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出版者:

作者:姜松荣 编

出品人:

页数:203

译者:

出版时间:2004-2

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787535619891

丛书系列:

图书标签:

• 中国美术史
• 美术史
• 艺术史
• 中国艺术
• 绘画
• 雕塑
• 书法
• 建筑
• 陶瓷
• 艺术

好的，这是一份关于《中国古代艺术品鉴赏与收藏指南》的图书简介，内容详实，完全不涉及《中国美术史》的内容： --- 《中国古代艺术品鉴赏与收藏指南：从宋元到明清的器物之美》 导言：穿越时空的对话——为何聚焦器物？ 在浩瀚的中华文明长河中，艺术的表达方式并非仅限于宏大的绘画与建筑。我们身边那些历经岁月洗礼的器物，才是与古人生活脉动最近的媒介。它们承载了不同历史阶段的审美取向、社会风尚、精湛工艺以及思想观念。本书《中国古代艺术品鉴赏与收藏指南：从宋元到明清的器物之美》，并非一部梳理艺术流派演变的通史，而是专注于带您走进中国古代陶瓷、玉器、青铜器、家具及文玩杂项的微观世界。 本书旨在为有志于深入了解中国古代物质文化、希望建立系统收藏体系的读者，提供一套既具学术深度又富实践指导性的入门与进阶参考。我们摒弃了传统艺术史中对“绘画史”或“雕塑史”的侧重，转而将焦点投向那些日常可见、却又蕴含非凡艺术价值的“物”——它们是凝固的历史，是可触摸的文明碎片。 第一部分：陶瓷的“泥土之歌”——从宋代极简到清代繁缛 陶瓷，无疑是中国古代工艺美术中最具代表性的门类。本书将宋元明清四个主要时期视为陶瓷风格转变的关键节点，深入剖析其工艺特征、审美取向及其背后的时代精神。 第一章：宋代五大名窑的“内敛之美” 宋代是中国陶瓷美学登峰造极的时期，其核心在于对“天人合一”境界的追求，体现在对釉色、造型和装饰的极度克制与洗练。 汝窑与官窑： 重点解析其独步古今的“雨过天青”色泽，以及开片（冰裂纹、蟹爪纹）的形成机理与审美价值。我们将探讨其烧制难度和在宫廷中的专属地位。 哥窑与钧窑： 侧重于“紫口铁足”的特征、釉面中温差变化产生的“入窑一色，出窑万彩”的神奇效果，以及宋人对自然随机美的极致推崇。 定窑与磁州窑： 对比北方两大瓷窑的差异。定窑的覆烧法、覆烧痕迹的辨识，以及其刻花、印花的精妙工艺。磁州窑则代表了民间艺术的活力，其白地黑花、铁锈斑的粗犷与率真，是研究宋代世俗生活的重要窗口。 第二章：元代“气象万千”的青花革命 元代青花瓷是世界贸易和东西方文化交融的产物。本书将详细拆解元青花的几个关键辨识点： 钴料的运用： 探讨进口苏麻离青（平等青）的特点，如“锡光”和层次分明的“铁锈斑点”。 绘画风格： 元青花图案往往雄健大气，充满叙事性，如龙纹的动势、婴戏图的繁密，与宋代的含蓄形成鲜明对比。 胎体与款识： 辨识元代厚重的胎体以及独特的纪年款或纪地款的特点。 第三章：明清瓷器的“官搭民烧”与集大成 明清两代，景德镇的地位进一步巩固，制瓷体系趋于成熟，但风格变化极大。 永乐宣德时期： 专注于“永宣斗彩”的成熟、雄浑的器形（如抱月瓶），以及早期青花的浓郁深沉。 