具体描述
彼得·伊利奇·柴科夫斯基，俄罗斯作曲家。
俄罗斯作曲家柴科夫斯基于 1840年5月7日在俄罗斯的沃钦斯克出生，1893年11月6日在俄罗斯的彼得堡逝世，享年53岁。
柴科夫斯基并没有出生在音乐世家， 4岁到8岁学法语和德语等。即使如此，他仍然是一个对音乐感受性特强的孩子。
10岁时听从父母的规劝，到彼得堡的法律学校学习。
14岁时母亲的去世成为柴科夫斯基渲染到音乐中去的契机。虽然还在从事有关法律的工作，但是他无论如何不想放弃音乐。21岁进音乐学校，23岁放弃有关法律的工作，正式跟音乐老师学习作曲法。
柴科夫斯基加强了同以巴拉基列夫为首的，由俄罗斯音乐家鲍罗廷、居伊、穆索尔斯基、里姆斯基一科萨科夫组成的“五人团”的交流。
这个时代也正是芭蕾的中心地从意大利转移到俄罗斯之时。从 28岁到38岁之间，柴科夫斯基定写下了《天鹅湖》、《如歌的行板》、《叶甫盖·奥涅金》等名作。
之后，柴科夫斯基辞去了音乐学院的职务，每年有一半时间在外国，一半时间在俄罗斯的别墅度过，并写下了《睡美人》、《胡桃夹子》等作品。
53岁是地，刚初演完《第六交响曲》，柴科夫斯基就离开了人间。死因至今不详。
代表作品：
第六交响曲“悲怆” (1893年)
舞剧《天鹅湖》 (1875年－1876年)
伤感圆舞曲 (1882年)
舞剧《睡美人》 (1888年－1889年)
舞剧《胡桃夹子》 (1891年－1982年)
作者简介
目录信息
舞剧《天鹅湖》选段“情节舞蹈”
舞剧《天鹅湖》选段“四小天鹅舞”
舞剧《睡美人》选段“圆舞曲”
舞剧《睡美人》选段“玫瑰的柔板”
舞剧《胡桃夹子》选段“进行曲”
舞剧《胡桃夹子》选段“巧克力（西班牙舞）”
舞剧《胡桃夹子》选段“特列帕克（俄罗斯舞）”
舞剧《胡桃夹子》选段“糖果仙子之舞”
舞剧《胡桃夹子》选段“花之圆舞曲”
第一钢琴协奏曲 第一乐章
第一钢琴协奏曲 第二乐章
钢琴三重奏曲 “纪念一位伟大的艺术家”
选自《小品六首》“夜曲”
选自《小品六首》“伤感圆舞曲”
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
这本书的编排和引用的资料非常用心，看得出作者下了大量的功夫去查阅那些第一手的文献和手稿的注释。它不像有些传记文学那样，只是对生平事迹的简单复述，而是真正深入到创作的“现场”。作者对细节的关注达到了令人发指的地步，比如对某个特定手稿上涂改痕迹的分析，以及这些改动对最终听觉效果带来的细微却关键的影响。这种“微观考古”式的写作手法，让读者仿佛拿到了放大镜，与作者一起探究艺术家思维闪烁的瞬间。这本书的文字密度非常高，每一句话都承载了丰富的信息量，但得益于流畅的文笔，阅读起来并不会感到拥堵。我用了一个多星期的时间，仔细研读了这本书的后三分之一，主要集中在关于“诠释”的部分。作者对不同演奏家的版本进行对比分析，那种冷静而又充满洞察力的比较，让我对“一首曲子，千种面貌”有了更深刻的理解。这是一本值得反复品读的书，每次重读，都能从中挖掘出新的层次和感悟，绝对是音乐爱好者书架上的常青树。
评分这本书给我最大的震撼在于其对“情感表达”的探讨深度。很多音乐书籍会谈论激情、悲伤或喜悦，但这本书却深入挖掘了那些介于情感之间的灰色地带——那种难以名状的惆怅，或是克制到近乎冷漠的爆发力。作者似乎对人性的幽微之处有着超乎寻常的敏感。他分析某段慢板时，没有直接贴上“忧伤”的标签，而是细腻地描述了那种“在清晰的逻辑下，情感却无处安放”的矛盾状态，这种精准的描述简直让人拍案叫绝。这种写作风格，非常具有文学性，甚至带有一丝哲学的思辨意味。它迫使读者跳出单纯的音乐欣赏范畴，去思考艺术与存在、与时间流逝之间的关系。阅读过程中，我常常停下来，不是因为不懂，而是因为被作者的某句话触动了太深，需要时间消化那种情绪的共振。这本书不提供简单的答案，而是提出更深刻的问题，激发你去质疑和探索自己内心的感受，它更像是一面镜子，映照出我们对美好事物追求的复杂心绪。
