中文Photoshop7.0CS时尚创作200例(附光盘) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:委会

出品人:

页数:920

译者:

出版时间:2004-5-1

价格:66.00元

装帧:平装（带盘）

isbn号码:9787561217139

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• 图像处理
• Photoshop7
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• CS
• 设计
• 时尚
• 教程
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• 光盘
• 图形设计

跨越时代的数字影像艺术：深入解析现代设计与后期制作的精髓 本书旨在为所有对数字图像处理抱有浓厚兴趣，并希望在瞬息万变的创意领域中不断精进的读者提供一个全面、深入且与时俱进的学习平台。我们聚焦于当前主流设计软件的强大功能、前沿技术理念，以及如何将这些工具与创意思维完美结合，打造出令人瞩目的视觉作品。 本书的定位是超越特定软件版本的限制，侧重于通用设计原理、高级修图技法、创新视觉效果的实现，以及高效的工作流程构建。我们不局限于任何单一的、已成为历史的软件版本，而是将目光投向数字艺术的未来趋势。 --- 第一部分：奠定数字艺术的坚实基础与现代工作流构建 在信息爆炸的时代，高效的工作流程是决定创意产出质量的关键。本部分将系统梳理现代图像处理的基础理论与必备技能，确保读者无论使用何种新一代的专业软件，都能快速上手并达到专业水准。 1. 色彩科学与视觉心理学在现代设计中的应用 深入探讨色彩空间理论（如Lab、LCH）在跨平台显示和印刷中的精确转换机制。解析色彩的心理暗示作用，如何通过精确的色彩调校来引导观众的情绪和注意力。学习HDR（高动态范围）图像的捕获、编辑与显示标准，这是现代摄影和影视后期不可或缺的一部分。同时，本书将详述位深（Bit Depth）对图像质量的决定性影响，以及如何在非破坏性编辑流程中最大化色彩信息。 2. 非破坏性编辑的核心哲学与实践 彻底摒弃传统、依赖像素覆盖的编辑模式。本书强调图层混合模式的深度剖析，不仅仅停留在表面效果，而是探究其背后的数学原理，以及如何利用它们实现复杂的纹理叠加和光影重建。详细介绍智能对象（Smart Objects）、动态滤镜（Smart Filters）和调整图层（Adjustment Layers）的协同工作，确保任何阶段的修改都能追溯且不损失原始数据。 3. 现代高分辨率图像的存储与管理（DAM实践） 面对日益增长的文件尺寸和素材库，有效的素材管理至关重要。我们将介绍数字资产管理（DAM）的基本概念，如何利用元数据（Metadata）、关键词（Keywords）和自定义标签系统，快速检索和调配数以万计的图像资源。探讨文件格式的演进（如ProRes RAW, OpenEXR, LZW无损压缩）及其在不同工作流中的最佳适用场景。 --- 第二部分：高级修图技术与影像叙事 本部分将聚焦于如何将平凡的素材转化为具有强烈视觉冲击力和叙事深度的作品。这些技术超越了简单的“滤镜式”美化，强调对光线、质感和氛围的精细雕琢。 4. 复杂光影的重塑与三维空间感的营造 精通高级蒙版技术，包括通道抠图（Channel Masking）在处理精细发丝、透明物体时的应用，以及频率分离（Frequency Separation）在高保真皮肤处理中的实践。本书将详细拆解如何使用曲线和曲线蒙版来重建和模拟自然光照，包括使用画笔和工具模拟环境光遮蔽（Ambient Occlusion），从而赋予扁平图像以真实的三维深度感。 5. 纹理、细节与微调的艺术 不再依赖预设的锐化工具，我们将探讨基于梯度的锐化技术，例如高反差保留（High Pass Sharpening）的精确应用，以及如何针对不同介质（屏幕显示 vs 印刷品）进行差异化处理。深入讲解微对比度（Micro-contrast）的控制，这是区分“好”照片和“杰出”照片的关键要素，尤其在建筑和产品摄影中具有决定性作用。 6. 风格化调色与电影级色彩分级（Color Grading） 本书将色彩分级视为叙事工具而非单纯的美化步骤。系统介绍LUT（查找表）的创建、导入与微调。通过学习分离色调（Split Toning）、色彩平衡（Color Balance）以及HSL/通道混合器，读者将能精准复刻经典电影的色彩风格，例如“橙绿对比”的科幻感，或“柔和胶片”的怀旧氛围。 --- 第三部分：创意合成与前沿视觉效果实现 合成是现代视觉艺术的核心技能。本部分将指导读者掌握如何无缝地融合来自不同来源的元素，并创造出逼真或超现实的视觉场景。 7. 复杂对象抠图与边缘处理的精细化操作 超越魔棒和套索工具，本书将重点讲解基于形状轮廓的精确选择，以及如何利用图层样式（Layer Styles）和混合颜色算法来模拟玻璃、水面等复杂材质的边缘光晕和反射。教授如何处理半透明物体（如烟雾、薄纱）的边缘，确保其与新背景的光照一致性。 8. 景深、运动模糊与粒子系统的模拟 为了使合成对象融入环境，必须精确模拟光学效果。详细解析焦外成像（Bokeh）的生成与替换技术，确保合成主体的景深符合环境。深入探讨运动模糊（Motion Blur）的合成应用，学习如何根据假想的运动轨迹生成逼真的拖尾效果，为动态场景增加冲击力。 9. 3D与图像的结合：从二维到沉浸式体验 介绍如何将二维图像数据作为纹理，映射到三维模型上，进行基础的光照分析。探讨如何利用软件中的透视网格（Perspective Grids）和消失点工具来确保合成的元素在空间中具有完美的几何关系，这对于平面广告和海报设计至关重要。 --- 第四部分：高效输出与跨平台优化 最终的作品必须以最优化的形式交付。本部分关注的是从工作空间到成品交付的最后一步优化。 10. 专业的印刷准备流程（Prepress） 详细讲解出血（Bleed）、套准（Registration）和出血线（Trim Line）的设置。掌握油墨分离（Separation）的基础知识，理解CMYK与专色的区别，以及如何检查和避免常见的印刷错误，确保最终印刷品的色彩忠实于屏幕显示。 11. 网络与移动端的优化交付标准 针对数字媒体，本书提供全面的优化策略。包括智能地进行尺寸缩放、文件格式选择（WebP, SVG, AVIF），以及有损压缩与无损压缩的平衡点。学习如何利用切片和导出预设，为网站、社交媒体平台（如Instagram、Behance）定制符合其规范的最佳图像尺寸和文件大小。 本书内容前沿且技术深入，它不是对过时软件界面的机械模仿，而是对数字艺术核心理念的提炼与现代化实践的引导。 读者将学会如何像一位经验丰富的设计总监一样思考，利用最先进的技术理念，高效地解决复杂的视觉挑战，创造出适应未来媒体环境的卓越作品。