成化斗彩与弘治单色釉： 探讨“鸡缸杯”背后的工艺秘密，以及弘治时期对纯净、匀净釉色的极致追求。 康熙、雍正、乾隆三朝： 详述“清三代”瓷器的巅峰工艺。康熙的“硬彩”与郎窑红的成功，雍正时期对色彩的精细调控（粉彩、珐琅彩的创新），以及乾隆时期繁复的“百花不落”装饰风格与款识的标准化。本书会提供清晰的图谱，教导读者如何区分不同时期的款识风格和釉面光泽。 第二部分：玉石的“温润之道”——从礼器到雅玩 玉器是中国人精神世界的载体，象征着德行与身份。本书跳出商周礼器研究的传统范畴，重点关注明清文人阶层对玉器的再创造。 第四章：明代“仿古”与“尚意” 明代玉器的特点是突破了宋元对古玉的过度模仿，形成了自身独特的审美趣味。 和田玉的开采与运输： 简述明代玉材的来源对玉雕风格的影响。 仿古器的演变： 探讨明代仿制商周礼器时，如何在造型上保持厚重感，却在纹饰处理上融入明代线条的柔和。 文人题材的兴起： 观音、佛像、山水摆件等小型件的兴盛，以及对玉石“自然沁色”的利用（如巧雕中的“借色”）。 第五章：清代玉雕的“精雕细琢”与“化腐朽为神奇” 清代玉雕达到了前所未有的工艺高度，尤其在乾隆时期，对玉材的理解和运用达到了化境。 “乾隆工”的定义： 深入分析清宫玉器的几个标志性特征：极薄的壁度、繁复的锼镂工艺（镂空雕）、对玉石上“绺裂”的巧妙处理（“随形就势”）。 白玉与青玉的地位： 区分不同玉材在清宫中的使用场合，如青玉常用于大型陈设件，白玉则常用于精巧的把玩件。 “沁色”与“皮色”的辨析： 重点讲解如何区分自然沁色与人工仿古沁色，这是收藏玉器时最关键的一环。 第三部分：青铜器、家具与文玩杂项的“形制之学” 收藏的乐趣在于多样性。最后一部分将目光投向对器形研究要求极高的青铜器、明清家具以及书房文玩。 第六章：古代青铜器的“铭文与断代” 本书不求深入三代青铜器铭文的释读，而是侧重于实用鉴别： 纹饰与器形的关联： 如何通过鼎、簋、爵等器型的基本形制，初步判断其大致年代（如商代饕餮纹的威严感与周代垂鳞纹的规整性）。 锈色的研究： 介绍“孔雀绿锈”、“朱砂锈”等典型锈色的成因及其在断代中的参考意义。 第七章：明式家具的“文人骨相” 明式家具以其简洁、匀称和强调木材本身纹理的特点，成为当代收藏界的宠儿。 “线脚”与“榫卯”： 详细解析明式家具（如圈椅、条案）的S形线脚、直棂结构以及关键榫卯（如燕尾榫）的工艺标准。 硬木的选择： 辨识黄花梨、紫檀等珍贵木材的典型纹理（如黄花梨的“鬼脸”和“水波纹”）。 第八章：文玩杂项的“眼力培养” 本章着眼于书房文化相关的器物，帮助读者建立对杂项的初步判断标准： 竹木牙雕： 如何区分不同时期的竹刻刀法（如清初的“竹根雕”的拙朴与清中期的“细刻”的精细）。 漆器： 重点介绍剔红工艺的层次感和光泽度，特别是明清两代剔红器在不同光线下的视觉效果差异。 结语：收藏的终极目标——“格物致知” 本书的价值不在于提供一个简单快速的“捡漏秘籍”，而在于提供一个系统的知识框架，帮助读者理解每一件器物背后的工艺技术、审美哲学和时代背景。通过对这些物质载体的深入研究，我们得以更真切地触摸和理解中华文明的演变脉络。真正的收藏，是“格物致知”的过程，是与古人精神世界的持续对话。 ---

