一代大师谢宗信

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出版者:宗教文化
作者:李福
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2002-8-1
价格:15.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787801234384
丛书系列:
图书标签:
  • 道教
  • 謝宗信
  • 李福
  • 宗教文化出版社
  • 传记
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具体描述

謝宗信道長是當代中國道教界德高望重、受人敬仰的一代大師。他修身種德,謙柔恭遜,恬淡清淨;他慈悲濟苦,方便度人,寓道的精神于平常的事物中。

好的,这是一本关于中国传统艺术与文化传承的著作,书名为《笔墨春秋:宋代文人画的兴衰与影响》。 图书名称:《笔墨春秋:宋代文人画的兴衰与影响》 图书简介 内容概要 《笔墨春秋:宋代文人画的兴衰与影响》是一部深入剖析中国宋代(960年—1279年)文人画发展历程的学术专著。本书旨在通过对特定历史时期艺术思潮、社会结构及哲学思想的综合考察,系统梳理文人画从萌芽到成熟,再到影响后世的完整轨迹。全书以严谨的史料为基础,结合细致的图像分析,揭示了宋代士大夫阶层如何将绘画从单纯的“匠作”提升至“言志”与“载道”的精神高度,从而奠定了中国艺术史中“文人画”这一核心范畴的理论与实践基础。 本书的重点不在于罗列画家及其作品清单,而是着眼于分析支撑文人画兴盛的内在机制。我们探讨了宋代理学(尤其是程朱理学)对艺术观的影响,如“格物致知”如何转化为对自然物象的独特观察视角,以及“存天理,灭人欲”如何促使画家追求笔墨的内在精神而非外在的形似。 第一部分:宋代文化的土壤与文人画的孕育 本书的开篇部分,重点考察了宋代社会结构的变化。与唐代相比,宋代科举制度的完善使得大量出身于中小地主的士人进入政治中枢,形成了强大的文官集团。这一阶层对艺术有着独特的审美需求——他们需要一种能够体现自身学识修养、超越技艺水平的艺术形式。 我们详述了“士人”身份的形成过程。在宋代,士人不仅是官员,更是儒、释、道三家思想的综合继承者。这种身份的复杂性决定了他们的艺术追求必然是内敛、含蓄且富含哲理的。本部分将重点分析“尚意”与“尚理”观念的初步确立,如何为文人画的理论基础打下坚实基础。 第二部分:院体与文人的交织:北宋的艺术格局 北宋时期是文人画理论初步成型的关键阶段。尽管官方的翰林图画院仍是当时艺术生产的主力,但文人画的独立意识已悄然觉醒。本书专门辟章讨论了苏轼(苏东坡)的艺术理论贡献。苏轼提出的“论画以形似,见与鄙夫不殊;论画以神似,则佳手谨严矣”等著名论断,首次明确将绘画的价值标准从技法层面转向精神层面。 我们详细考察了米芾父子(米芾、米友仁)的“墨戏”实践。他们的“云山”画法,特别是米氏的“刷写”技法,被视为文人画笔墨语言发展史上的里程碑。这种不拘泥于细致勾勒、强调墨色变化和书写意味的尝试,是文人画区别于院体院派的显著标志。 第三部分:理学精神与山水意境的深化:南宋的转向 南宋时期,偏安一隅的政治格局使得士大夫阶层更加倾向于内省与哲思。理学思想(如朱熹的哲学体系)渗透到艺术创作的方方面面。本书探讨了南宋山水画如何成为承载家国情怀和人生哲思的主要载体。 我们聚焦于“四大家”中尚未被完全归入文人画体系的代表人物,分析他们的作品如何体现“静观”与“致远”的境界。例如,部分山水画中那种空旷、寂寥的氛围,并非单纯对现实景物的描绘,而是“空”的哲学意象在视觉上的投射。 同时,本书也细致地分析了“院体”画家如何吸收文人画的精神,例如南宋院画的写生功力与文人画的意境表达之间的相互作用与张力,揭示了两者并非泾渭分明,而是在特定历史阶段存在复杂的互动关系。 第四部分:笔墨的语言学探索:技法与书法的融合 文人画的核心在于其笔墨语言,即用写书法的笔法来描绘物象。本书的第四部分是一次关于视觉符号学的探讨。我们分析了宋代画家如何借鉴书法中的“用笔”概念,将线条视为情感的直接流露。 从早期的勾勒皴擦到后期诸家对“披麻皴”“斧劈皴”等皴法的精神化运用,本书追溯了这些技法如何服务于“写意”的最高目标。特别是对“墨分五色”在宋代的实践应用进行了深入解析,指出墨色的微妙变化如何取代了传统色彩的程式化表现,成为表达画家心境的关键工具。 第五部分:余韵与影响:宋代文人画对后世的奠基 宋代文人画不仅是自身时代的产物,更是对元、明、清乃至近现代中国绘画产生了决定性的影响。本书的结语部分,将论述宋代文人画确立的“以书入画”原则、“尚意不尚形”的审美导向,以及对“士人”身份的艺术化建构,如何成为后世所有文人画流派的理论基石。 我们探讨了宋代对“雅集”和“题跋”的重视,如何将绘画作品从单纯的视觉对象,转变为一种包含文本、诗歌、书法在内的综合性文化文本。这种多元化的解读方式,深刻塑造了后世中国艺术品的功能与价值体系。 本书特色 本书的独特之处在于其跨学科的整合视角。它不仅仅是艺术史的叙述,更是将宋代美学、哲学、社会学和文学史熔于一炉的综合研究。作者避免了将文人画理想化、浪漫化的倾向,而是将其置于宋代复杂的政治与思想环境中进行批判性考察。书中的论证逻辑清晰,引证详实,力求还原一个真实、立体、充满内在张力的宋代艺术世界。全书的语言风格力求沉稳内敛,符合学术论著的严谨要求,旨在为研究中国古典艺术和思想史的学者及爱好者提供一份扎实可靠的参考资料。