评分这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种深邃的墨蓝与灵动的金色线条交织在一起，仿佛能让人瞬间置身于一个宏大而又充满神秘感的音乐厅。初次翻开时，我原本以为这是一本严肃的音乐理论著作，但很快就被作者那种行云流水的叙事方式所吸引。他并非简单地罗列音符和和声的知识点，而是将音乐的创作过程描绘成了一场与内心深处的对话。书中对不同乐章的情感张力处理得极其细腻，比如某段高潮部分的弦乐群，作者用词之精准，让我仿佛能听到那些颤动的琴弦在耳边嗡鸣。尤其赞赏的是，作者似乎有一种魔力，能将抽象的听觉体验，转化为可以触摸、可以感受的具象画面。读到关于旋律发展的那一章节时，我甚至不得不放下书，走到窗边，试图捕捉城市里那些微弱却又坚韧的声响，去理解那种“从无到有，由弱到强”的生命力。这本书的阅读体验非常独特，它更像是一次深入灵魂的导览，带领读者去探索音乐家内心世界的幽微之处，而不是枯燥的学术研讨。它成功地架起了一座桥梁，让一个非科班出身的普通听众，也能窥见艺术创作背后的那份极致的孤独与狂喜。
评分我得说，这本书的行文节奏感把握得极好，读起来有一种天然的韵律感，让人爱不释手。作者在处理那些关于结构分析的部分时，展现出了令人惊叹的洞察力。他没有采用那种教科书式的机械拆解，而是像一位技艺高超的钟表匠，耐心地将复杂的乐曲结构层层剥开，展示内部精妙的齿轮咬合。我印象最深的是对某种特定对位法的探讨，通常这类内容会让人感到晦涩难懂，但在这里，作者用了大量的比喻和生活化的场景来阐释，比如将不同声部的交织比作城市中两条河流的汇合，各自拥有独立的流向，却又在交汇处产生新的力量与波涛。这种叙事上的灵活变通，极大地降低了理解门槛。更妙的是，作者时不时会穿插一些时代背景的考察，让你明白在特定的历史语境下，艺术家是如何挣脱束缚，创造出突破性的声音语言的。这本书读完后，我再去听那些经典曲目时，耳朵里听到的层次一下子丰富了许多，不再只是旋律的堆砌，而是看到了背后那宏大而严密的思维体系，真是受益匪浅，让人对“结构之美”有了全新的敬畏。
评分我必须承认，这本书的学术严谨性是毋庸置疑的，但最难能可贵的是，它完全没有陷入学院派的僵硬窠臼。作者似乎非常懂得如何与读者进行一场“平等”的对话，他既展示了扎实的专业功底，又时刻保持着一种邻家大哥般的亲切感。在解释复杂的和声进行时，他会突然插入一句略带调侃的评论，瞬间打破了严肃的氛围，让读者会心一笑。这种张弛有度的叙述方式，使得即便涉及高深的乐理知识，阅读过程也充满了乐趣，没有一丝疲倦感。我特别喜欢其中关于“动机发展”的章节，作者用非常形象的比喻——比如一个微小的想法如何在艺术家的脑海中进行自我分裂、自我重组，最终演变成一首完整的作品——这不仅解释了技法，更展现了创作的“生命力”。这本书的价值在于，它既能满足专业人士对深度的需求，也能让初学者感到启发和鼓舞，它有效地消解了艺术殿堂的神秘光环，让每个人都能感受到创作的魅力。
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