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出版者:北京大学出版社

作者:曹文轩

出品人:

页数:168

译者:

出版时间:1970-1

价格:10.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787301071755

丛书系列:

图书标签:

• 童话故事
• 儿童文学
• 外文童话
• 经典童话
• 故事集
• 益智启蒙
• 睡前故事
• 亲子阅读
• 文学
• 儿童读物

好的，这是一本关于中国传统戏曲艺术的图书简介，旨在展现其深厚的文化底蕴、精湛的表演技艺以及丰富的流派风貌。 --- 梨园遗韵：中国传统戏曲艺术的千年流变与舞台华章 图书定位： 本书旨在系统梳理和深入剖析中国传统戏曲艺术的起源、发展脉络、核心美学特征、主要剧种的艺术精髓及其在当代社会的传承与创新，为戏曲爱好者、艺术研究者及文化探索者提供一部详尽、权威且富有洞察力的参考指南。 图书内容概述： 中国戏曲，被誉为“东方歌剧”，是中华民族智慧与情感的结晶，集文学、音乐、舞蹈、表演、武术、美术、服饰等多种艺术形式于一体的综合性舞台艺术。本书以宏大的历史视野和细腻的文本分析，带领读者走进这个充满虚拟、写意、程式化美学的艺术殿堂。 第一编：溯源与奠基——戏曲艺术的孕育与成熟 第一章：远古的回响与雏形 本章追溯戏曲艺术的早期渊源，从原始社会的祭祀歌舞、汉代的相声、魏晋南北朝的百戏、唐代的参军戏、宋代的“诸宫调”和南戏的兴起到元代杂剧的成熟，勾勒出戏曲从民间娱乐向规范化舞台艺术演变的关键节点。重点探讨了“科范”（表演规范的雏形）和“曲牌”（音乐基础）的形成过程。 第二章：元杂剧的巅峰：文学性与定型 详细剖析元杂剧（以关汉卿、王实甫为代表）的结构、脚色制度（生、旦、净、丑）的初步确立，以及“一折一换宫调”的音乐特点。着重分析《窦娥冤》《西厢记》等经典剧目在主题思想、人物塑造和叙事结构上的突破，展现元杂剧如何确立中国戏曲的基本范式。 第三章：南戏的繁荣与流变 与北方的杂剧相比，南戏更注重抒情性和生活气息。本章对比南戏与杂剧在音乐体系（南戏的“上正宫”与“乙太和”等曲牌）和表演风格上的差异，并考察南戏在明代向“传奇”过渡中的重要作用。 第二编：明清鼎盛——百花齐放与流派纷呈 第四章：明代传奇的艺术高峰 明代，戏曲艺术进入了前所未有的繁荣期。本章聚焦于“汤显祖现象”，深入解读《牡丹亭》的浪漫主义精神和“情”主题在戏曲中的极致表达。同时，介绍昆山腔（昆曲）在音乐、唱法和舞蹈化表演上的精妙之处，阐述其如何成为中国戏曲的“活化石”和“雅部”的典范。 第五章：花部兴起与地方戏剧的崛起 阐释了清代中后期，随着社会结构的变化和市民阶层的壮大，以“花部”为代表的腔调体系对以昆曲为代表的“雅部”发起的挑战与超越。重点介绍徽班进京的历史事件及其对京剧诞生的决定性影响，并简要概述秦腔、弋阳腔等对地方戏发展的影响。 第六章：京剧的形成与早期发展 本书用大量篇幅探讨京剧如何融合徽班的唱法、汉调的表演、昆曲的曲牌和地方的声腔，最终在道光、咸丰年间定型。详细分析了京剧早期“四大名旦”前的早期表演风格（如程长庚的贡献），以及武戏的成熟。 第三编：艺术内核——戏曲表演的审美范式 第七章：程式化的美学：虚拟、写意与象征 深入解析戏曲区别于西方写实戏剧的核心美学观。阐释“一桌二椅”如何象征万千场景，水袖、马鞭、翎子等道具如何通过程式化的动作完成写意表演。讨论戏曲中时间与空间的灵活处理方式。 第八章：唱、念、做、打的综合修养 本章是关于戏曲表演技术体系的深度解析。 唱（声腔艺术）： 区分板腔体、曲牌体，分析不同剧种的声腔特点（如京剧的西皮二黄、越剧的尺调腔）。 念（语言艺术）： 探讨韵白（如京剧的韵白）与平白（如地方戏的口语化念白）在情绪表达中的作用。 做（表演造型）： 分析眼神、手势、身段等造型艺术在刻画人物内心世界中的表现力。 打（武术与舞蹈）： 详述武戏中“功架”的训练体系，以及武打如何服务于剧情推动和人物性格展现。 第九章：脚色与行当的内涵 系统梳理生、旦、净、丑四大行当的传承谱系和表演规范。特别关注旦角的流变（花旦、青衣、武旦、老旦），以及净角的“勾脸”艺术（脸谱的色彩象征与性格暗示）。 第四编：流派纷呈与当代传承 第十章：近现代京剧的流派之争与创新 重点聚焦“四大名旦”——梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生——如何将传统戏曲提升到世界艺术的高度。分析梅派的雍容典雅、程派的凄婉低回、尚派的刚健清丽、荀派的活泼娇俏，展示了在特定历史时期，艺术家如何通过个人风格对传统进行再创造。随后探讨周信芳（麒派）等其他重要流派的贡献。 第十一章：地方戏曲的勃兴与多元格局 本书不局限于京剧，将视野投向全国。详细介绍川剧、粤剧、越剧、豫剧、黄梅戏等主要地方剧种的音乐特色、表演风格及其在地域文化中的深厚根基，展现中国戏曲“一花独放”的繁荣景象。 第十二章：戏曲艺术的当代挑战与未来展望 探讨现代科技与新媒体对传统戏曲传播的影响。分析戏曲在当代舞台（如新编历史剧、实验性演出）中的探索与突破，以及如何在保持“精气神”的同时，吸引年轻观众，实现艺术的创造性转化与创新性发展。 结语： 戏曲，不仅是过去的回响，更是活着的历史。它以其高度凝练的舞台语言，承载着中华民族千年的伦理观念、审美情趣与生命哲学。 --- 本书特色： 1. 体系完整： 从起源到当代，对戏曲的文学、音乐、表演要素进行立体化的阐述。 2. 细节丰富： 对经典剧目、著名表演艺术家的技法分析深入细致，具有很强的可读性和学术参考价值。 3. 视角客观： 平衡了对“雅部”（昆曲）的尊重与对“花部”（地方戏）的重视，全面展现中国戏曲艺术的多元性。 目标读者： 戏曲专业学生、艺术史研究者、文化传播工作者，以及所有对中华传统文化抱有浓厚兴趣的读者。