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这本**《中文Photoshop 7.0CS 时尚创作200例（附光盘）》**简直是为我这种刚接触PS不久，但又对设计充满向往的“小白”量身定做的！我本来对着那个界面就有点望而生畏，更别提那些复杂的图层模式和蒙版了，感觉专业术语比天书还难懂。可这本书的编排方式却非常亲和。它不是那种枯燥的软件功能罗列，而是直接切入“创作”这个核心。翻开目录，看到“时尚海报设计”、“潮流文字特效”、“网页美化基础”这些标题，立刻就来了精神。最让我惊喜的是，它似乎非常懂得初学者的痛点，每一课例都不是那种遥不可及的复杂项目，而是那种看了就能“一学就会，一做就炫”的小技巧。比如如何快速制作出那种磨砂玻璃质感，或者那种复古胶片颗粒效果，作者都没有直接扔出最终效果，而是把每一步操作都用清晰的截图配上简洁的文字说明，生怕你跟不上。那种感觉就像身边坐着一位耐心十足的老师，手把手教你，你每完成一个小步骤，就能立刻看到自己的作品发生质的变化，极大地增强了我的学习信心。而且，书里附带的光盘资源也相当给力，那些案例原文件和素材的质量都很高，可以直接拖进去练习，比我自己到处找素材方便多了，这对于前期摸索阶段来说，绝对是事半功倍的利器，让我觉得这笔投资太值了。

