍如何通过预设样式、模板和动作（Actions）的概念来批量化处理重复性工作，释放设计师的精力用于更高阶的创意决策。 第五部分：插画、图标与图形元素的风格统一（约 300 字） 视觉元素的统一性是专业设计区分于业余作品的关键。 核心内容点： 1. 一致性原则的量化： 如何通过笔触粗细、倒角处理、阴影角度等视觉属性，为一系列图标或插画建立明确的风格指南。 2. 从草图到矢量模型的精炼过程： 侧重于将手绘或粗略想法转化为简洁、功能性强的数字图形的步骤。 3. 信息可视化：如何设计清晰的图表： 不仅关注图表的美观，更强调图表在准确传达数据方面的能力。介绍避免误导性视觉呈现的原则。 4. 纹理与深度感的创造： 如何使用基础的阴影、高光和渐变技巧，为扁平化的设计元素增加质感和层次感，使其更具吸引力。 本书的独特价值： 本书不教授特定软件的“如何点击”，而是着重于“为什么这样做”。读者学到的将是一套可以灵活迁移到任何设计工具（无论是平面设计软件、UI/UX工具还是三维设计环境）的核心方法论。它致力于培养设计师的批判性思维，使设计决策基于策略而非个人偏好。通过大量结构化的案例分析和思维框架，帮助读者从“操作者”转变为“视觉策略家”。

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我最近在忙着做一个关于复古胶片风格后期处理的项目，原本以为市面上大多数后期教程都大同小异，直到我翻开了这本关于色彩科学与后期调色的权威指南。这本书的深度简直让人咋舌，它不仅仅停留在“拉高饱和度”这种肤浅的操作上，而是深入探讨了不同色彩模型（比如Lab、CMYK）在数字环境中的相互作用机制，以及人眼对色彩的感知偏差是如何影响最终成品的。其中关于“色相分离”和“通道混合器”的章节，简直是为那些追求极致电影感的后期师量身定制的秘籍。作者用极其严谨的科学态度，结合大量实际的电影截图案例，一步步拆解了经典影片的色彩逻辑，让我深刻理解了为什么某些颜色组合能带来特定的情绪张力。对于那些对色彩理论有较高追求，希望从“修图匠”蜕变为“色彩魔法师”的读者来说，这本书是不可或缺的理论基石。它教会我的，是如何用色彩讲故事，而不是仅仅让照片看起来“漂亮”。

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哇，这本书简直是图形设计领域的“通关秘籍”！我抱着试试看的心态入手了这本关于数字绘画技巧的宝典，结果完全被它深入浅出的讲解方式震撼到了。它没有过多纠结于软件的某个小功能，而是将重点放在了如何像专业艺术家那样思考和创作。书中的案例分析极其到位，从光影的捕捉到色彩的搭配，每一步都有详尽的图文说明，即便是像我这种基础薄弱的“小白”，也能很快领会其中的精髓。尤其是关于“氛围感”的营造，作者分享了一些非常独特的笔刷设置和图层混合模式的组合技巧，让我眼前一亮。读完前几章，我感觉自己的作品在质感和深度上都有了质的飞跃，不再是那种扁平、死板的画面了。这本书更像是带我进入了一个全新的创作境界，而不是简单地教我如何点击菜单栏里的选项。它强调的是创意先行，技术为辅，这对于真正想在艺术道路上走远的人来说，是无价的指引。我强烈推荐给所有对数字艺术有热情，渴望提升自身视觉表达能力的朋友们。

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说实话，我买这本书的初衷是想快速学习一些新的特效制作技巧，但没想到它却给我上了一堂关于“叙事节奏与视觉冲击力”的专业课。这本书在讲解动态图形和特效合成时，非常注重“为什么”要做这个处理，而不是仅仅罗列“如何”点击某个按钮。比如，在分析爆炸效果时，它不仅展示了粒子系统的设置，更重要的是分析了爆炸发生前后的视觉留白和时间轴上的运动曲线，如何配合故事的高潮点。书中大量的分屏对比图，清晰地展示了加入了“视觉干扰”元素和未处理元素的区别，让我明白了“少即是多”在创造视觉焦点上的重要性。这本书的评价标准非常高，它鼓励读者去思考每一个视觉元素对观众心理产生的影响，是真正意义上的“导演思维”指导手册。对于那些希望自己的动态作品不仅仅是炫技，而是能够有力推动情节发展的创意人员，这本书提供了宝贵的思路框架。

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我对这本书的“跨媒体应用”部分印象最为深刻。在如今这个信息爆炸的时代，单一媒介的展示效果往往大打折扣，而这本书恰好提供了一个整合的解决方案。它详细阐述了如何将同一套视觉资产，无缝地迁移到不同的输出平台上，比如从高清数字屏幕到印刷品，再到AR/VR的沉浸式体验。书中关于“跨平台色彩管理”和“不同分辨率下的细节保留策略”的讲解极为细致入微，特别是它提出的一套基于“视觉优先级”的资产简化流程，极大地提高了我的工作效率。我以前总是为印刷品和屏幕稿的颜色差异头疼，这本书提供的校准方案和工作流建议，完美地解决了我的痛点。它不是简单地堆砌软件操作，而是提供了一套宏观的项目管理和交付标准，让设计稿能够以最佳的面貌出现在任何媒介之上，展现出专业人士应有的严谨性。

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这本书在“三维空间与二维平面转换”这个主题上的探讨，是我之前从未在其他教材中见识过的独特视角。我一直对如何让二维图像产生强烈的纵深感感到困惑，而这本书巧妙地引入了透视学、环境光遮蔽（Ambient Occlusion）的模拟原理，来指导我们在平面设计中构建逼真的三维错觉。作者专门辟出了一整个部分来讲解如何利用线条的汇聚点和虚化程度来模拟焦深，这个技巧对于制作海报或者复杂的场景插画极其有效。更棒的是，书中还穿插了许多关于“非欧几里得”几何在平面构图中的应用，这让我的设计思路一下子开阔了许多，不再局限于传统的网格系统。阅读这本书的过程，就像是完成了一次高等几何的复习，但结果却是可以直接应用到实际创作中的强大工具。对于那些想突破传统版式限制，挑战更具空间感和叙事性的视觉作品的设计师来说，这本书的价值无可估量。

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考CCT的教材和辅导书。Photoshop最强大的滤镜一章竟然只是简单介绍！不过总体还算不错。

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