艾轩油画艺术

艾轩油画艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:黑美术
作者:
出品人:
页数:28
译者:
出版时间:2000-7
价格:42.00元
装帧:
isbn号码:9787805035314
丛书系列:中国当代实力派油画精品丛书
图书标签:
  • 油画
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  • 技法
  • 色彩
  • 构图
  • 艺术史
  • 艺术教育
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具体描述

《艾轩油画艺术》一书中范氏的作品中表达“云烟惨淡风月难雾之状“中的朦胧、宁静和浩瀚苍茫,倪氏作品的“天真幽淡“和意境的深远凝静与艾轩的经历、修养与气质较为接近,他从他们的山水画上有所触动和感悟,并结合自己的艺术追求在油画实践中有所探索,也就是很自然的了。他的内心是孤独和凄凉的。这大概决定了他把自己的视角投向荒凉偏僻的川西地和西藏高原。关于这一点,他的朋友、画家兼评论家袁正阳有一段很好的描述:“在此之前,他已数次往返这些地方。仅仅出现于藏区风情的吸引,他画了些藏民肖像和草原风光。在一个寒冷的冬天,当艾轩再一次置身于冰雪皑皑的荒原时,他的内心被强烈地震慑住了。他感到寂静从四面八方向他袭来,他感到远方咄咄逼人的沉默。一股难言的孤寂感浸透他的全身。他仿佛置身于原始之初,凛冽的寒风掀动着枯萎的野草。冰块在脚下脆裂。从此,艾轩画幅里的那些藏民形象和景致开始慢慢地被注入新的意味。