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我必须承认，我最初是被它的书名吸引的，但真正让我沉浸其中的，是它那种讲述故事时特有的韵律感。作者的文字功底极为深厚，遣词造句既典雅又不失活泼，读起来朗朗上口，仿佛能听到古老的吟游诗人正在耳边低语。情节的推进张弛有度，高潮迭起却不显得突兀，转折处总是那么自然而然，让人忍不住想一口气读到最后。更难得的是，故事中蕴含的哲理思考非常深刻，虽然是面向年轻读者的叙事，但其中关于勇气、善良与成长的探讨，即便是成年人读来，也依然能获得触动和启发。那些隐喻和象征手法运用得炉火纯青，为故事增添了无限的解读空间，每次重读都会有新的感悟，这才是真正的好书的标志。

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说实话，最初我担心这类经典题材的故事会显得老套乏味，毕竟很多情节都能在其他地方看到影子。然而，这本书的神奇之处就在于，它用一种近乎“去芜存菁”的方式，重新提炼和讲述了那些核心的母题。它既保留了传统故事的精髓和魅力，又注入了极其现代和细腻的心理描摹，让那些古老的角色仿佛获得了新生，他们的困境和挣扎变得更加贴近当代读者的情感共鸣。作者没有刻意去迎合潮流，而是以一种极为真诚的态度去对话经典，这种尊重与创新并行的手法，使得整部作品既有怀旧的温度，又不失前卫的思辨性，最终呈现出的效果是既熟悉又耳目一新，实属难得。

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这本书的插画简直是视觉的盛宴，每一页都像是一幅精心绘制的油画，色彩的运用大胆而和谐，光影的过渡细腻得让人惊叹。我尤其喜欢那些对角色表情的刻画，那种微妙的情绪变化，仅仅通过线条和色彩的叠加，就能被表现得淋漓尽致。故事的排版也十分讲究，文字与图画的布局错落有致，读起来一点也不觉得拥挤，反而有一种呼吸感。装帧的质感也非常好，拿在手里沉甸甸的，能感受到制作方的用心。这不仅仅是一本用来阅读的书，更像是一件可以陈列的艺术品，即便是放在书架上，也能为整个空间增添一份典雅的书卷气。我给家里的孩子买了不同类型的绘本，但这一本在视觉冲击力和艺术水准上，绝对是名列前茅的，很多细节即便是大人反复品味，都能发现新的趣味点，可见其深度所在。

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这本书最让我感到惊喜的是它所构建的世界观的完整性和细节的丰富性。它不像很多简单的故事那样，只是片段式的叙事，而是搭建了一个逻辑自洽、充满生命力的奇幻领域。书中描绘的那些地理风貌、社会结构乃至传说中的生物，都有着非常扎实的背景铺垫，作者显然在这方面下了巨大的功夫。即便是那些看似随意的描写，也往往能找到其内在的关联和呼应，显示出作者强大的掌控力。阅读过程中，我感觉自己不是在被动地接收信息，而是主动地在探索一个真实存在过的平行宇宙，这种沉浸式的体验是许多其他作品难以企及的，让人不禁对作者的想象力表示由衷的敬佩。

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这本书的装帧设计简直是反传统思维的体现，它打破了传统童书那种圆润可爱的外壳，转而采用了更具历史厚重感的材质和设计风格。封面那种仿古皮革的纹理，搭配上烫金的字体，初看之下还以为是一本年代久远的典籍，这种反差感非常抓人眼球。内页纸张的选择也很有讲究，厚实且带有轻微的肌理感，使得墨水的渗透效果呈现出一种复古的质感，仿佛油墨是通过某种古老的印刷技术印制上去的。我特别欣赏它在细节上的考究，比如书签绳的材质和颜色，甚至是扉页的留白处理，都透露出一种匠人精神，让人联想到那些手工打造的珍贵物件，拿在手里把玩也成了一种享受。

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