作者简介

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读后感

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用户评价

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这本书读起来像是一部未完成的史诗,充满了张力和未尽的意味。它的结构松散却又内在紧密,仿佛作者在信手拈来间,构建了一个复杂而又引人入胜的艺术世界。我特别欣赏作者在描述人物内心挣扎时的那种细腻和克制,没有夸张的戏剧冲突,却处处是波涛暗涌。书中对特定时期艺术界生态的描绘,非常真实且富有洞察力,揭示了理想与现实、创新与保守之间永恒的矛盾。那种挣扎不是简单的黑白对立,而是充满了人性的灰色地带,让人深思。特别是对几次关键性的行业变动描写,作者的笔力遒劲有力,精准地捕捉到了时代转向时的那种微妙的震颤。读完合上书本时,留给我的不是一个清晰的结论,而是一连串深刻的问题:艺术的边界在哪里?真正的创新又该如何定义?这本书没有给出答案,但它成功地将这些问题抛给了每一个读者,这种引导思考的力量,远比直接灌输观点更具价值。它的文字像陈年的老酒,初尝平淡,后味悠长,值得反复咀嚼。

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这本书的语言风格非常冷峻、克制,但字里行间却涌动着一种近乎悲怆的宿命感。作者似乎对笔下这位人物的命运有着深刻的理解和同情,但表达方式却异常冷静,这种反差产生了极强的张力。书中对于“失败”和“遗憾”的探讨,是我读过的所有相关题材中最深刻的之一。它没有美化任何挫折,而是直面了天赋异禀者在时代洪流中可能面临的无力和孤独。我感觉作者花了大量篇幅去剖析那些细微的、只有当事人才能体会到的情感波动——比如一个眼神的交汇,一次不经意的触碰,是如何在漫长的人生中留下不可磨灭的印记。这种对情感的微观处理,使得人物的形象异常立体丰满,绝非脸谱化的“大师”形象。它让我思考,所谓的成功背后,究竟隐藏着多少不为人知的妥协和自我牺牲。这本书的厚重感,来自于对人生本质的深刻洞察。

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这本书的叙事视角非常独特,它没有完全聚焦于被描绘的主人公,而是通过一群围绕着他的人——从早年的学徒到后来的赞助人,甚至是批判者——的眼睛来拼凑出一个完整的群像。这种多重透镜的效果,极大地增加了故事的可信度和复杂性。读者需要自行将这些碎片化的观察拼合成一个完整的印象,这是一种非常主动的阅读体验,极大地调动了读者的参与感。我尤其欣赏作者对特定历史背景下“赞助”与“艺术独立”关系的处理,这部分内容极其精彩,揭示了艺术生态中那些不为人知的权力与依附的微妙平衡。书中对不同阶层人物的对话描写也极其考究,每个人都有自己独特的“腔调”,体现了作者对口语和时代语言的精准把握。总体而言,这是一部格局宏大的作品,它不仅仅是关于一个人的成就,更是对一个特定社会文化环境的深度扫描和记录,读完之后,我对那个时代的整体氛围有了更具象化的理解。

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这本书的文字带着一种老派的、沉静的力量,仿佛作者站在历史的长廊回望,用最朴实的笔触勾勒出一个时代的精神风貌。阅读的过程中,我能清晰地感受到那种对传统工艺的敬畏与坚持。它没有冗长的说教,而是通过对日常细节的描摹,展现出匠人精神的内核——那种几十年如一日的专注与对完美的执着追求。尤其让我印象深刻的是书中对手艺传承的描写,那种代代相传的默契,不仅仅是技术的传递,更是价值观的灌输。我仿佛闻到了空气中弥漫的木屑和油墨的气味,看到了光影下斑驳的工具,那些工具本身就带着故事,每一道划痕都见证了岁月的打磨。这本书的叙事节奏非常缓慢,但这种慢并非拖沓,而是一种蓄力,让读者有足够的时间去品味每一个字背后的重量。它让我开始重新审视自己生活中的“快”与“慢”,思考在追求效率的今天,我们究竟牺牲了多少对品质的坚守。那种深入骨髓的文化底蕴,是现代许多浮躁的作品难以企及的深度。

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我必须承认,这本书的阅读体验是极具挑战性的,它要求读者投入大量的耐心和专注力。作者似乎故意打破了传统小说的叙事逻辑,大量使用了内心独白和象征性的意象,使得文本的解读空间变得异常广阔。对于习惯了快餐式阅读的人来说,这本书可能会显得晦涩难懂。然而,一旦你适应了它的频率,就会发现其中蕴含着惊人的美感。书中对色彩、光线和空间的处理,简直达到了绘画般的层次感。我尤其喜欢作者对“寂静”的描绘,那种寂静不是声音的缺失,而是一种饱和的、充满内在对话的宁静,它烘托出主人公在创作高峰期那种与世隔绝的状态。这种对氛围的极致营造,让整个故事拥有了一种近乎宗教般的庄严感。它更像是一部艺术理论的散文诗,而不是传统意义上的传记,它在探讨的,是如何在世俗的泥沼中,保持住艺术灵魂的纯净性,这一点,我深感佩服。

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