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这本书的价值，我认为并不在于它有多么“新潮”的软件技巧，而在于它对“设计美学”的坚持和传递。我发现，在所有那些炫酷的特效背后，作者都在反复强调视觉平衡和主题表达。比如有一个案例是关于制作一个复古唱片封面的设计，书中不仅教了如何做出老旧的纸张纹理和油墨溢出效果，更花篇幅解释了为什么选择特定的字体和色彩对比度来呼应“怀旧”这个主题。这让我意识到，Photoshop不仅仅是一个工具，它更像是一个画布，关键在于画布上你想“画”什么，想表达什么情感。光盘里的素材库也很有品位，里面的背景图和纹理素材都不是那种千篇一律的“网络免费素材”，而是带有明显设计风格倾向的，这无形中也提升了我的素材筛选标准。这本书的整体风格是那种沉稳又不失活力的，它既能让你在短时间内掌握一些立竿见影的技巧来完成工作任务，又能潜移默化地拓宽你对“什么是好的设计”的理解边界，是一种既实用又具有一定设计理论深度的学习资源。

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老实讲，我对软件版本问题的执念比较深，我手头很多老项目的文件都是基于7.0或CS时代的工作流程保存的，现在市面上新书动辄就是CC 2024，很多操作逻辑和界面都变了样，看着让人心烦。所以，当我看到这本书明确标注了7.0和CS的兼容性时，立刻就被吸引住了。这简直是为我这种“怀旧”用户提供了一份及时的技能升级方案。这本书的优势在于，它没有强迫你接受最新的界面变化，而是用你最熟悉的操作环境来讲解那些更高级的创作思路。例如，书中处理路径和钢笔工具的部分，讲解得特别细致，对于老版本用户来说，路径面板的操作逻辑至今仍是很多新工具难以替代的。更重要的是，它在讲解那些复杂效果时，往往会提供“效率优化”的小技巧，比如快捷键的组合使用，或者特定滤镜的非主流用法。这些细节，是那些只面向最新版本编写的教程里绝对不会提及的宝贵经验，它们极大地提高了我在日常工作中的处理速度，真正做到了“技术为我所用”，而不是我被技术牵着鼻子走。

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说实话，市面上关于Photoshop的书籍多如牛毛，很多都是老掉牙的教程，要么是针对某个特定版本的功能详解，要么就是堆砌了一大堆生硬的技术名词，根本无法满足我对“时尚”和“创意”的追求。我尤其反感那种只会教你做“影楼精修”的书。但**《中文Photoshop 7.0CS 时尚创作200例》**完全避开了这些雷区。它更注重的是“设计思维”的引导。我发现，它很多案例虽然用的是相对早期的7.0和CS版本作为基础，但它所传授的核心原理——光影的塑造、色彩的搭配、构图的平衡——是永恒的。比如其中关于如何用“曲线”和“色阶”来调整人像氛围感的那几章，讲得极其精辟。它没有简单地说“把亮度调到多少”，而是深入解释了不同色调下，人眼对亮度的感知差异，这让我开始思考“为什么”要这么调，而不是盲目照搬。这种注重底层逻辑的讲解，让我看其他更高级软件的教程时，理解速度都快了不少。这种由浅入深，先抓魂再补形的教学方式，远比那些只教你点哪里、拉多少的“傻瓜式”教程要高明得多，真正培养了我的审美和实战能力。

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我是一个工作了几年，但设计功底一直停留在“能用PS”的水平的职场人士，对老旧的教程已经审美疲劳了。我购买**这本《中文Photoshop 7.0CS 时尚创作200例》**纯粹是抱着试试看的心态，没想到它在“创意实现”这块给我带来了极大的启发。这本书的“200例”里，绝大部分案例都紧跟当时的（或许现在看来也是经典的）视觉潮流，比如碎片化构图、超现实主义拼贴，以及那种高饱和度的霓虹灯光效。最让我印象深刻的是关于“多重曝光与混合模式”的那部分，作者展示了如何将人物剪影和自然景观巧妙地融合在一起，营造出一种梦幻般的视觉张力。这不是简单地把两张图叠在一起，而是通过精妙的图层混合和蒙版处理，让元素之间产生“呼吸感”。而且，这些案例的复杂程度也分级得很好，从基础的图层样式到后期的复杂合成，都有对应的实例覆盖，让我可以根据自己的进度进行跳跃式学习，而不是被拖着走。它成功地把我从“软件操作者”的心态，推向了“视觉创作者”的角度，让我体会到PS强大的表现力远不止于抠图和修饰照片。

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