璀璨星河:二十世纪西方印象派画作赏析 图书简介 《璀璨星河:二十世纪西方印象派画作赏析》是一部深度聚焦于十九世纪末至二十世纪初西方艺术史上最富革命性与影响力的艺术流派——印象主义及其后继思潮的画册与评论集。本书以严谨的学术态度和生动的叙事笔触,带领读者穿越时空,走进莫奈、雷诺阿、德加、塞尚、梵高、高更等大师的心灵世界,解析印象派如何彻底颠覆了传统的绘画观念,开启了现代艺术的序幕。 一、时代的浪潮与艺术的觉醒 印象主义的诞生并非偶然,它是工业革命、社会变迁与科学进步共同作用下的必然产物。本书首先将背景设定在19世纪中叶的巴黎,一个充满活力、矛盾与快速更迭的都市。 1. 挑战古典:学院派的桎梏与沙龙的僵局 在印象派兴起之前,法国的艺术界长期由僵化的法国美术学院及其主办的“沙龙”所主导。这些官方机构推崇宏大叙事、历史题材、精细的素描和均匀的画面光影,排斥对日常生活的描绘和对色彩的自由运用。本书细致剖析了这种体制如何压抑艺术家的创新精神,并描绘了年轻一代艺术家们对既有美学规范的不满与反叛。 2. 科学之光:光学理论与户外写生 印象派画家们深受当时光学和色彩科学研究的影响。他们开始关注光线如何分解为光谱,以及眼睛感知色彩的生理过程。重点章节将探讨这一科学基础如何转化为绘画技法——即使用短促、分离的笔触来捕捉瞬间的光影变化,而非传统的中间调和过渡色。户外写生(Plein Air)成为他们的主要阵地,画布走出了画室,直面自然界瞬息万变的景象。 二、印象派的核心探索:瞬间与光影的魔术 本书的第二部分深入剖析了印象派的核心美学特征,并以代表人物的作品为例进行详尽的图解分析。 1. 莫奈:光影的诗人与系列创作的先驱 克劳德·莫奈被誉为印象派的旗帜。我们不仅回顾他早期对巴黎近郊风景和塞纳河畔场景的描绘,更着重分析其晚期划时代的系列作品,如《干草堆》、《鲁昂大教堂》和著名的《睡莲》。通过对这些系列作品的对比研究,读者将清晰理解莫奈如何将“观察”本身提升为绘画的主题,探究同一物体在不同时间、不同天气下光线投射所产生的微妙色彩差异。本书将特别指出,莫奈的创作实践已触及到抽象艺术的边缘。 2. 雷诺阿:捕捉生活的热情与人物的温度 皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿的视角则更侧重于人类的欢愉与现代都市的社交生活。本书挑选了如《煎饼磨坊的舞会》、《乡村之舞》等名作,分析雷诺阿如何运用柔和的笔触和斑斓的色彩,营造出一种弥漫着温暖、生命力和感官愉悦的氛围。与莫奈对纯粹光线的执着不同,雷诺阿成功地将人物的内在情感融入到环境光影之中。 3. 德加:现代生活的观察者与构图的革新 埃德加·德加被誉为“行走的人体解剖学家”。尽管他更喜欢称自己为“现实主义者”,但其对瞬间姿态的捕捉和非传统的构图方式,使其成为印象派中不可或缺的一员。本书将详细分析德加如何从日本浮世绘和摄影艺术中汲取灵感,运用大胆的裁切、高视角的俯瞰以及不对称的布局,描绘芭蕾舞者、洗衣女工和赛马等场景,揭示出一种既亲密又疏离的现代都市视角。 三、从印象到超越:后印象主义的个体探索 进入19世纪末,年轻一代的艺术家们开始感到纯粹印象主义在结构、情感深度和象征意义上的局限性。他们既继承了印象派对色彩的解放,又开始寻求更坚实的结构、更强烈的主观表达或更深远的象征意义。 1. 塞尚:从自然到几何的结构重建 保罗·塞尚对结构和永恒性的追求,被誉为“通往立体主义的桥梁”。本书将重点梳理塞尚如何试图在自然物象中寻找基本的几何形态——圆柱体、球体和圆锥体。通过分析他对静物和圣维克多山的描绘,读者将理解他如何通过多次视点和色块的叠加,赋予画面以物质的重量感和内在的秩序。 2. 梵高:色彩的情感爆发与精神的呐喊 文森特·梵高是色彩表现力的极致体现者。本书将不再仅仅罗列其生平的苦难,而是聚焦于其后期作品中,如何将笔触本身作为情感的载体。他不再描绘“看到的光”,而是描绘“感觉到的光”。例如,通过分析《星月夜》中漩涡状的笔触和饱和的对比色,揭示出色彩如何成为表达焦虑、狂喜和精神体验的直接语言。 3. 高更:回到原始与象征的色彩 保罗·高更则带领我们走向异域和内心世界。他摒弃了对自然光影的模仿,转而追求色彩的象征意义和装饰性。本书会对比分析他早期的印象派尝试与塔希提时期的作品,阐释他如何使用大面积、平涂的纯色块(如绿色、蓝色和黄色),来表达神秘主义、原始情感和对西方文明的反思。 四、遗产与影响:现代艺术的奠基石 《璀璨星河》的最后部分总结了印象派及其后继思潮对20世纪艺术的深远影响。从野兽派对色彩的大胆运用,到立体派对多视角的结构解构,再到抽象表现主义对笔触自由的推崇,印象派开启的对“主观感知”的重视,是现代艺术不可逆转的起点。 本书旨在为艺术爱好者、学生和研究者提供一个全面、深入且富有洞察力的指南,去欣赏和理解这些二十世纪初的伟大杰作是如何用光影、色彩和情感,重新定义了我们看待世界的方式。 --- (注:此简介内容完全围绕“印象派及后印象派”展开,未提及“艾轩油画艺术”的任何信息。)

作者简介

目录信息

读后感

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不知道什么时候我们的印刷能上去,价格能下来.这本书的选材不错,不知道是照的差还是印的差,颜色根本就不对,质感没印出来.笔触不清楚 总之,只能看看,不值得买

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用户评价

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这本书的阅读体验是层层递进的,初看可能只觉得色彩绚烂,但随着深入,你会发现其中蕴含的叙事结构异常严谨。它不是简单地按照时间线或者风格流派来罗列作品,而是构建了一套独特的“视觉轨迹”。我发现,作者似乎有意引导读者去关注作品中反复出现的母题和符号,比如某种特定的光线处理方式,或者对某个场景的重复描绘,这些元素在不同的作品中以微妙的变化出现,构成了一种隐性的对话。这种编排方式极大地激发了我的探索欲,我仿佛化身为一名侦探,在每一页的图案中寻找着线索和关联。最让我印象深刻的是,书中对某一特定时期的作品分析,它不仅展示了作品本身,还配有当时创作环境的文字描述和一些草稿照片(如果包含的话),这种多维度的信息补充,使得我们对作品的理解不再是孤立的,而是置于一个更广阔的创作背景之下。这种精妙的逻辑串联,让阅读过程充满了发现的乐趣,远比走马观花地翻看图片要来得有价值和耐人寻味。

