荣宝斋画谱

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出版者:中国美术(荣宝斋)
作者:唐云
出品人:
页数:42
译者:
出版时间:2001-5
价格:18.00元
装帧:
isbn号码:9787500301905
丛书系列:
图书标签:
  • 荣宝斋出版社
  • 唐云
  • 绘画
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  • 传统绘画
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具体描述

唐云,(1910-1993年)原名侠尘。别号大石、药城、药翁,浙江省杭州市人。生前任新华艺专教授、上海美专教授、中国美术家协会理事、中国美术家协会上海分会副主席、上海中国画院名誉院长、政协上海市委常委等。

唐云是中国著名画家,他的画笔墨劲挺、设色明丽、造型新颖。善画花鸟、山水。精通古字画文物的收藏鉴定。作品多次参加上海市和全国美展。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本画册,装帧典雅,纸张的质感摸上去就透着一股老派的讲究,让人联想到书页间那些墨香未散的时代气息。我翻阅的时候,重点关注了其对传统笔墨技法的梳理和呈现方式。首先,它在构图的处理上,尤其在山水画部分,展现出极高的古典素养。那些远山层峦叠嶂,近景虚实相生的处理,绝非简单地描摹自然,而是融入了画家对天地精神的理解。特别是几幅着重表现“气韵生动”的范例,线条的提按顿挫,墨色的浓淡干湿,几乎是教科书级别的示范。我特别留意了其中一幅竹子的画法,竹竿的劲挺与竹叶的飘逸达到了完美的平衡,用笔极简却极富表现力,这与当下很多追求繁复的画风形成了鲜明对比,体现了一种返璞归真的美学追求。这本书的价值,我认为不仅仅在于它提供了大量优秀的作品样本,更在于它在示范中无声地传递着中国画的核心精神——那种“外师造化,中得心源”的修炼路径。即便是初学者,也能从中窥见高妙之处,引发对“意在笔先”的深刻思考。

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我关注的重点在于其对“设色”和“水墨”的平衡艺术的呈现。在很多近现代的画集中,我们经常看到色彩的过度使用,使得水墨的韵味被冲淡。然而,这本画册在处理彩墨作品时,对“淡彩”的把握达到了令人称奇的境界。它似乎遵循着“墨为主,色为辅”的基本原则,即便是大面积使用矿物颜料的地方,其色彩的饱和度也被控制在一个非常内敛的范围,使得整体画面依然保持着水墨的清透感。我尤其欣赏其中几幅晚秋主题的作品,那些赭石和藤黄的运用,既表现了季节的萧瑟,又避免了落入俗套的艳丽。这种对色彩的克制与节制,恰恰体现了中国画“不以色胜”的审美取向。这本书告诉我们,真正的色彩表现力,不是在于颜料的贵重或用量的多少,而在于它能否与水墨的意境完美融合,共同构建一个和谐统一的精神世界,这一点,许多当代画家都需要重新学习和体会。

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这本书的装帧和选本的时代跨度,给了我一个观察中国画风格演变的时间切片。我发现它在收录的画家风格上,似乎有着一种内在的脉络,从较为工谨的早期风格,到后期逐渐放开、强调个性的抒发,这种选择本身就构成了一部无声的艺术史纲要。我注意到,即便是风格差异较大的作品,它们在“气势”上却有着某种内在的连贯性,这或许是编者在选材时故意为之——强调不同时代画家在面对中国传统“道”时,所展现出的不同面向。其中有几张人物画的线条处理尤其引人注目,那种对衣褶的寥寥数笔勾勒,就将人物的神态和内心的情感表达得淋漓尽致,这种“以简寓繁”的功力,是需要长期浸淫于传统文化才能达到的高度。它不是一本简单罗列名家作品的图集,更像是一部精心策展的展览目录,引导观者去追寻那些流淌在不同时代画家血液中的共同审美基因。

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最近在研究花鸟画的写意一派,手中的这本画集,恰好提供了极佳的参照。它的排版布局非常大胆且富有节奏感,不像有些画谱那样呆板地将单幅作品平铺直叙,而是巧妙地将几幅风格迥异,但主题相关的作品并置,形成了视觉上的对话。比如,将一幅工笔的牡丹与一幅大写意的红梅放在相邻的两页,那股强烈的对比,让人瞬间领悟到“工”与“写”之间转换的精髓所在,它不是对立面,而是同一审美体系中的两个极端。我发现,这本书对“笔法”的讲解,如果算是它最大的特色,那一定是对“飞白”的运用把握。其中几幅写意禽鸟的翅膀处理,简直神来之笔,寥寥数笔,羽毛的蓬松感和瞬间的动态被定格。这需要极高的控笔能力和对瞬间灵感的捕捉。我尝试跟着临摹了几次,才明白,那种“不着痕迹”的美感背后,藏着无数次的刻意练习和对物象的深刻洞察。对于想深入理解传统写意精神的爱好者而言,这本书无疑是一面镜子,映照出我们自身功力上的欠缺,也指明了前行的方向。

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作为一名致力于探索书法与绘画结合的实践者,我更看重画册中透露出的“文人画”的底蕴。这本书的选材似乎有意地避开了过于炫技的流派,转而侧重于那些注重诗情画意、强调“书卷气”的作品。这种取向让我在翻阅时,能感受到一种宁静致远的氛围。其中对于“点苔”和“皴法”的展示尤其精妙。那些苔点的错落有致,看似随意,实则处处着眼于空间的疏密关系,为山石的结构增添了生机和层次。而皴法的变化,更是让人眼花缭乱,从披麻皴的柔和到斧劈皴的刚劲,每一种都精准地服务于所描绘对象的材质和精神气质。有趣的是,书里似乎并没有过多冗长的文字说明,而是让画面自己说话,这非常符合中国传统艺术的审美习惯——“只可意会,不可言传”。这迫使读者必须放下依赖文字解释的习惯,真正用“眼”去读画,用“心”去领悟,这本身就是一种深刻的艺术教育。

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