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这本书的装帧设计和整体排版也体现了极高的专业水准，这不仅仅是内容上的优秀，更是阅读体验上的加分项。纸张的选择非常考究，既能很好地承载墨色的深沉，又不会反光刺眼，长时间阅读下来眼睛非常舒适。字体设计上，正文与引文、注释部分的区分清晰明了，逻辑层次感极强，使得阅读时的思维导向非常明确。更值得称赞的是，大量的专业名词和人名地名都有清晰的注释或索引，这对于需要频繁查阅和交叉参考的读者来说，是极其便利的设计。整体来看，这本册子在视觉上给人一种沉稳、典雅的气质，拿在手上就有一种厚重感和被尊重的仪式感，而不是那种轻飘飘的快餐读物。它无疑是制作精良的艺术史著作典范，体现了出版方对知识载体的尊重。

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我必须得赞扬一下作者在学术严谨性和可读性之间的拿捏分寸。作为一个非科班出身的读者，我最怕的就是那种满篇的拉丁文术语和晦涩难懂的专业术语堆砌起来的“学术砖头”。然而，这本书却做到了深入浅出。当涉及到一个关键性的历史人物或一个复杂的理论框架时，作者会用非常精准、近乎口语化的语言进行解释，仿佛是一位学识渊博的教授在面对面为你娓娓道来。即便是涉及到一些墓葬考古的细节或者碑刻拓片的分析，作者也能用生动的比喻，将那些冰冷的考古发现还原成充满生命力的历史现场。这种“化繁为简”的能力，让那些原本可能只对专业人士开放的知识领域，对普通读者也敞开了大门。它既能满足资深研究者对细节考证的需求，又不会让初学者望而却步，这种平衡处理，在同类书籍中是极其罕见的。

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这本书的材料搜集工作量简直令人咋舌，我从中获取了太多意想不到的知识点。它不仅覆盖了我们通常熟知的宫廷艺术和文人画的主流叙事，更深入挖掘了大量被主流史学忽略的“民间”或“地方性”艺术实践。比如，其中关于徽州木雕和苏绣在不同历史时期的技艺流变和市场地位的论述，就提供了非常新鲜的视角，让我意识到中国艺术史的版图远比想象的要辽阔和多元。我特别喜欢作者在考证某一特定器物时，那种侦探般的细致入微，他会追溯一件瓷器从窑口烧制到最终被收藏的完整路径，其中涉及到的工匠地位、贸易路线甚至税收政策都被纳入了考量范围。这种“全景式”的艺术史观，极大地拓宽了我对“艺术生产”这一概念的理解，让我看到了艺术是如何与经济、社会结构深度交织在一起的。

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这本书的叙事结构非常新颖，它没有采用那种死板的、按时间轴平铺直叙的编年体写法，而是巧妙地将历史脉络和专题研究结合在一起，读起来一点也不觉得枯燥。作者似乎更倾向于从“思潮”和“流派”的角度切入，比如在讨论宋代山水画的“胸中丘壑”时，他会穿插介绍当时的哲学思辨和社会背景，使得艺术风格的演变不再是孤立的事件，而是与整个时代精神紧密相连的有机体。这种跳跃式的、网状的叙事，极大地激发了我的探索欲，让我不断地在不同朝代和地域之间进行思考和比较。有时候，他会突然抛出一个极具洞察力的观点，比如将某种装饰母题的变迁与当时的漕运或海外贸易联系起来，这种跨学科的视野让人耳目一新，远超出了传统艺术史的范畴。这本书的节奏控制得极好，读完一个大的章节，总会有一种意犹未尽、想要立刻查阅更多相关资料的冲动，这正是一本优秀学术著作的魅力所在。

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这本书的插图简直是视觉的盛宴！每一次翻页都像走进了一个全新的艺术殿堂，那些高清的彩版印刷，色彩的还原度高得惊人，让我这个常年对着屏幕的读者都能感受到笔触的细腻和颜料的厚重感。尤其是一些古代壁画和卷轴画的细节放大图，简直是教科书级别的展示，那些人物的神态、衣褶的流动，乃至背景的纹理，都以前所未有的清晰度展现在眼前。我记得有一幅唐代的仕女图，原画中一些微妙的晕染和朱砂的层次感，在这本书里被表现得淋漓尽致，让我对那个时代画家的功力有了更直观的认识。它不仅仅是一本“看图”的书，更像是一个精心策展的私人画廊，作者在配图的选择上显然是下了大功夫的，每张图都恰到好处地服务于旁边的文字论述，让抽象的理论描述立刻变得具象化和可触摸。对于想要深入研究中国绘画技法和审美变迁的人来说，这套图版资料的价值是无可替代的，它提供的视觉证据远胜于千言万语的描述，强烈推荐给所有重视视觉体验的艺术爱好者。

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为了考试才看的~按历史先后顺序的编排果然强过各种乱七八糟的辅导书。

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一般的美术史教材，梳理历史。

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