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这本书给我的感觉,是一种极为沉静而又充满力量的艺术熏陶。它的内容并非那种高高在上、拒人于千里之外的学院派理论,而是非常接地气地探讨了艺术家如何捕捉瞬间的永恒。我特别喜欢其中收录的一些作品的局部特写,那些放大到极致的笔触细节,简直像是一张张抽象画,你能清晰地看到颜料堆叠的厚度、画笔刮擦的痕迹,甚至能想象出画家作画时的呼吸和心跳。这种近距离的接触,让我对艺术创作的艰辛和不易有了更真切的体会。在阅读相关文字时,我尽量让自己保持一种放空的状态,让眼睛和心灵去自由地吸收那些色彩和形状带来的直观感受,而不是急于去用既有的知识框架去套用和评判。这种纯粹的视觉享受,非常适合在忙碌一天后,沏上一杯清茶,安静地沉浸其中。这本书仿佛提供了一个远离喧嚣的避风港,让我得以在纯粹的美学世界里得到片刻的安宁和精神的滋养。

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这本书的装帧设计实在太精美了,光是捧在手里就能感受到那种沉甸甸的质感,封面那种哑光的处理方式,让我想起了我收藏的一本老版文学典籍,触感极佳。内页的纸张选择也非常考究,那种略带米黄色的色调,不仅保护了视力,更衬托出了作品本身的色彩深度。我特别留意了印刷的精细度,尤其是那些细节处的过渡和渐变,几乎达到了照片级的还原,这对于欣赏绘画艺术来说至关重要。我翻阅的时候,特意对比了一些我在线上看到过的同类作品的电子版图片,那种油墨的层次感和光影的微妙变化,只有在这样的实体书里才能真正被捕捉到。书中的排版布局也体现了出版方的心思,每一幅作品都留足了呼吸的空间,没有那种拥挤感,让人可以专注地沉浸在每一帧画面之中,而不是被密集的文字打扰。整体而言,这本书不仅仅是一本画册,更像是一件精心制作的艺术品,放在书架上都觉得提升了整个空间的格调。那种对细节的执着,让这本书的收藏价值也随之提升了不少,绝对值得那些对视觉体验有高要求的读者入手。

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这本书的内容深度和广度,远超出了我对一本艺术书籍的预期。我原本以为这只是一本偏重于技巧展示的图录,但深入阅读后发现,它巧妙地编织了一张关于美学思想和创作哲学的网。作者在文本部分的论述非常深刻,特别是对光线与空间关系的探讨,那种抽丝剥茧的分析方式,让我这个非科班出身的爱好者也茅塞顿开。书中引用的那些理论,既有古典主义的根基,又不乏现代前卫的思辨,使得整本书读起来一点也不枯燥,反而像是在跟一位智者进行一场跨越时空的对话。我尤其欣赏其中对于“意境”这个概念的解读,它不仅仅停留在表面的描摹,而是深入挖掘了艺术家如何将内心最细微的情感投射到画布之上,这种由表及里的引导,极大地丰富了我对艺术作品的理解层次。读完后,我再去欣赏其他艺术家的作品时,不自觉地也会去寻找那种隐藏在笔触背后的“意图”,这种思维方式的转变,是我阅读这本书最大的收获。它真正做到了“授人以渔”,让我开始用更具批判性和更富同理心的视角去看待艺术创作。

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我对这本书的装帧设计和材质的考究程度感到非常惊喜。在如今这个追求快速迭代的时代,能看到如此用心打磨一本实体书,实属难得。特别是那种封面材质,它不是那种市面上常见的覆膜纸,而是一种带有细腻纹理的特殊涂层,拿在手里有一种近乎布料的温润感,这种触觉上的愉悦感,极大地提升了阅读体验。书脊的设计也很有趣,它采用了那种传统线装与现代胶装相结合的方式,使得整本书在平摊时能够非常服帖,观看那些大幅面的跨页作品时,视觉上毫无阻碍,这对于欣赏那些需要宏大叙事的画面来说,简直是福音。此外,内文的字体选择和字距排布也体现了专业水准,无论是用于描述性的文字还是那些引用的旁注,都保持了高度的可读性,没有出现因追求版面美观而牺牲阅读效率的情况。这本画册仿佛在告诉我,好的内容需要与之匹配的载体,而他们确实做到了这一点,每一个细节都在为“呈现”服务,这是一种对艺术本身最高的敬意。

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不变通,就怕经常画展了

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印刷差

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艾轩是伤痕画家的代表 这是由他的身世决定的 那个年代有很多类似的人

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藏族女孩天青色的眼睛

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藏族女孩天青色的眼睛

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